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AMAZING SOUNDS
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No. 80
19 Septiembre 1999
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II ENCUENTRO DE MIKE OLDFIELD EL DIA 26 DE SEPTIEMBRE
El segundo encuentro de Mike Oldfield se celebrará el Domingo dia
26 de Septiembre de 11:00 a 20:00 h.. Al igual que el año pasado,
se realizará en unos locales situados en la esquina de la calle
Les Monges, esquina calle Sócrates (cerca de la calle Fabra i
Puig), en Barcelona, España.. Para llegar alli se puede coger el
metro de la linia 1 (roja) y salir en la parada de Fabra i Puig o
con el tren saliendo en la parada de Sant Andreu Arenal o Sant
Andreu Comtal. Para confirmar la asistencia, enviar un mensaje a:
tolkien@...
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REUNION DE AFICIONADOS A JEAN-MICHEL JARRE
Y A LA MUSICA ELECTRONICA EN GENERAL
Fecha: 9 y 10 de Octubre de 1999 en MALAGA. Hora y lugar de
encuentro:
Sábado, 11.30 de la mañana en la PLAZA DE LA MARINA.
Este tipo de reuniones ha tenido ya dos precedentes los años 1998
y 1999, en Madrid y Barcelona respectivamente. Con gustos
musicales semejantes como denominador comun y sin fanatismos de
ningun tipo, instamos a que vengais a esta Rendez-South 99 para
pasar un buen rato y, como no, disfrutar tambien de la noche
malagueña.
Si quereis mas informacion: 626.61.46.83 (Laura) /
laurica@...
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CONTENIDO:

NOTICIAS

ENTREVISTA CON DAVID BORDEN. Este artista ha estado en activo
dentro de la escena de la música electrónica durante más de tres
décadas. En 1967, entró en contacto con Robert Moog y sus
sintetizadores. Después de un par de años experimentando en el
estudio de Moog, fundó Mother Mallard, una banda pionera de la
Música Cósmica, el minimalismo y otras corrientes vanguardistas.

RESEÑAS DISCOGRAFICAS:
ALBERT GIMENEZ & DOM F. SCAB: "COSMIC NI" G3G
ALASDAIR FRASER & TONY MCMANUS: "RETURN TO KINTAIL" Culburnie
Records
MOTHER MALLARD: "MOTHER MALLARD'S PORTABLE MASTERPIECE CO. 1970-
1973" Cuneiform
DAVID BORDEN: "PLACES, TIMES & PEOPLE" Cuneiform
DAVID BORDEN: "THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 1-4 AND
8 (COMPLETE)" Cuneiform
DAVID BORDEN: "THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 5-8"
Cuneiform
DAVID BORDEN: "THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 9-12"
Cuneiform
AGRICANTUS: "BEST OF AGRICANTUS" World Class Records
VIDNA OBMANA & SERGE DEVADDER: "THE SHAPE OF SOLITUDE" Multimood
Records
PAUL WINTER & FRIENDS: "CELTIC SOLSTICE" Living Music

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intentar clicar sobre ellos si aparecen cortados en dos o más
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causas, recomendamos copiar el enlace COMPLETO (incluidos cada uno
de sus fragmentos), en la ventana de dirección de su navegador. El
enlace debe aparecer entero en una sola línea.

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NOTICIAS

NUEVO LIBRO:
"Digital Gothic; A Critical Discography of Tangerine Dream" by
Paul Stump
Más información aquí:

http://www.amazon.com/exec/obidos/ASIN/0946719187/thesciencebookbo

Ken Field, el saxofonista de la banda Birdsongs of the Mesozoic,
ha publicado un CD titulado "Subterranea" en el sello O.O.Discs.
En Octubre, "Pictures of Motion" será publicado en el sello sFz
Recordings.

Dentro de varias semanas, Iasos protagonizará algunos eventos
públicos en el área de Virginia Beach (USA) y en Pomona,
California (USA).Específicamente:
24 Octubre 1999- Full Moon! "GODDESS COUNCIL" - for women.
Virginia Beach, Virginia, USA
Más información en:
http://iasos.com/upcoming/#Oct. 24
26 Octubre 1999 - "SOUND & MUSIC for HEALING & LIGHT-BODY
ACTIVATION"
Virginia Beach, Virginia, USA
Más información en:
http://iasos.com/upcoming/#Oct. 26
29-31 Octubre 1999 - "STAR KNOWLEDGE CONFERENCE" (Iasos será uno
de los participantes en este congreso anual).
Pomona, California, USA
Más información en:
http://iasos.com/upcoming/#Star Knowledge

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ENTREVISTA CON DAVID BORDEN
Por: Jorge Munnshe

David Borden ha estado en activo dentro de la escena de la música
electrónica durante más de tres décadas. En 1967, entró en
contacto con Robert Moog y sus sintetizadores. Después de un par
de años experimentando en el estudio de Moog, cambiando sus
métodos de composición y sondeando los límites de las
posibilidades que ofrecían esos nuevos instrumentos, fundó la
banda Mother Mallard (el primer ensemble exclusivamente basado en
sintetizadores Moog), junto a Steve Drews y Linda Fisher. Mother
Mallard se convirtió en una banda pionera de la Música Cósmica, el
minimalismo y otras corrientes vanguardistas.

¿Podrías relatarnos cómo se inició tu vocación por la música?

"Jorge, si realmente deseas conocer la respuesta a esa pregunta,
entonces tendré que retroceder hasta la Segunda Guerra Mundial. En
Septiembre de 1944, durante las primeras semanas de curso (en el
primer grado de escuela primaria), la maestra preguntó si alguien
en la clase estaba interesado en tomar lecciones de piano. Nuestro
sistema de enseñanza pública en Brookline, Massachusetts estaba
entre los mejores de Estados Unidos (las lecciones costaban tan
sólo un dólar ya que la escuela las subvencionaba). De inmediato
levanté mi mano y Miss Clifford anotó mi nombre. Pocos días más
tarde, se me dijo que era demasiado joven para las lecciones.
Tenía cinco años de edad, y las clases de música estaban
estipuladas para niños a partir de seis años. Ese día, cuando
volvía de la escuela, me puse a llorar al llegar a mi calle, y mi
madre me preguntó qué me había ocurrido. Al día siguiente, mi
padre fue a la escuela y convenció al director de estudios de que
me diesen al menos una oportunidad para empezar, aunque fuese tan
sólo como un periodo de pruebas. Y, por supuesto, el resto es
historia, como suele decirse. Mi padre aprendió a tocar el piano
bastante tardíamente (comenzó a los 33 años de edad), de modo que
teníamos un piano en casa cuando yo nací. A medida que mi
percepción del entorno aumentaba, así como mi capacidad para
registrar los recuerdos más antiguos que hoy conservo, escuchaba a
mi padre practicando a todas horas siempre que estaba en casa. Su
empleo antes de la guerra era como vigilante en un restaurante-bar
de Boston. Había sido campeón de gimnasia en la escuela superior,
y era muy musculoso. Podría explicar muchas cosas sobre el
ambiente musical en el que crecí, pero basta con decir que mi
padre practicaba con piezas de Chopin, Lizst, Grieg, Gershwin,
además de diversas canciones de moda en aquella época (Nola, Dizzy
Fingers, Wabash Blues..). Todavía le recuerdo como si le estuviese
oyendo ahora mismo tocando insistentemente pasajes de Gershwin una
y otra vez durante horas (quien sabe, a lo mejor de aquí me vino
la facilidad con la que me orienté hacia la repetición, el
minimalismo...) Creo que mi desarrollo musical empezó a forjarse
en esa época, escuchando tocar a mi padre en la habitación de al
lado. Vivíamos con mis abuelos en un apartamento de cinco
habitaciones sin calefacción central. Mi dormitorio estaba justo
al lado de la sala de estar, que era donde se hallaba el piano.
Pienso que esta proximidad constante a las prácticas de piano me
adiestró mi oído a nivel subconsciente, permitiéndome desarrollar
una habilidad precoz con la entonación, ya que tan pronto comencé
a practicar con el piano, fui capaz de aprender los nombres de las
notas y de reconocerlas al instante con sólo escucharlas, sin
mirar al teclado. Realmente podría contar muchas cosas sobre el
favorable clima musical en el que crecí. Esto y el apoyo de mis
padres hacia mi vocación fueron las cosas que hicieron posible que
ésta se desarrollase en toda su plenitud."

¿Cuándo y cómo descubriste los instrumentos musicales electrónicos
y te percataste de que eran necesarios para el desarrollo de tu
música?

"Mis primeros encuentros con instrumentos electrónicos y métodos
electrónicos de composición (mediante grabación en cintas de audio
y manipulación de éstas) fueron a través de grabaciones de Otto
Luening y Vladimir Ussachevsky a finales de los años cincuenta.
Pero fue el trabajo de John Cage lo que me atrajo definitivamente.
Cuando estuve estudiando con Boris Blacher en el Hochschule für
Musik de Berlín en 1965-66, vi en persona por vez primera un
estudio musical electrónico. Me mostró cómo había completado una
ópera que incluía sonidos de sintetizador. Pero no fue hasta 1967
en Ithaca, Nueva York, donde yo era compositor residente en la
School District por una beca de la Ford Foundation, cuando entré
en contacto por primera vez con Robert Moog y sus sintetizadores.
Bob me mostró su estudio que se encontraba en el local de su
empresa en Trumansburg, Nueva York, a escasa distancia de Ithaca.
Me dio acceso al lugar y una lección básica introductoria de cómo
funcionaba todo el equipo. Pero dado que era un alumno de
aprendizaje lento (¡y sigo siendolo!), no fue hasta 1968 cuando me
sentí del todo capaz para manejar los sintetizadores Moog como
instrumentos musicales de estudio. hay que recordar que eso era
antes de las actuaciones en directo usando sintetizadores, de modo
que los Moog eran en aquel entonces un medio usado exclusivamente
en estudio. También hay que tener en cuenta que a pesar de que
esos primeros sintetizadores estaban controlados mediante
teclados, eran monofónicos, es decir que no reconocían más de una
nota al mismo tiempo. Después de un par de años experimentando en
el estudio de Moog, cambiando mis métodos de composición,
aprendiendo a sacarle el máximo partido como ingeniero de
grabación a las grabadoras de cuatro pistas y sondeando los
límites de las posibilidades que ofrecían esos nuevos
instrumentos, estuve a punto para intentar hacer actuaciones en
vivo usando estos instrumentos diseñados para la labor en estudio.
Richard Teitelbaum había ya tocado en vivo con un Moog en Roma,
dentro de Musica Eletronnica Viva. Pero nadie había intentado
utilizar varios Moogs en un ensemble, en parte debido al elevado
coste de estos instrumentos. Sin embargo, con la ayuda de Moog,
comenzamos, en Mother Mallard (mi nuevo grupo musical) y en el
First Moog Quartet, a hacer precisamente eso. El First Moog
Quartet tocaba arreglos de piezas sacadas del repertorio Clásico.
No recuerdo bien las fechas de su existencia, pero sí que duró
poco. Con un enfoque bien distinto, Mother Mallard comenzó a hacer
música especialmente creada para los Moogs en 1969, y vamos a
celebrar el treinta aniversario de la banda con un concierto aquí
en Ithaca el 3 de Octubre de 1999. La primera formación de Mother
Mallard estaba integrada por los compositores / teclistas Steve
Drews, Linda Fisher y yo.."

¿Qué sintetizadores, instrumentos electrónicos y equipamiento usas
en tu música? ¿Y en la etapa 1970-73?

"Empecé a acumular material post-Moog a mediados de los años
ochenta. Ahora poseo un buen número de sintetizadores montados en
rack, controlados por un Yamaha KX-88, para interpretación y
grabación en directo. Entre ellos, puedo citar los siguientes:
Oberheim Matrix 1000, Yamaha FB01s, TX81Z, TX802, TX816, E-Mu
Proteus-2, Alesis QuadraSynth, QS7, Korg X5DR, Wavestation, M1Rex,
Roland Juno 60, MiniMoog (MIDI), Digidesign SampleCell, y, más
recientemente, un Novation Supernova. Una buena cantidad de
material, como ves. También tengo un sampler Unity DS-1 pero
todavía no lo he usado. Estoy pensando en añadir un sampler
realmente bueno de E-Mu, y entonces ya estaré listo para comerme
el mundo. En el estudio de la Universidad de Cornell, tengo más
equipamiento y también acceso a ProTools. También tengo un sistema
de video con tarjeta capturadora y un monitor para el trabajo
cinematográfico. Añade a eso una Tascam D-88 y un DAT Panasonic,
un par de cajas de efectos, y ya tenemos casi todo. Y, casi se me
olvidaba, manejándolo todo un Macintosh G3 con el software MOTU."

"En 1970-73, usábamos tres sistemas modulares Moog y dos
MiniMoogs, además de un piano RMI. Teníamos dos grabadoras Scully:
una de cuatro pistas y otra de dos pistas. Además, una dos pistas
Revox. No recuerdo el tipo de mesa de mezclas que teníamos, pero
era muy buena para su época. Aunque este equipo parece simple, no
era simple grabar con él debido a las limitaciones como por
ejemplo la carencia de tecnología de sincronización, lo que nos
obligaba a menudo a tocar de un tirón durante veinte o más minutos
sin cometer ningún error."

¿Ha sido Terry Riley, u otros músicos, una influencia importante
para tu carrera musical, sobre todo al principio?

"En 1968 escuché por primera vez la grabación de la Columbia de
"In C" de Terry, y fue para mí una confirmación de que aquella era
la dirección que yo quería seguir. En aquella época había tal
actitud iconoclasta contra la hegemonía de la música académica,
que esa obra ejerció una influencia enorme sobre otros
compositores jovenes, especialmente Steve Reich que había asistido
a la primera interpretación de la obra en 1964 en el Mills
College. En los créditos del álbum, descubrí que un viejo amigo
mío, Jon Hassell, tocaba la trompeta. Supe que se hallaba en
Buffalo como un Creativo Distinguido de la Rockefeller, de modo
que le llamé. me dijo que Terry estaba allí también, de manera que
fui a Buffalo y me encontré con Terry Riley. No conversamos sobre
nada de importancia, pero él y su esposa hablaron sobre Zap Comix,
y yo adquirí una colección completa."

"Más tarde, en los primeros tiempos de Mother Mallard, cuando
estuvimos tocando en la ciudad de Nueva York, en diversos locales
vanguardistas, siempre procurábamos sacar de la ciudad lo antes
posible después del concierto nuestro equipamiento electrónico por
temor de un robo. Ayudándonos en este propósito teníamos al
compositor David Behrman, quien nos llevaba a su casa rural cerca
de Bear Mountain, a una hora de camino del exterior de la ciudad.
David había producido la grabación de "In C", y estaba también
asociado con Merce Cunningham y John Cage. David Behrman, aparte
de Gordon Mumma, fue el primer compositor que conocí que utilizase
un computador en una actuación en directo. Ambos los montaron
además por su cuenta. Pero volviendo a Terry, sí, recibí de él una
positiva influencia al mismo tiempo que estuve descubriendo los
sintetizadores. Mi música pasó a tener menos influencias europeas,
y comenzó a contener estructuras repetitivas. Usé elementos que ya
había empleado en mis días como músico de Jazz pero que no había
utilizado todavía en mi música concertística. Terry, y hasta
cierto punto, John Cage, me influenciaron en mi propósito de
incluir dentro de una misma técnica cualquier tipo de elemento
musical. Mi primer paso hacia una aproximación holística.
Buckminster Fuller fue también para mí una gran influencia con sus
ideas sobre la sinergia."

¿Cuál es el proceso que sigues para componer y grabar una pieza?

"Mis ideas musicales vienen tanto de material musical abstracto
como de cuestiones extramusicales como por ejemplo el nombre de
una persona. Como muestra de ello, puedo decirte que el anagrama
de tu nombre es "He runs, men jog". Tengo una serie de
composiciones llamadas "Anagram Portraits", de modo que yo podría
hacer el tuyo sobre un tema relacionado con correr. También he
compuesto una serie de variaciones sobre un tema de Philip Glass.
Casi toda mi música se basa en el contrapunto, es decir que cada
línea tiene su propia e importante identidad. No incorporo mucha
melodía ni acompañamientos, aunque algunas veces sí."

"Suelo empezar por grabar una línea en el Performer (el
secuenciador MOTU) y tras ello añado otras líneas a esa. Con la
secuenciación, puedo probar diversas permutas de cualquier línea o
sección invirtiéndolas, haciendo que suenen marcha atrás, o
cambiando el modo, todo con gran rapidez, con lo cual puedo
escuchar cómo suena, casi al instante. Esto es lo que la
tecnología informática nos ha dado a los compositores; más
opciones con las que trabajar y además necesitando menos tiempo.
En el pasado, trabajar a este nivel de profundidad, consumía mucho
más tiempo. En cualquier caso, ambos modos de componer tienen sus
pros y sus contras. Cuando no quedo satisfecho con el resultado, a
menudo vuelvo hacia atrás y trabajo al "estilo antiguo", ante un
piano y con lápiz y papel."

"Tan pronto como tengo una pieza mínimamente completada, suelo
grabarla. Esto no implica que dicha grabación vaya a ser la que
use como master para formar parte definitiva de un nuevo CD, sino
que tan sólo consiste en la idea más o menos aproximada de cómo
quiero que suene dicha pieza."

¿Puedes hablarnos un poco acerca de tu actividad en el Digital
Music Program de la Universidad de Cornell?

"Soy el director de dicho programa y he desarrollado todos los
cursos conectados con él. Estos cursillos se orientan a un amplio
rango de alumnos, desde los completos principiantes hasta
compositores con titulación que desean saber cómo trabajar en un
entorno de audio digital basado en el MIDI. Hoy en día es muy
difícil para un compositor obtener un puesto en una universidad si
no posee ningún conocimiento del medio electrónico, sobre todo de
programas informáticos usados para componer, interpretar y
elaborar partituras."

¿Cuál es tu opinión sobre la evolución de la escena mundial de
música electrónica durante 1970-1999? ¿Cómo crees que será este
panorama en los próximos treinta años?

"Cuando comencé en la música electrónica en 1967, Robert Moog no
podía convencer a ninguna tienda estadounidense de instrumentos
musicales para que aceptasen en stock alguno de sus
sintetizadores. Ahora, por supuesto, cada tienda de instrumentos
ofrece diversos modelos de sintetizador entre los que escoger, y
no sólo eso, los pianos digitales han reemplazado a los acústicos
como teclado introductorio para muchos estudiantes de piano y para
el entretenimiento en hogares. Esto es algo que nadie predijo hace
treinta años. Lo que resulta molesto es que muchos compositores
"clásicos" siguen viendo el sintetizador como una especie de
"parche" para situaciones muy concretas y especiales, en vez de
como un instrumento "serio". Mientras, en la música Pop se usan
todo tipo de instrumentos electrónicos de teclado. Confío que
dentro de no mucho tiempo llegará el día en que los teclados
electrónicos serán para la escena musical clásica algo más que
inventos curiosos. Me consta que muchos compositores "serios" ya
trabajan en el medio electrónico. Tan sólo falta que sea asimilado
culturalmente."

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Tecno, Industrial, Trance, New Age (Nueva Era), Nueva Música
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RESEÑAS DISCOGRAFICAS:

ALBERT GIMENEZ & DOM F. SCAB:
"COSMIC NI"
G3G
Este álbum es el resultado de la colaboración entre el guitarrista
Albert Gimenez y el sintesista Dom F. Scab. "Cosmic Ni" reune los
memorables conciertos de Gimenez y Scab en el teatro Abaixadors-10
(6 de Junio de 1999) y el club Sidecar (22 de Junio de 1999), en
Barcelona, España. Las cinco piezas son sesiones improvisadas
grabadas en directo. La música puede ser emplazada entre el
Ambient y el Trance. Rasgos de Rock Psicoélico están también
presentes, e incluso ostentan un papel protagonista en distintas
partes de la obra. También hay algunos toques de Jazz y otros
elementos variados que contribuyen a enrriquecer las
composiciones. Los artistas utilizan la electrónica y los collages
sonoros con gran imaginación, logrando crear estructuras musicales
alejadas de las modas más usuales.
JORGE MUNNSHE

ALBERT GIMÉNEZ
El compositor y guitarrista Albert Giménez, nacido en 1956, empezó
su carrera musical en los años 70. Fue miembro de las bandas Suck
Electronic, Macromassa y Neuronium. En 1979 pasó de la guitarra
eléctrica a la clásica, grabando durante los siguientes años
diversos discos con composiciones suyas para guitarra acústica
solista, y tocando en numerosas giras de conciertos. En 1995
regresó a la guitarra eléctrica para seguir investigando las
nuevas fronteras electrónicas que éste instrumento ofrece.
Discografía básica:
-UN SOMNI PETIT
-IMATGE
-ATLAS-NAIF (& V. Nubla & E. Cervera)
-ESCAPADA
-SIX JOURS A BARCELONA (& D. Lawalrée & C. Setó)
-MUSICA SECRETA
-DISCOURS - LIVE EUROPA JAZZ FESTIVAL LE MANS
-QUIETUDS
-CONCERT CONFIDENCIAL
-MUSICA CONTEMPLATIVA
-DUDUM
-MOSDUM
-ZIV
En Macromassa:
-DARLIA MICROTONICA
En Neuronium:
-QUASAR 2C361
-VUELO QUIMICO

Si deseas adquirir algún trabajo de Albert Gimenez, basta con que
uses el siguiente enlace:

http://www.amazings.com/ventacds.html

DOM F. SCAB
El sintesista Dom F. Scab es miembro de la banda At-Mooss. Nacido
en 1965, empezó a tomar lecciones de piano a los diez años de
edad. Durante los años que siguieron, maduró su vocación musical,
adquiriendo los necesarios conocimientos y habilidades que le
permitirían desarrollar su propio estilo musical. Comenzó una
carrera en solitario como compositor en 1998. Su música ha sido
difundida en programas de radio especializados tan famosos como
Echoes (en Estados Unidos). Ha compuesto algunas sintonías
radiofónicas y una banda sonora. Ha colaborado con músicos como
por ejemplo Albert Giménez (ex-miembro de Neuronium). Es también
un experimentado ingeniero de grabación.
Discografía básica:
-INNERSEED
En At-Mooss:
-MORPHING SYNTHESIZERS
-MORPHING SYNTHESIZERS-II
-MORPHING SYNTHESIZERS-III

Puedes encontrar más información en:

http://www.arrakis.es/~domfer

domfer@...

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ALASDAIR FRASER & TONY MCMANUS:
"RETURN TO KINTAIL"
Culburnie Records
Una vez más, Alasdair Fraser nos ofrece una bonita colección de
canciones celtas. Se trata de nanas, “reels” y “jigs”, algunos de
ellos compuestos por antiguos y contemporáneos compositores, así
como arreglados por Fraser. El violinista ha estado acompañado por
Tony McManus, el gran y talentoso guitarrista escocés. Habían
tocado juntos en directo con anterioridad, pero ahora ha llegado
el momento de efectuar una verdadera colaboración. Return to
Kintail contiene 13 piezas y combina los ritmos celtas
tradicionales con el aroma de las viejas melodías. Un material
realmente bueno.
MANUEL MONTES

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Si deseas adquirir algún trabajo de Fraser, basta con que uses el
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MOTHER MALLARD:
"MOTHER MALLARD'S PORTABLE MASTERPIECE CO. 1970-1973"
Cuneiform
Este CD recoge las primeras composiciones de Mother Mallard, una
banda pionera de música electrónica, fundada por David Borden,
Steve Drews y Linda Fisher. Se trata de cinco piezas legendarias,
grabadas entre 1970 y 1973, en las que la banda demostró su
formidable imaginación creando una densa y sólida música
electrónica. "Easter" (1970) y "Music" (1972), compuestas por
David Borden, poseen potentes ritmos que forman estructuras de
gran complejidad. Estos ritmos sostienen incluso las melodías, al
desarrollarse bajo la forma de secuencias hipnóticas que oscilan
alrededor de un determinado patrón tonal. "Cloudscape for Peggy"
(1970), compuesta por Borden, y "Train" (1970), compuesta por
Drews, son una muestra asombrosamente avanzada a su época de lo
que acabaría por ser la Música Cósmica. Estos dos temas son
lentos, rebosantes de ambientes extraterrenales y melodías
mágicas. "Ceres Motion" (1973), compuesto por Drews, alterna Rock
Psicodélico con Música Cósmica.
JORGE MUNNSHE

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DAVID BORDEN:
"PLACES, TIMES & PEOPLE"
Cuneiform
Como su título sugiere, David Borden expresa algunas de sus
emociones y recuerdos en este álbum. Varias piezas están dominadas
por un caracter épico, majestuoso. Otras hacen incursiones dentro
del Jazz-Rock de vanguardia, como por ejemplo "Droneland". Hay
también algunas composiciones de aire romántico, melancólico,
tales como "Enfield in Winter". La pieza más impresionante del CD
es, en mi opinión, "Esty Point, Summer 1978", de aire misterioso y
emotivo, así como poseedor de una gran belleza. El artista sabe
cómo demostrar de manera rotunda que los sintetizadores no sólo
tienen alma sino que también poseen una expresividad y un
potencial artístico prácticamente inagotable.
JORGE MUNNSHE

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DAVID BORDEN:
"THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 1-4 AND 8 (COMPLETE)"
Cuneiform
La serie "The Continuing Story of Counterpoint" comenzó con el
deseo de Borden de desarrollar su propio lenguaje en el
Contrapunto. Su aproximación fue influenciada básicamente por
diversos compositores asíduos de esa técnica, desde Machaut (siglo
XIV) a Josquin (siglo XVI). Sin embargo, la música no es medieval,
sino en una línea melódica-atmosférica que incluye muchos rasgos
propios de la Música Cósmica de Secuenciador. El peculiar estilo
de esta serie de CDs de Borden incluye rasgos Clásicos y
Románticos, con un fuerte protagonismo de los sintetizadores y los
secuenciadores. Este álbum presenta las partes 1, 2, 3 y 4, más la
versión completa de la Parte 8. David Borden es el autor de las
composiciones. Toca teclados y le acompañan Lynn Purse (teclados),
Gabriel Borden (guitarras eléctrica y acústica), Les Thimmig
(instrumentos de viento), Tom Kikta (producción en sonido en
directo) y Ellen Hargis (voz soprano en algunos pasajes)
EDGAR KOGLER

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DAVID BORDEN:
"THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 5-8"
Cuneiform
Este CD contiene las partes 5, 6, 7 y 8 de esta interesante serie
del sintesista David Borden. El toca teclados y le acompañan
Gabriel Borden (guitarra), Les Thimmig (instrumentos de viento) y
Ellen Hargis (voz soprano sampleada en algunos pasajes). La música
está basada mayormente en secuenciadores. En muchos pasajes, el
ritmo asume el papel de la melodía, debido a su gran complejidad.
El estilo del álbum presenta elementos típicos de Música Cósmica,
Nueva Música Instrumental, Minimalismo, Clásica y Rock Progresivo.
Las composiciones están inundadas de dinamismo, grandiosidad
sinfónica y romanticismo.
EDGAR KOGLER

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DAVID BORDEN:
"THE CONTINUING STORY OF COUNTERPOINT PARTS 9-12"
Cuneiform
Borden alcanza con este álbum una nueva fase evolutiva en el
desarrollo de su propio lenguaje de Contrapunto. El artista plasma
aquí imaginativas ideas musicales, bajo un enfoque general
orientado más bien hacia hacia la Música Cósmica de Secuenciador y
la Minimalista. No obstante, se escuchan también varias partes de
con estilos diferentes. Algunos pasajes resultan muy épicos. Otros
profundizan en la Música Clásica, como por ejemplo "Part Eleven".
Hay también varias piezas de claro aire romántico, como es el caso
de "Part Ten".
EDGAR KOGLER

Si deseas adquirir este trabajo, basta con que uses el siguiente
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AGRICANTUS:
"BEST OF AGRICANTUS"
World Class Records
Agricantus es un grupo italiano excelente, completamente dedicado
a la llamada World Music. Este es su primer disco editado en los
Estados Unidos, un completo “Lo Mejor de...” que nos da una buena
idea de su estilo y potencial. Agricantus procede de Palermo:
ellos son Tonj Acquaviva, Mario Crispi, Guiseppe Panzeca, Mario
Rivera y Rosie Wiederkehr. Desde 1989 (Nachitabumma) han publicado
varios álbumes que han sido bien recibidos, incluyendo Tuareg
(1996) y Kaleidos (1998). Mezclan los instrumentos tradicionales y
contemporáneos con las más modernas técnicas, dando como resultado
un producto fascinante donde las voces étnicas tienen gran
importancia. Están muy influenciados por la cultura africana, los
sonidos y los ritos que proceden de lugares lejanos. Este CD
seguramente te sorprenderá.
MANUEL MONTES

Si deseas adquirir este trabajo, basta con que uses el siguiente
enlace:

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VIDNA OBMANA & SERGE DEVADDER:
"THE SHAPE OF SOLITUDE"
Multimood Records
Vidna Obmana y Serge Devadder colaboran en este álbum, dominado
por un caracter misterioso, nocturno, con orquestaciones típicas
de la Música Cósmica y elementos de la Industrial. Las ocho piezas
electrónicas que integran este CD te llevan cada una a un viaje
hacia lo desconocido. La música es mayormente estática.
Sintetizadores y guitarras están fusionados, edificando una
atmósfera onírica, inquietante. Las melodías mantienen una gran
uniformidad conceptual y en ellas encontramos todo tipo de
texturas sonoras hipnóticas.
EDGAR KOGLER

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PAUL WINTER & FRIENDS:
"CELTIC SOLSTICE"
Living Music
Esta no es la primera vez que Paul Winter se siente muy interesado
en la música celta. El y Paul Halley trabajaron con Nóirín Ní
Riain en su primer álbum para Living Music, Celtic Soul, en 1996.
Entonces, cuando se encontraba planeando la celebración anual
Summer Solstice, tuvo la idea de titular el evento como “Celtic
Solstice”. Más tarde, conoció a gente como Davy Spillane, uno de
los más grandes gaiteros irlandeses. El festival Celtic Solstice
tuvo un gran éxito y pronto tuvieron suficiente material para un
álbum. Este CD, por tanto, es el resultado de una intensa
colaboración entre músicos americanos e irlandeses durante una
celebración en el interior de la catedral gótica más grande del
mundo, la Catedral de San Juan el Divino de Nueva York. Winter,
por supuesto, toca su famoso saxo soprano. Con él están Eileen
Ivers (violín), Davy Spillane (gaita), Karan Casey (voces), Joanie
Madden (flautas), Jerry O’Sullivan (gaita), Paul Halley (órgano y
piano), Jamey Haddad (percusión), Zan McLeod (guitarra), Carol
Thompson (arpa celta y arpa triple galesa), Austin Mcgrath
(bodhran) y Bakithi Kumalo (bajo). Celtic Solstice contiene nueva
material y también nuevos arreglos de melodías tradicionales. Se
trata, en pocas palabras, de música auténticamente gloriosa.
MANUEL MONTES

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PAUL WINTER
Paul Winter, en solitario o con su Paul Winter Consort, es uno
de los máximos exponentes de la nueva música instrumental. Nacido
en Pennsylvania, el músico americano es un virtuoso del saxofón y
el clarinete, instrumentos cuyos sonidos le han hecho famoso y han
convertido a su música en un ente rápidamente reconocible. Winter,
que desde muy joven ha trabajado en diversas bandas, ha madurado
su estilo hasta un extremo verdaderamente personal e inimitable.
Winter formó su Paul Winter Sextet a principios de los
sesenta, casi siempre actuando en ambientes de jazz. Su primera
gira le puso en contacto con otras culturas, algo que le marcaría
para siempre. En 1967, puso en marcha el Paul Winter Consort, en
el que fusionó sus raíces jazzísticas con voces instrumentales de
otros géneros y estilos culturales. La naturaleza, el canto de las
ballenas, la música étnica y otras fuentes de inspiración dieron
forma poco a poco a lo que Winter y sus músicos llaman "Earth
Music", la música terrenal.
En 1980, el compositor crea su sello Living Music Records,
donde ha publicado sus grandes obras de los ochenta y los noventa.
Ganador de tres premios Grammy y nominado en ocho ocasiones más,
Paul y su Consort alcanzaron su máxima difusión y popularidad.
Especialmente interesantes son sus conciertos anuales en la
catedral St. John the Divine, así como sus giras y más de 2.000
conciertos en todo el mundo.
Discografía básica:
ICARUS (PW Consort)
CALLINGS
MISSA GAIA / EARTH MASS
SUN SINGER
COMMON GROUND
CONCERT FOR THE EARTH (PW Consort)
CANYON
LIVING MUSIC COLLECTION 1 (PW Consort)
WINTERSONG (PW Consort)
WHALES ALIVE! (& Paul Halley/Leonard Nimoy)
EARTHBEAT (PW Consort & Dmitri Pokrovsky Singers)
LIVING MUSIC COLLECTION II (PW Consort)
WOLF EYES: A RETROSPECTIVE
EARTH:VOICES OF A PLANET
THE MAN WHO PLANTED TREES (PW Consort)
TURTLE ISLAND (PW Consort & Gary Snyder)
ANTHEMS: 10 YEARS OF LIVING MUSIC (& friends)
SOLSTICE LIVE! (PW Consort with Special Guests)
SPANISH ANGEL (PW Consort)
PRAYER FOR THE WILD THINGS (& Earth Band)
CANYON LULLABY
SOLSTICE LIVE! (1998) (PW Consort with Special Guests)
BRAZILIAN DAYS (& Oscar CastroNeves)
GREATEST HITS + BONUS DISC
CELTIC SOLSTICE

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alternativas. Las inserciones son gratuitas.
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