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AMAZING SOUNDS No. 151 / 7 Diciembre 2006
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CONTENIDO:

NOTICIAS

JOSÉ MARÍA CIRIA (Entrevista realizada por Edgar Kogler)
LA SERIE "EXTREME MEDITATION" DE MICHEL HUYGEN (Artículo de Jorge Munnshe)
JOAQUÍN TABOADA (Entrevista realizada por Manuel Lemos Muradás)

RESEÑAS DISCOGRAFICAS:
NEURONIUM: "SYNAPSIA" Anima Music
DAVE SIMMONS: "THE DISINTEGRATION PRINCIPLE"
JOHN FLUKER: "THE SOUND OF PEACE" It's a Fluke Productions
ELISE LEBEC: "POSSIBLE DREAMS" Lebec Entertainment
BRUNO SANFILIPPO: "InTRO" AD21 Music
VARIOS: "ECHOES OF TUVALU" New Vibes Music
DAVID WRIGHT: "THE TENTH PLANET" AD Music
FONTAIN'S M.U.S.E.: "MYSTIC KISS"
JEFFREY MICHAEL: "AWAKENING" Fireheart Music
GARY STADLER: "FAIRY LULLABIES" Sequoia Records
VARIOS: "YOGA MOODS" Sequoia Records
VARIOS: "BUDDHA LOUNGE 5" Sequoia Records
EMPTY CAGE QUARTET: "HELLO THE DAMAGE! pfMENTUM
JEFF KAISER / TOM McNALLEY: "ZUGZWANG" pfMENTUM

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NOTICIAS

ALIDAN ofrecerá un concierto con motivo de la presentación en directo de
los nuevos temas que conformarán su próximo CD "INTO THE SPIRAL" el Sábado
10 de Febrero de 2007 a partir de las 21:30 h., en la SALA FAX, calle
Hermosilla 101, (galería comercial), semiesquina con la calle Alcalá,
(Metro Goya), Madrid, España. Entrada : 5 euros con consumición. Más
información:
http://www.alidanmusic.com

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TABLÓN DE ANUNCIOS DE NUESTROS LECTORES

Vendo CDs originales a 3 euros cada uno, más gastos postales. Los envío a
contrarreembolso. (Sólo dentro de España)
Gastos postales: 1 CD: 6,53 euros. 2 a 3 CDs: 7,20 euros. 4 a 16 CDs: 7,83
euros. 17 a 40 CDs: 8,48 euros.
Estilos: Pop de vanguardia / Pop electrónico, Tecno, Industrial, Trance,
New Age, Nueva Música Instrumental, Electroacústica, Experimental, Jazz,
Jazz-Pop, World Music (Música Global), Celta, Ambient, Música Clásica.
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JOSÉ MARÍA CIRIA
(Entrevista realizada por Edgar Kogler)

José María Ciria cuenta con una dilatada trayectoria artística, cuyos
inicios se remontan a los años setenta. Conocido, entre otras facetas, por
su labor en la banda Program@, ha participado en diversos grupos
vanguardistas y se ha forjado un estilo muy personal. Aparte de su labor
como compositor electrónico, es también un reputado percusionista, que ha
participado en álbumes de artistas y grupos bien conocidos, como por
ejemplo Neuronium. Sus actuaciones en directo constituyen otra faceta
importante de su carrera.

-¿Cómo te introdujiste en el mundillo de la música? ¿Cuándo empezaste a
tocar y a componer?

Desde que recuerdo siempre me ha gustado la música. No sé por qué, cuando
fui adolescente me decanté por la batería, a lo mejor tuvo que ver el
famoso solo de batería de los Iron Butterfly con su tema "In a gadda da
vida", no lo sé; como no tenía instrumento seguía la música aporreando
cualquier cosa que encontraba, así que cuando tuve la primera oportunidad
de conocer a unos músicos, me pasaba horas en su local de ensayo, oyéndolos
tocar. Como el batería de su grupo no aparecía mucho por allí, un día me
ofrecieron sentarme en la batería y tocar con ellos. Debía tener 18 o 19
años y a partir de ese momento, me tomé en serio aprender a tocar, me
compré un método rudimentario de batería y de forma autodidacta me adentré
en la música. Más tarde fui incluso al conservatorio de música de
Barcelona, en el que estudié algunos años solfeo, armonía y percusión.

La faceta de compositor la desarrollé más tarde. En todos los grupos que
estuve siempre me gustaba aportar ideas, ya fuera en la composición como en
los arreglos, pero nunca compuse un tema entero hasta que pude tener mi
propio estudio y desarrollar mis habilidades al piano o con los sintetizadores.

-¿Cómo iniciaste tu relación musical con José Antonio López / Joseph
Loibant, Carlos Guirao, Michel Huygen y los otros músicos con los que has
colaborado?

Precisamente en el primer grupo que mencionaba antes estaba Carlos Guirao a
la guitarra, voces y flauta. Lo conozco por tanto desde mis inicios y
compartimos en diferentes etapas musicales de nuestra vida momentos muy
importantes. En los comienzos estuvimos juntos con el grupo casi 2 años y
más tarde nos volveríamos a reunir en Programa. A Michel Huygen lo conocí,
primero porque Carlos estaba en el grupo Neuronium y nos seguía uniendo una
gran amistad, y segundo porque ensayaban en el local de al lado nuestro. Yo
por aquel entonces tocaba en un grupo de rock sinfónico llamado Magenta
(con el tiempo he sabido que hay un grupo inglés que también tiene ese
nombre). Llegamos a componer una ópera rock entre el bajista Pepe Rodríguez
a la música y yo las letras. Entre los músicos estaba otro gran teclista y
acordeonista: Conrad Setó.

Así que cuando Michel Huygen y Carlos decidieron poner batería a la música
de Neuronium me llamaron para que colaborara con ellos tanto en el LP "The
Visitor" como en "Invisible Views".

Con Carlos Guirao colaboré más intensamente en su disco en solitario
Revelation en el año 1982 en varios temas, añadiendo percusión y batería a
sus composiciones electrónicas.

Por aquella época Jordi Garcia refundó Suck Electronic ( el grupo donde
inicialmente también estuvo Michel Huygen)

Y me llamaron a mí para ocupar la batería. Grabamos un Lp con Edigsa
titulado "L'home reanimat".

A través de Carlos conocí a J.Antonio López; fui a su estudio varias veces
y me sorprendió ver los aparatos electrónicos que tenía.

-¿Cómo resumirías tu trayectoria musical en la primera etapa de Programa
(años 80)? ¿Puedes hacer un repaso de los acontecimientos que para ti
tuvieron mayor importancia en ese periodo?

En un principio Carlos Guirao me llamó para que le ayudara en los arreglos
de sus temas para el grupo Programa.

Así que pasamos mucho tiempo juntos elaborando y retocando sus temas en el
estudio de J.Antonio y a partir de ahí, nuestra amistad fue creciendo.
Además de los arreglos, toqué algunas partes de sintetizador y percusión
electrónica en los LPs "Reunión de Amigos" y "Acrópolis". A partir de ese
disco me propusieron que formara parte del grupo, así que me uní a ellos.
Esa época fue interesante porque hicimos varias apariciones en distintos
programas de TV, y alguna actuación en directo. También llegamos a elaborar
un CD los tres que se iba a llamar "Paris-Dakar" pero por distintos motivos
nunca llegó a publicarse.

-¿Qué te motivó a a la hora de reactivar con Josep Loibant la banda
Programa después de años de silencio?

Nunca perdimos el contacto del todo y un día Joseph Loibant me propuso
reactivar Programa, yo por mi cuenta iba componiendo y haciendo temas, pero
tenían escasa difusión así que esa fue una oportunidad para darlos a conocer.

También fue una oportunidad para entrar de lleno en el mundo de los
sintetizadores y conocerlos más en detalle gracias al equipo fantástico de
Joseph que tenía y tiene en su estudio, y también me supuso la entrada en
el mundo de la producción musical.

Cuando tienes que elaborar un producto profesional tus exigencias aumentan
y has de trabajar más en la finalización de los temas, los arreglos, la
grabación y la masterización. Has de ir un paso más allá. Eso es positivo
porque tus conocimientos aumentan y se abren nuevas soluciones a problemas
que dejan de serlo.

-Háblanos sobre tu actividad componiendo bandas sonoras. ¿En que difiere tu
labor con ellas a la que realizas en tus álbumes?

Básicamente difiere en que suelen ser de encargo y, aunque tengo libertad
musical, siempre hay que adaptarse a la idea del director, al tema de la
película y al tiempo de duración, generalmente corto, entre los episodios
musicales. Es otra forma de tratar la música porque generalmente la música
está supeditada a las imágenes. Pero también es interesante porque estás
sometido a un marco y a unas reglas, y a partir de ahí sólo tu imaginación
delimita los márgenes de la creatividad.

-¿Te atrae más tocar tu música en conciertos o disfrutas más al grabarla
paso a paso en tu estudio?

Las dos experiencias me atraen. Son distintas y no se pueden comparar.
Tocar en directo con público es algo que no se puede describir, sobre todo
si hay conexión con la audiencia y todo sale bien. Es comunicarse con
cientos de personas a la vez con un lenguaje universal, directo y profundo.
El disfrute de componer en el estudio y experimentar con los sonidos y los
aparatos también es muy gratificante. Estás tu solo con el sonido, un
alquimista y mago elaborando pociones y fórmulas sonoras que pueden ser
fantásticas, en el sentido de que al oírlas te pueden llevar a mundos
desconocidos y sorprendentes.

La sorpresa es uno de los factores más importantes que te puedes encontrar
en el estudio cuando compones; sin saber cómo, el tema te lleva por unos
caminos que nunca habrías sospechado. Esos momentos son increíbles porque
estás elaborando algo nuevo, y, en el mejor de los casos, algo que no
existía antes una combinación de sonidos y timbres diferente.

El directo es la experiencia única e irrepetible, con sus aciertos y sus
fallos, la emoción directa del instante plasmada en música. No hay vuelta
atrás, es como la vida. La flecha del tiempo, siempre hacia delante. En
cambio, en el estudio tienes la oportunidad de elección, de elaboración
reflexiva, qué parte escojo y qué parte descarto, trazar el rumbo del tema
y, si conviene, pararte en los pasajes y paisajes que vas encontrando.

-¿Qué proceso sueles seguir para elaborar un tema? ¿O cada caso es
distinto? ¿Qué cosas suelen inspirarte o activar tu creatividad?

El proceso es distinto para cada tema. Primero está la chispa de inicio,
que puede ser muy variada desde una motivo rítmico, una secuencia de
acordes, una melodía, un libro, una cita que me llame la atención, un
concepto, una foto, en fin cualquier cosa que despierte en mi cerebro, algo
que yo no sé lo que es, pero que me incita a seguir, desarrollar o
profundizar en ese tema concreto. También hay veces que surge la música de
algo abstracto y sin ninguna conexión con el mundo, al fin y al cabo la
música es el arte más abstracto e inmaterial que existe.

Después, está el proceso técnico que consiste en orquestar y arreglar los
temas. A pesar de utilizar el término "técnico", no es en absoluto algo
mecánico y tedioso, también tiene su parte creativa y a veces llena de
sorpresas.

No concibo seguir siempre los mismos patrones, porque es aburrido y no te
lleva a ninguna parte o mejor dicho sí que te lleva, te lleva a territorios
conocidos que no tienen interés precisamente porque ya han sido explorados
por uno mismo o por otros. Por eso me gusta en cada tema utilizar nuevos
elementos sonoros y también estructurales, porque en ellos reside la
sorpresa, el elemento al que me refería antes.

Aunque también tengo que decir que en alguna ocasión, el tema estaba ya
elaborado en mi mente y sólo tenía que traducir las melodías al ordenador,
como me sucedió en algunos pasajes de mi último disco "Mobilis in Mobili" ,
un CD con un concepto unitario al homenajear el libro de Julio Verne :
"20.000 leguas de viaje submarino".

-¿Te consideras musicalmente vinculado a alguna corriente musical o
etiqueta en particular?

No. No de forma consciente y deliberada. Creo que todos estamos vinculados
a nuestro tiempo, a la música que hemos oído y toda la música que nos ha
precedido. Lo que hago no sale de un vacío misterioso que no tiene ninguna
conexión, al contrario es fruto de lo oído anteriormente y que me ha
gustado y emocionado.

A mí me gusta la música, no un determinado estilo como a mucha gente, que
son fanáticos del jazz y no les gusta el flamenco, o que sólo escuchan
música clásica, o solamente country, o blues o música étnica; podría poner
un grupo o grupos por cada etiqueta musical. No olvidemos que las etiquetas
proliferaron en las tiendas cuando quisieron ordenar la música por estilos
para venderla.

Creo que ha sido malo para la música en general. Si de verdad te gusta la
música, la buena música, disfrutas y te emocionas tanto con temas funky de
Prince, como con los temas de Steely Dan o Joe Jackson, o con la Quinta de
Beethoven.

A mí me gustan desde los considerados clásicos (Bach, Beethoven, Mozart,
Stravisnky, Varese, etc.); pasando por el jazz: (Coltrane, Miles Davis,
Weather Report, Chik Corea); el rock sinfónico (Genesis, Yes, King
Crimson); el pop, el soul, el blues; en fin la lista sería interminable.

Solamente para terminar, si tuviera que destacar algunos nombres serían:
Mozart, Stravinsky , King Crimson, Weather Report y Frank Zappa.

-Háblanos sobre tu proceso creativo en el álbum Ylem.

Fue mi primer CD en solitario, y a priori, cuando componía los temas, no
tenía un concepto global. Fue a medida que los temas se iban conformando
cuando decidí darle una idea total.

Cada tema tiene su universo propio y responde a unos parámetros distintos
para cada motivo que lo inspiró. El titulo responde al nombre en griego que
un científico le puso al inicio del Big Bang, y en consecuencia al
Universo, así que la mayoría de los temas hacen referencia a motivos del
universo, ya sean conceptos como la Paradoja de Olbers; nombres de
estrellas como Wolf 359; cúmulos de estrellas como las nubes de Magallanes,
en la que hacía un doble homenaje, en un sentido a esas galaxias que sólo
se pueden ver desde el hemisferio sur, como a Magallanes, el navegante que
circunnavegó la Tierra; o Dark Matter o sea materia oscura, la materia más
común y abundante, si se puede utilizar esa expresión, en el Universo.

Otros como "Noa Noa" hacen referencia a las islas paradisíacas del Pacífico
Sur que Paul Gauguin plasmó en sus cuadros y en su diario titulado "Noa
Noa" que significa "muy perfumado".

O "Fractal" que responde a esas maravillosas estructuras que contienen en
su interior la forma exterior, así el tema musical se va repitiendo y
transformando sin perder nunca su estructura inicial. Este concepto de los
fractales me interesa mucho y no descarto seguir trabajándolo en un futuro.
De hecho la portada del CD es una imagen fractal.

-Componer tu álbum Mobilis in Mobili ¿respondió a una idea global? Háblanos
también sobre este disco.

En este caso sí. Como he mencionado antes, responde a un concepto unitario
sobre el libro "20.000 leguas de viaje submarino" de Julio Verne.

El título indica la divisa que el capitán Nemo utilizaba en los objetos que
poseía, incluido el submarino Nautilus, y hace referencia al movimiento
dentro del movimiento; el submarino, el mundo particular que Nemo había
creado dentro de otro, La Tierra, que a su vez también está en movimiento.
De hecho, en un principio iba a titularlo "Nautilus", pero debido a la
profusión y uso que se ha hecho del término decidí ponerle "Mobilis in
Mobili" porque era más sugerente y menos utilizado, y dejar como subtitulo
"Nautilus Suite".

Aunque los títulos de los temas corresponden a capítulos del libro, no he
seguido el libro paso a paso, ni siquiera lo he releído; lo que pretendía
era hacer un homenaje a la fascinación que me produjo cuando lo leí por
primera vez e intentar transmitirlo en la música.

La verdad es que no sé cuál fue la idea inicial para el proyecto. Creo que
se fue gestando a la vez que iba componiendo. Lo que sí sé es cómo lo fui
elaborando. Partí de un tema que tenía compuesto hacía bastante tiempo y no
lograba acabar; duraba unos 8 minutos, y a partir de dividirlo en 2 temas
separados el resto fue bastante fluido.

Hubo temas más complejos de elaborar como "Maelström" que dura casi 20
minutos y todos los motivos musicales eran completamente nuevos, pero en
general la música fluyó bastante rápida sin apenas estancarme en uno u otro
tema.

Como ejemplo, el solo de oboe del último tema lo toqué de una sola toma y
sin apenas correcciones.

Disfruté mucho componiéndolo y espero que los futuros oyentes lo pasen tan
bien como yo cuando lo hice.

-¿Cuáles son, a la hora de componer, las diferencias de enfoque entre
cuando trabajas en discos en solitario y cuando lo haces en álbumes de las
bandas de las que eres miembro?

Realmente a priori no hay ninguna diferencia, ni como enfoco el tema en la
composición ni en los arreglos ni en la producción. La única diferencia es
que cuando trabajo para las distintas bandas, la línea a seguir ya está
trazada.

Cada banda tiene su personalidad propia, o por lo menos eso creemos
nosotros, y trabajamos en esa dirección con libertad absoluta pero sin
perder de vista la trayectoria anterior, por supuesto, marcada también por
nosotros.

Así, cuando compongo temas para At-Mooss, la orientación es más
experimental, y basada en sonidos electrónicos abstractos, más
"vanguardista", aunque no me guste la palabra, porque lo que hoy es
vanguardia pasado mañana ya es historia. Quizá la palabra sea "arriesgada";
utilizar conceptos, estructuras y sonidos que te lleven por caminos nuevos
y diferentes, sin relación con el mundo que llamamos real. Asumir el riesgo
de explorar nuevos caminos.

En cambio con Programa uso estructuras más reconocibles, y con los sonidos
también; doy rienda suelta a sonidos más acústicos y reales asociados a
instrumentos tangibles como guitarras, baterías, pianos, y por supuesto
sintetizadores.

-¿Crees que, en comparación con los instrumentos electrónicos de teclado,
el campo de la percusión electrónica está infrautilizado por muchos
músicos? ¿Qué crees que te aporta a tí la percusión electrónica, en
comparación a la convencional?

Si por supuesto, la mayoría de compositores se limitan a usar patrones ya
creados, bien sea porque tienen deficiencias en la labor percusiva o por
simple comodidad. Aunque no es en absoluto peyorativo usar patrones ya
existentes, mientras los uses con creatividad y originalidad, no
simplemente tal y como te llegan. Por ejemplo, superponiendo diferentes
patrones con diferentes compases; binarios con ternarios por citar una
combinación, o cualquier otra que se te ocurrra, pueden obtenerse
polirritmos muy sugerentes.

La percusión electrónica me aporta una primera ventaja sobre la acústica,
que es la variedad de sonidos de diferentes partes del mundo que tengo al
alcance de mis oídos con tan solo apretar un botón o cargar la muestra
correspondiente. Me abrevia el trabajo, pues aunque yo tengo una colección
de instrumentos de percusión acústica que podría utilizar, tendría que
grabarlos con micros. Pero también tiene su lado negativo, pues los
instrumentos tocados con las manos o las baquetas son más expresivos (si
están bien tocados claro).

De lo que no tengo dudas es que para tocar en directo, para mí, la
percusión acústica es la idónea.

-¿Te decantas por algún tipo de síntesis o gama de sintetizadores? ¿Piensas
que hay técnicas "antagonistas", como por ejemplo se dice de lo analógico y
lo digital, que resulten difíciles de mezclar por corresponder a maneras
distintas de entender la música elaborada electrónicamente, o que cualquier
técnica depende del músico que la utilice?

No me inclino por ninguna gama de sintetizadores, excepto por los que sean
adecuados a la producción que esté haciendo en ese momento. Cada uno tiene
sus pros y sus contras y hay saber aprovechar las ventajas de cada uno.

No son difíciles de mezclar porque no son técnicas diferentes sino formas
de elaborar el sonido.

Si dispones de una amplia gama de colores, tu paleta será más rica. Y si
dispones de una gran variedad de sintetizadores, ya sean digitales,
analógicos o virtuales, será más fácil llegar donde tu quieres y también
más rápido; no tendrás que utilizar tu tiempo elaborando el sonido
adecuado, sólo tendrás que buscarlo en tu equipo. Durante años, lo
analógico fue menospreciado, y ahora parece que ha vuelto a resurgir; y no
me extraña porque los sonidos analógicos tienen una calidez y una
expresividad que de momento los digitales no han alcanzado. Aunque a mí me
parece que no hay que olvidar el fondo de la cuestión, que es la música
misma; el resultado es lo importante. Si emociona o no la composición
resultante, con independencia de si ha sido tocada con las palmas de las
manos, con un tambor o un sintetizador de última generación.

-¿Nos puedes comentar algo sobre los proyectos en los que trabajas y de tus
planes para el futuro inmediato?

Cuando acabo un disco, ya estoy pensando en el siguiente. Afortunadamente,
eso que llaman inspiración no me falta; lo que me falta es tiempo. Ahora
estoy trabajando en varios frentes a la vez. Por un lado, he acabado la
música de un corto titulado "Hoax", de un director joven que muy pronto se
exhibirá en los cines. (A lo mejor, cuando se publiquen estas líneas ya se
habrá estrenado). Como decía antes, estoy preparando nuevos temas para el
próximo CD de At-Mooss, en el que incluiré nuevos sonidos procedentes de
los nuevos sintetizadores que he adquirido últimamente, como el Andrómeda
A6, un potente sintetizador analógico.

También tengo unos temas casi acabados, con un estilo diferente a lo que he
hecho hasta ahora, y que de momento no sé cómo incluirlos en algún
proyecto. Seguramente esperaré a tener el CD acabado y entonces decidiré
como sacarlo.

Por otro lado estoy trabajando en un proyecto en el que los temas estarán
dedicados a lugares que he visitado y me han impresionado. En cada tema
quiero plasmar algo de la esencia del lugar, por decirlo de alguna manera,
incluir sonidos más étnicos del lugar en cuestión, y mezclarlo con sonidos
electrónicos y vanguardistas. Estoy haciendo algunas pruebas, y de momento
me gustan los resultados. Esto no es nada nuevo, simplemente quiero
explorar con más detenimiento algo que ya empecé a trabajar en el tema "El
Laberinto del Minotauro" del CD "Phoenix" de Programa.

Y también tengo algunos temas en los que me gustaría explorar el mundo de
la danza. La música como generadora de movimiento. En fin, proyectos e
ideas ya ves que no me faltan.

At-Mooss Records
http://www.at-mooss.com

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LA SERIE "EXTREME MEDITATION" DE MICHEL HUYGEN

Michel Huygen ha abordado un nuevo proyecto: la creación de una serie de
CDs con música meditativa inspirada por sus estancias recientes en varios
lugares de alto carisma espiritual y cultural en Asia, en particular en el
sudeste asiático, con Myanmar (Birmania), Camboya y Tailandia en primer plano.

A la poderosa aureola mística que envuelve a bastantes emplazamientos del
área, algunos declarados patrimonio de la humanidad por la UNESCO, se le
une la carga dramática de la guerra y la represión en la historia reciente
del sudeste asiático. Nadie que viaje por los puntos clave de la zona puede
quedarse impasible. No es posible permanecer al margen de los sentimientos
que los Fragmentos de Historia Viva despiertan en todo ser humano. Un
paisaje puede cautivar, pero el componente emocional, en todas sus facetas
y gradaciones, desde la oscuridad a la luz, impregna a quien visita tales
lugares del sudeste asiático.

En el caso de Michel Huygen, es indudable que la experiencia debe haberle
marcado de algún modo, activando en él los resortes creativos, y acaso
estableciendo en su biografía artística "un antes y un después".

Estas vivencias se le han presentado en un periodo breve pero intenso de su
vida, en el que la muerte de una persona muy allegada a él le ha acercado,
como nos acercamos todos en algún momento de nuestra existencia, a ese
océano desconocido que se abre ante el final de la vida.

No es extraño, por tanto, que tales vivencias le hayan impulsado a reflejar
en forma de música los sentimientos, la esperanza, el sentido de lo
trascendental y la "magia" que deben haber generado en él los lugares
emblemáticos que ha visitado y su propia trayectoria personal en esta etapa
de su vida.

La primera entrega de esta peculiar excursión musical es el CD "ANGKOR",
que, como su título sugiere, está inspirado por el impresionante templo de
Angkor Wat, milenario enclave de culturas.

JORGE MUNNSHE

Más información en:

http://www.neuronium.com

http://www.animamusic.net

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JOAQUÍN TABOADA

(Entrevista realizada por Manuel Lemos Muradás)
http://www.ultimafronteira.tk

El navarro Joaquín Taboada es la nueva incorporación del sello discográfico
español más "humanitario": Non Profit Music. Su estilo se mueve entre el
New Age, el ambient... y el folk. Y, la verdad, otros muchos sonidos que lo
convierten en una mente muy inquieta. Sus melodías son cristalinas y sus
estructuras se mueven entre bellas notas que llenan tu espacio con aires
frescos y renovados. Adéntrate en su música y siente el bienestar.

http://www.joaquintaboada.com

--¿Cuándo descubriste las músicas alternativas?

Fue en los 80, escuchando "Diálogos 3". Anteriormente me había interesado
por compositores como Jean Michel Jarre, Vangelis y Mike Oldfield, autores
que de hecho también suelen meterse en el cajón de Nuevas músicas. La
música instrumental siempre me ha atraído mucho, aunque siempre dentro del
eclecticismo que caracteriza mis gustos musicales, porque me gusta escuchar
todo tipo de música, desde Debussy a Rammstein, pasando por cualquier cosa
que te puedas imaginar. Para mí, la música sólo puede dividirse en "me
gusta", "no me gusta" y "me es totalmente indiferente"...

--¿Quién fue ese primer músico de las "nuevas músicas" que te impresionó?

En realidad, y ciñéndome a este "estilo" debo citar a varios. La primera
trilogía de George Winston, Los trabajos para piano de Wim Mertens, algunas
cosas de la Penguin Cafe Orchestra y casi todas de Michael Nyman. Pero
también debo decir que lo que a mí me impresiona son las "obras", no tanto
los "autores". Por ejemplo el "After Virtue" de Mertens me lo llevaría a
una isla desierta, pero no así su último trabajo "Skopos" que no me dice
nada...

--¿Y ese tema y disco que no dejabas de escuchar?

Los que cito en la pregunta anterior. La verdad es que no soy demasiado
"obsesivo" a ese respecto, pero sí que me ha pasado algunas veces, no sólo
con las nuevas músicas. El último con el que lo he hecho ha sido el
excelente "Hopes and fears" de Keane, un disco pop...

--¿Cómo empezaste tú en este mundillo?

Estudié música desde pequeño, y al final he acabado siendo profesor. Pero
mi gran suerte ha sido la de estar en multitud de formaciones musicales de
todo tipo, desde el pop hasta el clásico, pasando por el folk o las
orquestas de verbena. En lo de las "Nuevas Músicas" empecé a finales de los
80. Grabé una maqueta y fui seleccionado para participar el Festival de
Nuevas Músicas de San Sebastián en 1991, compartiendo cartel - aún lo
guardo - con Michael Nyman... A partir de ahí ha sido trabajar y trabajar,
siempre en mi tiempo libre, hasta llegar a este momento con un cierto
reconocimiento a mi trabajo, gracias a internet y a mi colaboración con el
sello Non Profit Music, que ha publicado "Introspective".

--Eres uno de los últimos fichajes, como acabas de decir, del sello
discográfico madrileño Non Profit Music, del también músico Jorge Grundman.
Este sello tiene una curiosidad: todos los beneficios son para Médicos Sin
Fronteras.

Así es. Grundman de siempre dona todos los beneficios obtenidos con su
música a MSF. Cuando me ofreció la posibilidad de colaborar con su sello,
me dio la oportunidad de ceder los beneficios a quien yo quisiera, pero
decidí seguir con MSF por todo el trabajo realizado por Jorge.

--¿Cómo contactaste con Non Profit Music?

Conocí a Jorge Grundman en internet hace años. Posteriormente, a finales
del 2003, le conocí personalmente. Fue cuando realmente se formalizó la
posibilidad de publicar un CD con NPM. Durante gran parte del año
siguiente, 2004, estuve trabajando en los temas que conformarían el CD,
remezclas, e incluso llegué a regrabarlos completamente, como "Alas", ya
que pensé que un proyecto tan importante merecía un esfuerzo extra y quería
que los temas, aún siendo grabados en mi estudio de casa, tuvieran la
máxima calidad.

--¿Qué piensas de las ONGs?

Creo que son "desgraciadamente" necesarias... Me explico. Si los gobiernos
del llamado primer mundo ayudaran a los países con pocos recursos tal y
como merecen, las ONGs no tendrían razón de ser. Están cumpliendo en este
momento una labor imprescindible para millones de personas.

--Yo también soy socio de Médicos Sin Fronteras. Una compañera mía que es
médico se ofreció de manera gratuita para durante tres meses colaborar con
ellos en el terreno. Le dijeron que sólo querían dinero.

Bueno, nosotros siempre hemos recibido un trato exquisito desde MSF. Han
colaborado en todo y han sido muy amables. Siento mucho lo de tu compañera...

--Bueno, hablemos de tu disco "Introspective". ¿Cómo ha sido el proceso de
creación?

Bueno, yo empiezo a componer mis propios temas en el año 90, así que
teniendo en cuenta que "Introspective" es un CD que recopila algunos de mis
temas desde entonces, podría considerarse que ha sido un proceso de
creación de 15 años... El proceso de "recreación" tuvo lugar de enero a
agosto de 2005.

--Me imagino que el título en inglés es para darle lanzamiento
internacional ¿no?

Efectivamente. Los CDs de Jorge Grundman y David Caballero ya han sido
publicados en USA a través de New Age Music, compañía dirigida por Susan
Doucet. Esperamos que el mío pueda publicarse pronto. De todas formas,
intenté buscar una palabra que, además de definir el "espíritu" del
trabajo, fuera entendible en castellano e inglés. Introspective lo es.

--Lo digo por que los títulos de los temas que conforman este CD, todos
menos uno, están en español.

En realidad en el CD original están en ambos idiomas. Insistí en ello ya
que los títulos me parecen muy importantes y no me hubiera gustado que
aparecieran exclusivamente en inglés, a pesar de la publicación americana.

--En tus composiciones mezclas sonidos New Age, Ambient... folk...

Sí, en el CD hay un poco de todo... quizás peca de heterogéneo. Ceñirme a
un estilo definido no es algo que me salga de forma natural. Hay temas de
piano solo, como "Calma" y "Vals de los Gatos"; de corte mas New Age,
"Alas", "Evocación"; más cercanos al ambient, como "La voz de las flores";
world music, "Imaginary Landscape II"; o incluso un acercamiento al folk de
mi tierra navarra con la "Jota 1 Arga". Esto, naturalmente, tiene sus
ventajas y sus inconvenientes. Hay gente a la que le gusta más mi vertiente
acústica, pero como también los hay a quienes les gusta más mi lado
ambient, pues seguiré en esta línea de componer sin dejarme llevar
excesivamente por un extremo u otro. También - curiosamente - hay gente a
la que le gusta todo el disco... :-)

--¿Un tema del disco al que le tengas más cariño?

No puedo responderte a eso porque, sinceramente, no tengo uno favorito. De
hecho, uno de los principales problemas a los que debía enfrentarme cuando
recibí el ofrecimiento de NPM a publicar el CD fue el de elegir qué temas
iban a ir en él. Afortunadamente, recibí una lista de Jorge Grundman
sugiriendo 13 temas de los que hasta ese momento había "publicado" en
internet, y automáticamente le dije que me parecía muy bien.

--La portada de "Introspective" es un bosque. ¿Adónde te gustaría evadirte
por unos momentos?

La portada es una fotografía de un fotógrafo amigo de Pamplona, Javier
Artigas, que amablemente me cedió los derechos. Es el bosque de Irabia, en
el pirineo navarro, un sitio fascinante, al que me gusta ir de vez en
cuando. Creo que plasma a la perfección lo que quería transmitir en el CD.
Un espacio abierto, que al mismo tiempo es "interior" y recogido.

--¿Cómo está funcionando el disco?

Pues muy bien, teniendo en cuenta la poca tradición que hay en España de
consumo de este tipo de músicas. De hecho me molesta terriblemente que
tengan que venir artistas de fuera a llenar huecos que realmente no
existen, ya que en nuestro país hay también excelentes artistas que pueden
englobarse en este estilo. Volviendo al disco, decir que la edición
española de 500 CDs está casi agotada. Si alguien se anima a comprarlo y
así colaborar con una buena causa, saber que está disponible en El Corte
Inglés, Fnac -también en sus respectivas webs-, así como en Milenio Musical
http://www.mileniomusical.es/index.html?arbol=nuevas
y también en las sedes de Médicos Sin Fronteras. De todas formas tenéis más
información y enlaces en mi web personal
http://www.joaquintaboada.com
Esperamos que se publique también en Estados Unidos en una edición de 10000
copias. Asimismo, decir que NPM permite - y esa es una de sus
peculiaridades - la libre descarga de los temas conformados en los 3
trabajos publicados hasta el momento. En mi caso, puede hacerse desde mi web.

--Para terminar, ¿crees que la New Age será la música clásica del futuro?

No lo creo. Y creo que además no sería bueno que hubiera una "uniformidad"
estilística. Siempre ha habido y siempre habrá diversidad... espero. Lo que
sí deseo es que a nivel de nuestro país aprendamos a valorar más lo que ya
tenemos...

--Un placer el charlar contigo.

Igualmente ha sido un placer contestar a tus preguntas. Un saludo y gracias
por tu amabilidad.

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RESEÑAS DISCOGRAFICAS:

NEURONIUM:
"SYNAPSIA"
Anima Music
Inspirado por la tragedia de la enfermedad terminal, "Synapsia" es un álbum
en apoyo de la eutanasia. Con su estilo habitual, cósmico y romántico,
Michel Huygen (Neuronium) ha compuesto para este CD cinco piezas estupendas
que invitan a la meditación. Todas son muy melódicas, perladas de texturas
cristalinas. La música suele ser suave, con ritmos lentos o estática. Los
sentimientos desempeñan un papel importante en la música de Huygen, de modo
que en este trabajo él moldea en forma de música sus impresiones personales
sobre la enfermedad terminal y la eutanasia. Demuestra su maestría con los
sintetizadores al crear una obra llena de emoción, con un toque melancólico
que llega al corazón. "Synapsia" es un álbum que rezuma sensibilidad por
todos sus poros, y no puede dejar indiferente a quien lo escuche.
EDGAR KOGLER

http://www.animamusic.net

DAVE SIMMONS:
"THE DISINTEGRATION PRINCIPLE"
Dave Simmons demuestra en este CD una amplia gama de direcciones
estilísticas, así como una buena dosis de imaginación. Hay piezas cercanas
al Folk, otras con toques de Jazz, y algunas con elementos típicos del
Blues, aunque todas ellas conservan un carácter fresco próximo a las
tendencias del Ambient acústico. Usando la guitarra como instrumento
solista, el artista ha creado la música de un disco que surge de lo más
profundo del alma.
VIRGINIA TAMAYO

http://www.davesimmons.net

JOHN FLUKER:
"THE SOUND OF PEACE"
It's a Fluke Productions
Las catorce piezas que John Fluker nos ofrece en esta obra, se pueden
catalogar dentro de la Nueva Música Instrumental. El álbum es muy emotivo,
con rasgos románticos y también melancólicos. El piano tiene un papel
destacado, y es quizá aquí donde las habilidades de Fluker se ven más
resaltadas. El resultado no puede ser más rotundo: una obra de sensibilidad
e introspección exquisitas.
VIRGINIA TAMAYO

http://www.johnfluker.com

ELISE LEBEC:
"POSSIBLE DREAMS"
Lebec Entertainment
Éste es un trabajo pianístico de corte romántico, con rasgos de Folk y
algunos toques Clásicos, presidido por la melodía. La música resulta
relajante, a veces melancólica, a veces alegre, con algún que otro toque de
misterio, y perlado de texturas cálidas y colores suaves. La artista nos
conduce, paso a paso, por un mundo interior lleno de sensibilidad. Todos
los temas de este CD constituyen una buena muestra de las habilidades de
esta compositora.
HECTOR JORDAN

http://www.eliselebec.com

BRUNO SANFILIPPO:
"InTRO"
AD21 Music
La música de Bruno Sanfilippo es una imaginativa combinación de elementos
propios del Ambient Cósmico y otros de carácter vanguardista a veces
cercanos a la Nueva Música Instrumental, cuyo resultado en este álbum es
una agradable colección de piezas electrónicas sinfónicas, en una atmósfera
propia de la banda sonora de un film de aventuras. La música resulta
ensoñadora, incluso onírica, con sonidos etéreos , texturas cósmicas y una
cuidada sensibilidad musical que hacen del álbum un vehículo idóneo para
dejar volar la imaginación a través de mundos extraterrenales.
EDGAR KOGLER

http://www.bruno-sanfilippo.com

VARIOS:
"ECHOES OF TUVALU"
New Vibes Music
Este recopilatorio está formado por catorce temas con la característica
común de ser preciosa música melódica inspirada mayormente por la
naturaleza. El título del CD deriva del conjunto de islas en el Pacífico
Sur, donde el nivel del mar está aumentando por culpa del calentamiento
global, amenazando a estos paraísos. Las piezas que forman el álbum son:
Gulan: "Early Morning". Bernard Chavonnet: "Amaebi". Thomas Bakas:
"Madrecita". Australis: "Conciliation". Mild: "Karlsplatz Square". Amilcar:
"Forgotten Islands". Australis: "The Sound of Hope". Trevor Stewart:
"Grace". Jose Gonzalez: "Fight of Jimmy Angel". Matt Lorentz: "Someone Who
Cared". Aorphia: "Right of Passage". Gulan: "Sunrise". Jon Sebastian:
"Mysty Mountain". Gabriel Garcia: "Yvonne's Waltz".
HECTOR JORDAN

http://www.newvibesmedia.com/

DAVID WRIGHT:
"THE TENTH PLANET"
AD Music
Sin duda éste es un álbum que hará las delicias de los seguidores de David
Wright y los amantes de la música planeadora en general. "The Tenth Planet"
es un trabajo encuadrado dentro de la Música Planeadora, lleno de poesía y
belleza, que lleva al oyente a un mundo de paisajes sonoros inigualables,
mediante el magistral uso de sintetizadores y secuenciadores. Las melodías
son muy sinfónicas, a menudo con espectaculares orquestaciones. Los ritmos
están elaborados con secuenciadores, resultando complejos y poderosos. La
estructura de la música también consta de ambientes densos y atmosféricos,
y efectos de sonido ocasionales que van y vienen.
EDGAR KOGLER

http://www.admusiconline.com

FONTAIN'S M.U.S.E.:
"MYSTIC KISS"
Este es un trabajo fresco y atrevido del dúo Fontain's M.U.S.E., que
fusiona World Music con influencias Pop y Folk. Fontain Riddle and Farhan
Khan demuestran que no hay barreras estilísticas para la creatividad, y
ambos aportan sus talentos musicales para lograr un viaje sonoro emotivo y
fresco. La expresividad que Fontain Riddle logra con su voz es también
destacable.
DEREK DOARN

http://www.fontainsmuse.com

JEFFREY MICHAEL:
"AWAKENING"
Fireheart Music
En este álbum, Jeffrey Michael ha realizado un trabajo pleno de sinfonismo
y fuerza. Integrado en la corriente más asequible de la Nueva Música
Instrumental, sus composiciones son sin embargo muy personales. A través de
16 piezas con un gran predominio del piano como instrumento solista, el
artista crea un ambiente relajado, íntimo, con su música romántica. Una de
las composiciones más emotivas y mejor logradas es "Phantom of the Mind".
SARAH TOMBLIN

http://www.fireheartmusic.com

GARY STADLER:
"FAIRY LULLABIES"
Sequoia Records
Con gran maestría, el artista nos ofrece en "Fairy Lullabies" una obra
llena de belleza y misterio, con temas a veces de un romanticismo melódico,
y otros con un aire enigmático. La audición del álbum es un recorrido por
cuentos musicales cuyos escenarios se hallan en el mundo de las hadas y
otros lugares de carácter sobrenatural. La música es luminosa, llena de
emociones. Una de las piezas más impresionantes del álbum es, en mi
opinión, "Garden Lullaby".
SARAH TOMBLIN

http://www.sequoiarecords.com

VARIOS:
"YOGA MOODS"
Sequoia Records
Si bien los estilos de las diferentes composiciones son bastante variados,
este recopilatorio se inclina preferentemente hacia el lado romántico de la
Nueva Música Instrumental, y se aproxima al Ambient suave. Las piezas
recogidas son: "Aureole" de Jens Gad. "Swan" de Althea W. "Staraja Ladoga"
de Achillea. "Cape Porcupine" de Achillea. "Odin's Hill" de Achillea.
"Casino Lounge" de Peter Mergener. In For The Night (Buddha Edit)" de The
Moontrane Conductors. "The Orbiting Suns" de Jens Gad. "Bhajya Sahita" de
Hands Upon Black Earth. "Silver Sands" de Jens Gad. Les Eaux Verts" de Jens
Gad. "Chanson Pour Une Femme" de Althea W. "Zen Garden, Part 1 (Savasana
Edit)" de David & Steve Gordon. Un disco que sin duda merece una escucha
atenta.
PASCUAL JURADO

http://www.sequoiarecords.com

VARIOS:
"BUDDHA LOUNGE 5"
Sequoia Records
"Buddha Lounge 5" es un disco con notables y variadas texturas estilísticas
que mezclan World Music con Pop Atmosférico. El contenido del CD es el
siguiente: "El Momento" de Jens Gaad. "The Seeress Prophecy (Daydreaming)"
de Achillea. "Deep Blue" de Tya. "Asmar Kahiel Elein" de Nasser Kilada.
"The Star & The Snake" de Hands Upon Black Earth. Her Infinte Variety (club
mix)" de Artemisia. "Shining" de Mtc. "Rain In The Sun" de David Gordon.
"Tout Le Monde Reve" de Tau. "Tulasi Maharani" de Jaya Lakshmi. "Dream
Body" de The Gordon Brothers. Between Tomorrow" de Opera -To- Relax.
Estamos ante un disco que seguramente gustará a un muy amplio espectro de
oyentes.
DEREK DOARN

http://www.sequoiarecords.com

EMPTY CAGE QUARTET:
"HELLO THE DAMAGE!
pfMENTUM
El estilo de este doble CD está dentro del Jazz de vanguardia, aunque
también posee rasgos propios de la Música Contemporánea, representados por
las atmósferas más experimentales. Algunos pasajes son como música
folklórica urbana del futuro. Con esta banda, hay que esperar lo
inesperado. Las aventuras sonoras de estos cuatro músicos son sorprendentes.
VICENTE GISPERT

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JEFF KAISER / TOM McNALLEY:
"ZUGZWANG"
pfMENTUM
En este atrevido trabajo, Kaiser y McNalley usan con gran imaginación la
electrónica, logrando crear arquitecturas sonoras alejadas de lo
convencional. Los artistas fabrican un mundo estrambótico, con extraños
paisajes naturales, así como con zonas industriales de angustia, demencia y
oscuridad.
DOMINIQUE CHEVANT

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