Amigos DeCine,

Os comento muy brevemente, ya que tenemos 63 textos, el artículo del maestro Ussía donde aborda con su habitual estilo el nombramiento de la nueva ministra de cultura que también será ampliamente analizado por Carlos Infante el próximo domingo. Es lo que faltaba a este gobierno, nombra ministra a la desastrosa presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.

Por lo demás pocas o ninguna sorpresa en las críticas de esta semana. No hay obras de arte y tampoco abundan los bodrios. Un nivel medio como os había apuntado al presentaros los estrenos de esta semana. Llama la atención la fenomenal acogida de la producción chilena LA BUENA VIDA, CONTROL como será previsible o, incluso, MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS. SEÑALES DE FUTURO y LA DUQUESA obtiene un aprobado alto, muy holgado, mientras LA LISTA aprueba por los pelos...

Nada más. Muy pronto Joseph Mankiewicz en DíasDeCine y el Domingo más actualidad cinematográfica y la opinión de Carlos Infante.

Finalmente os recuerdo que las páginas web vivimos de la publicidad que es nuestro único medio de generar ingresos que mantegan los costes y la independencia del medio. Por ejemplo vivimos de hacer un `click´ en los anuncios. Os lo digo por si no habías caído en ese detalle.

Javier Mas

COSAS QUE PASAN

"González-Cine " por Alfonso Ussía

Haber sido un aceptable ministro de Cultura es mérito al alcance de pocos. César Antonio Molina puede presumir de ello. Su gran pecado, la causa de su cese, hay que buscarla en su escasa sintonía con el mundillo de los pegatineros millonarios, los chulos del pesebre, eso que llaman el Cine español. No soy internauta. Todavía me resisto a entregar mi vida a Internet, y por ello no puedo sentirme amenazado por el nombramiento de Ángeles González-Cine como nueva ministra de Cultura. De sentirme amenazado lo haría como contribuyente de más del cuarenta por ciento de mis ingresos a las arcas del Estado. En España, los impuestos desnudan a los que trabajan, no a los que tienen. No se busca la justicia, sino la facilidad depredadora, y como presa fácil de la Agencia Tributaria tengo sobrado derecho a exponer mis desconfianzas.

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SEÑALES DEL FUTURO     Calificación:   ★★

¿Madera de héroe o héroe de madera?

La ciencia ficción es casi lo contrario que la afición a la ciencia, por eso un actor como Nicolas Cage puede ser un intelectual, un profesor de astronomía, y a la vez un héroe que tiene que salvar al mundo. La idea que sustenta esta película es atractiva: en una cápsula del tiempo en la que unos niños introducen unos inofensivos dibujos y saludos para el futuro va también un mensaje cifrado en el que se anuncia, entre otros desastres mayúsculos, el fin del mundo. Y ese mensaje irá a parar a las manos del hijo de Nicolas Cage, lo que le permitirá a él deshojar esa margarita entre cábalas, saltos y presagios. Lo normal de las ideas, incluso de las buenas como ésta, es que el tiempo las pervierta: la de «Señales del futuro» no necesita mucho más de una hora para pervertirse malamente y adentrarse en el proceloso mundo cinematográfico del ovni, el marciano buenista, la mística, el apocalipsis y el génesis, un conglomerado de situaciones que el actor Nicolas Cage ha rodado ya casi tantas veces como las ha visto el espectador de sábado.

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SEÑALES DEL FUTURO     Calificación:   ★★

El día del fin del mundo

Nicolas Cage ha llegado a punto para celebrar el Domingo de Resurrección con esta película, entre apocalíptica y episcopaliana. ¿Que si es extraño? Ni se lo imaginan: o imaginen qué cara pone Cage -actor al que le sobra eye-liner y le falta vergüenza: cuesta recordarle como el excelente (doble) intérprete de «El ladrón de orquídeas»- cuando lee un documento infernal lleno de números, escrito medio siglo antes por una niña con ojeras y cara de pocos amigos, y descubre que esconde la clave de una cadena de desastres, tres de ellos aún por llegar. Hay que reconocerle a Alex Proyas el talento de visualizar esas catástrofes, que lucen espléndidas en pantalla grande, pero cuando la trama paranormal, que podría ser un magnético episodio de «Expediente X», se desvía con la aparición de Los Que Susurran (tan deudores de los Oscuros de «Dark City», la brillante ópera prima de Proyas), uno se pregunta qué le ha ocurrido al cine fantástico norteamericano, últimamente tan proclive a ver arcángeles donde antes había simplemente alienígenas. Quizá la culpa sea del Shyamalan de «Señales», también protagonizada por un padre viudo obsesionado por descifrar un enigma geométrico. Desafortunadamente, Proyas grita donde Shyamalan callaba, y la histeria narrativa de su película acaba por estrellarse contra el suelo.

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CONTROL     Calificación:   ★★★

Vuelve Curtis

Con canciones con títulos tan elocuentes como «Disorder», «Isolation», «I remember nothing» o «In a lonely place», no resulta extraño imaginar por qué Ian Curtis, líder de los Joy Division, se suicidó en la cocina de su casa antes de tomar un avión para conquistar América. Sin embargo, su muerte a los 23 años había permanecido envuelta en un relativo misterio hasta que Deborah Curtis, su esposa, decidió publicar su biografía en 1996. Biografía que intenta conciliar la persona (epiléptico, indeciso entre dos mujeres de las que dependía por igual, padre precoz) y el personaje (poeta maldito del post-punk). Quién mejor que Anton Corbjin, que fotografió a Curtis pocos meses antes de su muerte y que dirigió el clip póstumo de «Atmosphere», para colocar los puntos sobre las íes en la vida de Curtis. En un Manchester triste y ahumado que nos recuerda a los barrios obreros del «free cinema», Curtis pasea su desencanto en blanco y negro desde la oficina de empleo donde trabaja de día hasta los conciertos que protagoniza, entre convulsiones y vítores, por la noche. Corbjin le observa sin mitificarle, a pesar de que es esa distancia naturalista y de tono bajo la culpable de que «Control» se debata entre la película «arty» que quiere ser y el biopic convencional que acaba siendo.

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PARÍS, PARÍS     Calificación:   ★★

¿Dónde me olvidé la fórmula?

Christophe Barratier y Gérard Jugnot, director y protagonista de «Los chicos del coro», uno de los grandes éxitos del cine francés y europeo del último lustro, se reúnen de nuevo con intención de asaltar la cartelera en un intento legítimo, pero no del todo acertado, de reverdecer laureles. El tándem recupera el gusto por el pasado, por la música y por los escenarios, aunque los niños cantores se han ido a la cama o han crecido. El drama y la comedia también se aplican en similares dosis, aunque los tiempos han cambiado. A saber: en 1936, un viejo teatro del barrio Faubourg de la capital francesa lucha por sobrevivir a la crisis eterna. Año y lugar de la batalla dan título al filme en su versión original («Faubourg 36»), aquí rebautizado con instinto tartaja y tanto ingenio como lució aquel portadista que glosó algún viejo triunfo deportivo patrio con un «España, España» cuyo eco aún resuena en los mentideros. (Y sin embargo, «Europa, Europa» era una gran película, argüirá el aficionado).

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ESPÍAS EN LA SOMBRA     Calificación:   ★★

La Resistencia, sin género de dudas

Algún despistado podría pensar que la película está relacionada con la actualidad más o menos local, cuando en realidad cuenta la aventura, con tintes dramáticos, de un puñado de mujeres que arriesgaron sus vidas durante la Segunda Guerra Mundial, del lado de los «buenos», como es natural, y al grito de nosotras parimos, nosotras guerreamos. El ramillete de heroínas es, por otro lado, de los que uno no se encuentra a menudo en el mismo vagón del metro. Como las trece rosas de Martínez Lárazo, nuestras chicas son inusualmente atractivas, empezando por la ya madurita Sophie Marceau, de cuya visita a nuestro país todavía nos acordamos quienes tuvimos la suerte de poder entrevistarla.

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ESPÍAS EN LA SOMBRA     Calificación:   ★★

Un «equipo A» femenino

En los títulos de crédito iniciales, el avispado Jean-Paul Salomé, un cineasta que sabe manejar bastante hábilmente el dinero ajeno (sus filmes anteriores, «Arsène Lupin» y «La máscara del faraón», recaudaron unas taquillas más que decentes en su país de origen), ha incluido abundante material gráfico de aquellas féminas que, durante la II Guerra Mundial, plantaron también cara al alemán invasor. De aquel histórico blanco y negro pasamos, pues, a los colores ligeramente opacos de «Espías en la sombra», que narra las hazañas de un comando formado por cinco jóvenes (lo encabeza Louise, Sophie Marceau, experta y pedantilla francotiradora viuda) con una peligrosa misión en la Francia ocupada por los nazis. Entretenido «thriller» bélico pensado para un amplio espectro de público, su mayor problema radica en que, aun tratándose de una historia real, cuesta un tanto creer que a esa especie de «Equipo A» femenino no se les corra ni el maquillaje (hasta desarregladas o un poco sucias están guapas...) entre tanto disparo, tanta carrera y tantos nervios por terminar con éxito la importante labor encomendada. ¿Quién dijo paridad?

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AL FINAL DEL CAMINO     Calificación:   ★★

La química repetida

No es buena cosa exprimir a la gallina de los huevos de oro como si fuera un limón. Se corre el riesgo de que se acaben los huevos y se tuerza el pescuezo a la gallina. Viene a cuento de la conexión Tejero-Malena, que tanto juego ha dado en la pequeña pantalla. Se intenta aquí repetir la historia para sacarle juego en un trabajo mayor pero con las mismas premisas que en la caja tonta.

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AL FINAL DEL CAMINO     Calificación:   ★

Cine de barrio

Deberíamos hablar de otra «generación de la televisión»: no la que, en los 50a, sirvió para renovar desde el realismo crítico el cine americano, tampoco la que sirvió para aportar algo de aire fresco al cine español del franquismo (Antonio Drove, Pilar Miró, Chicho Ibáñez Serrador). Ahora, la generación de la televisión es la de los actores de «sitcoms» en «prime time» que, cedidos temporalmente al cine, parecen importar con su presencia todos sus tics, todo su humor grosero y sin sustancia, todo su ozorismo regurgitado en forma de tópico viscoso. Así las cosas, Tejero y Alterio reproducen la guerra de sexos de «Aquí no hay quién viva» en el contexto de una comedia tan cercana a los «Peregrinos» de Coline Serreau (¡vaya modelo!) como a «Escenas de un matrimonio». Pisando fuerte el camino de Santiago, este «dream team» de españolitos de a pie que siguen los pasos de un gurú argentino en busca de soluciones prácticas a sus crisis de pareja es carne de «Cine de barrio» de 2040. Tiempo al tiempo.

 

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DRAGONBALL: EVOLUTION     Calificación:   ★★

«Goku-mental» en falsete

Venga, otro videojuego más para la «buchaca» voraz del cine, que a este paso le va a estallar el ácido úrico de tanta endocrinología fast food. Como si no hubiesen tenido bastante con los recientes descalabros de «En el nombre del rey» y «Street fighter», y eso que la casi inédita «Ben X» aplicó un poco de aceite de ricino nutritivo y purgante a su castigado estómago. Aunque, siendo consecuentes, este caso es algo especial, ya que la franquicia manga creada hace dos décadas por Akira Toriyama se resistía a saltar a la gran pantalla, sobre todo porque reunir sus derechos era más complicado que juntar a las siete Bolas de Dragón de marras. Hasta que por fin la Fox se ha liado la manta a la cabeza y le ha confiado el «marrón» a James Wong, cineasta especializado en artes marciales y algo marcianas gracias a su carismática «El único», con Jet Li dentro.

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DRAGONBALL EVOLUTION     Calificación:   ★★

Espetáculo con relieve

La parte más beligerante de la gran industria parece decidida a presentar batalla contra la drástica disminución de asistencia a las salas, a la piratería y a otros contratiempos, por un camino ya transitado con anterioridad, casi siempre con un éxito más bien exiguo, como es el de incrementar la espectacularidad del producto a través de una versión mejorada del sistema 3D.

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FAST & FURIOUS: AÚN MÁS RÁPIDO     Calificación:   â—�

Velocidad de videojuego

El negocio de las sagas parece asegurado y esta enésima entrega de la vertiginosa y hueca 'A todo gas' cumple con todos los requisitos para convertirse en infalible reclamo entre públicos poco dados a la reflexión, forofos de la acción y de la violencia espectacular articulada sobre un argumento inexistente, más allá de cuatro indicios inconexos de relaciones de amor y odio, de ambición indiscriminada y de sed de venganza entre los desdibujados protagonistas.

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LA DUQUESA     Calificación:   ★★

Penas y amores de Lady G.

El Oscar concedido al Mejor Vestuario y la candidatura en la categoría de Mejor Dirección Artística son grandes reconocimientos pero, inevitablemente, hacen recelar que la película sea meramente decorativa; por otra parte, la publicidad se había encargado de avisar que "dos siglos separan a Lady Di de su antepasada, pero el escándalo marcó ambas vidas".

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LA LISTA     Calificación:   ★

Sexo en Nueva York, disparate en Madrid

Una mujer fatal a la que le sobra belleza y le faltan escrúpulos, un hombre tímido arrastrado al abismo por la pasión y un tipo tan encantador como falso y despiadado son tres personajes habituales, casi imprescindibles, del cine negro clásico y los tres protagonistas de la ópera prima de Marcel Langenegger, un thriller que se pretende a la antigua usanza con el añadido de una fuerte carga sexual.

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LA BUENA VIDA     Calificación:   ★★★

Vidas cruzadas en Santiago de Chile

Tras un título tan aparentemente optimista y cargado de buen rollo se esconde una película amargamente desoladora, fiel retrato de la ausencia de valores y las miserias morales que caracterizan las sociedades del bienestar contemporáneas. Un retrato que se centra en Santiago de Chile pero que resulta absolutamente extrapolable a cualquier otra ciudad de cualquier país desarrollado, llámese Madrid, Chicago o Sydney.

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LAS MANOS     Calificación:   ★

Misterios dolorosos

Vuelta a los tiempos penitentes de la España nacionalcatólica cuando en Semana Santa sólo se podían programar epopeyas falsamente históricas y falsamente piadosas, crónicas de la Pasión y vidas de santos.  Esta película pertenece a la última categoría: es la hagiografía de Mario Pantaleo, sacerdote italiano que ejerció su ministerio en Argentina, superando en productividad milagrosa a cualquier Virgen celestial o santo terrenal. Llegó a diagnosticar y curó a innumerables enfermos terminales con sólo imponerles las manos y lo hizo con una eficacia rayana en la blasfemia.

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FAST & FURIOUS

Interminables piruetas sobre ruedas

Hace ocho años, The Fast and the Furious lanzó a Vin Diesel a dudoso estrellato, escoltado por Paul Walker, pero en esa fecha ambos se negaron a continuar la serie sin sustancial aumento de salario o participación en la taquilla. Prosiguieron sin ellos hasta la tercera parte, que se trasladó a Tokio. Ahora, tal parece que llegaron a un acuerdo y los renuentes regresan en la cuarta como si tal cosa y es como si no existieran las intermedias. Sólo los campeones de infalible memoria podrán responder en Jeopardy las preguntas de cómo y por dónde se cortó la hoy remendada soga.

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EVERLASTING MOMENTS

Efímera eternidad

Sin darle importancia, a veces un golpe de suerte determina el futuro. Eso sucedió cuando Maria Larsson se ganó una cámara en la lotería. Acudió a venderla en el taller del fotógrafo Jesper, pero él la disuade y la enseña a utilizarla. A través de medio siglo, Maria eterniza instantes y el director Jan Troell los cataloga en la excepcional Everlasting Moments.

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ADVENTURELAND

Un excelente aperitivo

En Roger Dodger y The Squid and the Whale, Jesse Eisenberg se confirmó como actorcito introspectivo que parece observar la trama a prudente distancia. Esa sutil desconexión resulta ideal para el rol de James Brewster, virgen a los 22 años, renuente al medio ambiente y obligado por la recesión de 1987 en Pittsburgh a abandonar filosóficos estudios y colocarse en Adventureland, nada divertido parque de diversiones.

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SUGAR

Todo menos dulzona

Miguel ''Sugar'' Santos es miniastro del béisbol en la República Dominicana, pero a los 19 años ya ha clavado sus sueños de gloria en los Estados Unidos. Lo reclutan para un campamento de las Ligas Menores en Iowa y así comienza su aclimatación a un mundo extraño, a menudo hostil, donde todo es bien diferente de lo que parece a primera vista.

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SEÑALES DEL FUTURO     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Serie B con hinchazón

Pintor contumaz de futuros caóticos, Alex Proyas dejó al amante de la ciencia ficción un recuerdo imborrable con las imágenes potentísimas de Dark city, una obra fundamental del género cuyo prestigio crece con el tiempo, y años después rodó una aceptable adaptación de Asimov, Yo, robot. Fiel a su mundo, ahora nos ofrece estas interesantes Señales del futuro, según un relato de Ryne Douglas Pearson. Su primera hora es espléndida, inquietante, se mete al espectador en el bolsillo en un periquete. El prólogo, situado en 1959, nos presenta a una niña introvertida con un don especial, se diría que abducida por el alma de Nostradamus. El caso es que la escuela donde estudia se propone enterrar una suerte de cofre con los dibujos con que cada niño interpreta el futuro, que se abrirá cuando la institución cumpla cincuenta años. Pero la niña no hace un dibujo, sino que llena una hoja de números, por delante y por detrás. Esa hoja, ya en nuestros días, caerá en las manos de un astrofísico viudo y con hijo, que pronto la descifrará: esos números coinciden exactamente con las fechas de las peores catástrofes de la humanidad del último medio siglo. Y quedan tres fechas por delante, tres posibles desastres inminentes.

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CONTROL     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Mártir del rock

Control es un emotivo biopic en torno a la figura de Ian Curtis, líder y vocalista del grupo de punk rock Joy Division, que se ahorcó jovencísimo, a los 23 años, dejando para el futuro la estela de mito, de mártir de la música ¿Motivos del suicidio? La película intenta dar con ellos, labor difícil e irresoluta pese a que hay pistas: los frecuentes y brutales ataques epilépticos, un matrimonio conflictivo con Deborah Curtis (en cuya autobiografía se inspira Control), relaciones no mucho mejores con una amante, y un profundo vacío existencial. Varios filmes también de mérito vienen a la memoria viendo Control. Uno, obviamente, 24 hour party people, el espléndido fresco de Michael Winterbottom. Otros dos serían Sid y Nancy, de Alex Cox, retrato de Sid Vicious y los Sex Pistols, y Backbeat, de Ian Softley, sobre Stu Sutcliffe, el quinto Beatle, de vida trágica como Curtis: murió a los 21.

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AL FINAL DEL CAMINO     Calificación:   ★ (sobre Cuatro)

Peregrinos en crisis

Como la reciente Peregrinos, de Coline Serreau, esta es una comedia cuyo escenario es el camino de Santiago. Una periodista y su fotógrafo, que no se conocían personalmente aunque días atrás habían coincido en un restaurante, donde se detestaron mutuamente, han de simular ser novios para llevar a cabo un reportaje sobre un gurú argentino (desaprovechado Peretti, lástima), experto en unir parejas en crisis a lo largo de la peregrinación.

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DRAGONBALL EVOLUTION     Calificación:   ★ (Sobre Cuatro)

Cine ínfimo

Es sólo una sospecha: que, en los tiempos que corren, una película con aspiración de blockbuster ni siquiera llegue a la hora y media nos hace temer que sufrió poda considerable. Con o sin ella, lo que queda difícilmente estimulará a los fans de la serie de animación homónima, ni al público joven adicto a la action movie actual. Dragonball evolution es, sencillamente, un fiasco, una obra fea, insípida, atroz en las escenas de peleas, insuficiente en el apartado digital (la escena final del dragón y el deseo sonrojaría a Méliès), y como aventura mágica, liliputiense hasta decir basta. Chow Yun-Fat, que hace una entrada en escena clavadita a la de El monje, parece estar cavando su ya últimamente anunciada tumba en Hollywood. Chatwin, en cambio, apunta como galán simpático con dotes de actor, a lo Shia LaBeouf; conviene que Spielberg, que ya lo dirigió en La guerra de los mundos, o alguien de su categoría, venga en su rescate.

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SEÑALES DEL FUTURO

El fin de los tiempos

No será este crítico quien reproche a un cineasta como Alex Proyas su tendencia a las derivas lúgubres del imaginario y a las preguntas un tanto rimbombantes sobre la textura de lo real, o, como en el caso que nos ocupa, sobre la naturaleza -arbitraria o determinista- del universo. Los acontecimientos que rodearon a su segundo largometraje, El cuervo (1993), le otorgan todo el derecho del mundo a ponerse pesado en ambos aspectos: su estrella, Brandon Lee, murió durante el rodaje -queda para los conspiranoicos debatir si la muerte fue accidental o no- y Proyas asistió a la incontrolable sacralización de la película como objeto de culto entre sensibilidades necrófilas y/o neogóticas. No hay que acudir, pues, a su cine en busca de excesivas alegrías: si acaso, es territorio apropiado para exigir razonables dosis de gravedad, ambición conceptual, una forma sofisticada y, en el mejor de los casos, una obra maestra del calibre de Dark city (1998), su tercer e insuperado largo.

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CONTROL

El cordero del sacrificio

Seguramente, nada más lejos de sus intenciones, pero la película de Anton Corbijn parece ilustrar aquella infame observación de Margaret Thatcher: "No existe la sociedad". El drama de Ian Curtis se desarrolla en un vacío social. El mismo Curtis trabajaba en una oficina del paro pero, en la pantalla, los que acuden a él en busca de trabajo están horriblemente damnificados. En las películas clásicas del free cinema, a las que remite visualmente Control, solía intuirse la solidaridad de clase, la red de seguridad de la familia, hasta el orgullo local o regional. Aquí ni siquiera hay comunicación entre los que llevan el mismo apellido o los que comparten un proyecto musical. A través de las canciones de Joy Division, Curtis lanzaba angustiosos SOS, pero en su entorno nadie era capaz de traducirlos.

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PARÍS, PARÍS

Teatro Paradiso

Cuando se consigue un éxito tan multitudinario como el de Los chicos del coro, se llega a una encrucijada de caminos ante la que el director debe tomar partido a la hora de proseguir su carrera como cineasta. A un lado hay un sendero empedrado, amenazado de lluvia y mal señalizado; supone un cambio de registro, una huida de lo ya experimentado, trillado y conseguido. El otro extremo, en cambio, está asfaltado, parece luminoso y aparentemente fácil de transitar; sólo hay que proseguir con la metodología de antaño y fabricar una y otra vez Los chicos del coro. El francés Christophe Barratier ha optado en París, París por el camino más fácil, el del autoplagio, pero el viaje se le ha acabado atragantando.

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ESPÍAS EN LA SOMBRA

Hembras peligrosas

Director de películas como La máscara del faraón: Belphegor, el fantasma del Louvre (2001) o Arsène Lupin (2005), el francés Jean-Paul Salomé parece empeñado en adaptar la memoria del folletín cinematográfico de Louis Feuillade a las exigencias del cine de multisalas. Una estrategia que se sitúa a considerable distancia de lo que en su día hizo Georges Franju en las extraordinarias Judex (1963) y Nuits rouges (1974): si éste intentaba recrear una poética y desvelar las íntimas conexiones que en su día establecieron la imaginación popular de Feuillade y el imaginario surrealista, Salomé parece atender sólo a la textura, a una dinámica de superficie. Con Espías en la sombra, el cineasta propone un ligero cambio de tercio para poner su sentido de la espectacularidad al servicio de una película de género (bélico) de vocación claramente exportable.

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AL FINAL DEL CAMINO

La pista de Smithee

Al final del Camino lleva apenas un minuto y aparece el siguiente texto: "Guión de Roberto Santiago y Javier Gullón, basado en una idea de Alan Smithee". Nota: el nombre ficticio Alan Smithee se utiliza en Hollywood como seudónimo de alguien que, tras hacer su trabajo, ha quedado tan descontento con el resultado (por desavenencias con los productores, porque su tarea se ha desvirtuado...) que prefiere no ver su nombre asociado al producto resultante. Así que, una de dos: o estamos ante el mejor chiste de la película, o ante la evidencia de que algo no funciona.

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DRAGONBALL EVOLUTION

Son Goku 'lobotomizado'

A principios de los noventa, cuando el consumo de manga y anime entre los adolescentes españoles aún no se había erigido en subcultura perfectamente articulada, la emisión de la serie Dragonball en algunas televisiones autonómicas generó un fenómeno tan singular como posibilista: los aficionados facturaban con armas domésticas su propio merchandising, que era tosco objeto de trueque en mercadillos dominicales y otros puntos de encuentro. Ha llovido mucho, pues, entre esos trabajos manuales y esta más o menos lujosa adaptación cinematográfica respaldada por un gran estudio; una película que, en suma, no sirve sino para añorar lo que, en su día, resultaba tan seductor en la obra de Akira Toriyama: el espíritu lúdico, las notas picantes, los constantes tránsitos entre lo épico y lo cómico, el choque entre los ecos del cine de Jackie Chan y el corpus mitológico del Rey Mono recogido en el clásico anónimo Viaje al Oeste (1590)...

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TE QUIERO TIO

Comedieta con aspiraciones

Peter Klavan (Paul Rudd) vivió tan preocupado con sus noviazgos en serie que, cuando al fin decide casarse, no tiene ni un solo amigo que le sirva de padrino en la boda. Empieza a entrevistar candidatos de última hora y, con toda razón, algunos se imaginan que el desorientado Peter les está tendiendo una celada gay. Es lo que solapadamente pretende esta comedia, que no por gusto se titula I Love You, Man.

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SUNSHINE CLEANING

Al olvido sin pena ni gloria

Hace mucho tiempo, MGM produjo una serie de cortos de dos rollos y 20 minutos con el título Ocupaciones insólitas. Nunca se les ocurrió enfocar la que examina Sunshine Cleaning, en la que dos hermanas (Amy Adams y Emily Blunt) se dedican a limpiar locales donde tuvieron lugar suicidios, sangrientos accidentes o crímenes bajo investigación policial. La finalidad es que retornen a su previa apariencia, pero siempre les quedarán rescoldos de su leyenda.

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THE HAUNTING IN CONNECTICUT

Una retorcida pesadilla

A los Campbell (Virginia Madsen, Martin Donovan) les ofrecen una señorial casona campestre, con la ventaja de un mes gratis de alquiler. Suficiente para inspirar dudas, pero los impulsa una emergencia: necesitan mudarse cerca del hospital donde su hijo adolescente (Kyle Gallner) recibe tratamiento semanal para su avanzado cáncer. La familia, por supuesto, ignora que la casa fue antes funeraria con mala fama de espectrales ocurrencias.

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MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS

La pantalla muta

En una de las viñetas de Little Annie Fanny -la colosal serie de Harvey Kurtzman y Will Elder- publicada en las páginas de Playboy en octubre de 1978 -es decir, en plena eclosión del fenómeno Star wars-, el jefe del departamento de efectos especiales de un estudio muestra a la voluptuosa heroína el holograma de una orgía. "Es una especie de fotografía tridimensional. Difícilmente podrás distinguirla de la realidad. Tiene color. Tiene profundidad", pregona el técnico. "Y... ¿pellizca?", pregunta ella tras darse cuenta de que un nada virtual figurante de la orgía le está pinzando el generoso trasero.

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MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS     Calificación:   ★★★

Hollywood vende gafas

A estas alturas de la película, el órdago parece claro. El debilucho séptimo arte se ha sacado de la manga una piedra filosofal de lo más «viejuna» para salvar los muebles: ¡el 3-D! (si William Castle levantara la cabeza...). Y, como es natural, se ha arrimado a la sombra que más y mejor calienta últimamente, el cine de animación, aunque ver «Gran Torino» megatridimensionalmente tendría su punto. Tras algunos experimentos con gaseosa revoltosa y algún notable avance («Bolt»), DreamWorks ha puesto un punto y aparte en una tendencia que, a pesar de todo, está llena de puntos suspensivos e interrogantes.

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MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS     Calificación:   ★★★

Los pequeños crecen

Antecedentes inmediatos: las melifluas «Polar Express» (2004), «Beowulf» (2007) (ambas realizadas por Robert Zemeckis, un temprano defensor de la penúltima revolución vivida por Hollywood que dirige ya su nuevo trabajo amparado en el mismo sistema, quizá a la tercera vaya la vencida...), «Viaje al centro de la tierra» (Eric Brevig, 2008)... Posiblemente tenga razón Jeffrey Katzenberg cuando asegura en la página de la izquierda que el 3D es el futuro de la industria si la piratería no da con el truco antes, aunque los títulos nacidos hasta hoy al calor de dichas maniobras digitales avanzadísimas (porque esta, se presume, primera gran edad de oro del 3D no admite comparaciones posibles con las vetustas y entrañables gafas en ¿celofán? verde y colorado; ahora, sofisticadas y sin plásticos de color, da la impresión de que a los espectadores sólo le falten los esquíes) no valen gran cosa desde el punto de vista narrativo o puramente artístico, a excepción de algún que otro vistoso sablazo de «Beowulf» que parecía poder ensartarte como a una aceituna.

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MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Técnica contra imaginación

¿Se acuerdan ustedes de que hasta de las curvas de Ana Obregón llegamos a disfrutar en sistema tridimensional? Fue en El tesoro de las cuatro coronas, una joyita trash de los primeros años ochenta, cuando el 3-D contraatacó a discreción. Algunas franquicias de moda (como las terceras entregas de Tiburón y de Amityville, por ejemplo) se apuntaron al bombardeo, a la postre estéril: las gafas seguían siendo tan incómodas y molestas como en la década de los cincuenta, la visión clamaba al oftalmólogo.

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FAST & FURIOUS     Calificación:   ★★

Los autos locos

La cuarta parte (dato que escamotea el título) de esta saga incombustible que aquí se empezó titulando «A todo gas» empieza con una escena fabulosa, una persecución a un camión articulado cargado de gasolina digna de otra franquicia con más enjundia, la de «Mad Max». Hasta tal punto es trepidante el arranque de este filme de acción sin seso (y sin sexo, aunque parezca mentira), que el taiwanés Justin Lin, que ya dirigiera la tercera entrega, nos hace concebir esperanzas sobre una especie de enderezamiento milagroso de rumbo. Vana ilusión. Una vez gastados los primeros millones de dólares, el depósito de la imaginación se agota. Ni las siguientes carreras, incluida una subterránea y repetida con trazas de videojuego, aporta algo al cerebro recalentado del espectador. Como en la vieja serie animada de «Los autos locos», el esquema es tan previsible como aburrido, pese al revival de actores de la casa, en el que por desgracia no se incluye a Eva Mendes. A cambio, apunten la matrícula de Gal Gadot, ex Miss Israel, que dará que hablar (que pensar, menos). Dan ganas, si queda alguna, de repetir hasta los chistes sobre la contradicción entre el apellido del prota y el espíritu de la cinta.

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LA DUQUESA

Lady Di del siglo XVIII

Georgiana Cavendish, duquesa de Devonshire, fue una guapa y elegante aristócrata que intentó compatibilizar su gusto por el lujo, la moda y el saber vivir con cierta capacidad para la influencia política y para la introducción de un entonces desconocido espíritu feminista. Una mujer florero que pretendía dejar de serlo sin abandonar su condición de jarrón. O sea, una misión imposible que ha llevado a los responsables de La duquesa a compararla con otra figura rompedora en materia de ambivalencias. "Dos siglos separan a lady Diana de su antepasada, pero el escándalo marcó ambas vidas", reza la frase de promoción en el cartel.

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LA DUQUESA     Calificación:   ★★★

Una Lady Di con peluca

De Georgiana Spencer a Diana Spencer no hay más que una resta: quítenle a Georgiana los miriñaques y las pelucas y las madres ambiciosas y les quedará la misma silueta femenina sobre fondo gris, aplastada por la masculina mano del poder y la herencia de clase. Es un discurso de opresión que todavía perdura, y ahí está la imagen de la mártir que sufre pero reivindica, sea Lady Di o Keira Knightley. En ese sentido, «La duquesa», tan educada como de costumbre en el cine británico, cumple con su cometido, que es mostrar que los protocolos de las altas esferas siguen menospreciando el papel de la mujer en la sociedad. Cumple, también, Keira Knightley, toda frescura, y sobre todo, cumple Ralph Fiennes, que interpreta al duque de Devonshire, bota malaya de los deseos de su ingenua esposa, con una rigidez que asusta por lo insensible de sus métodos. A veces, y eso es un problema de los filmes de época, el fondo y el vestuario tienden a hundir la trama, pero en «La duquesa» los personajes, de la mano de los actores, se salvan de ese naufragio posible.

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LA DUQUESA     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Aristocracia culebronesca

El rostro poderosamente bello de Keira Knightley acaso carezca del misterio de los grandes mitos del cine (la Garbo, la Dietrich), pero sin duda destila un aura que enamora a la cámara y es particularmente idóneo para viajar al pasado, ya sea en cintas de aventuras (El rey Arturo, la serie Piratas del Caribe) o en melodramas tocados por un soplo romántico (Orgullo y prejuicio, Silk).

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LA LISTA     Calificación:   ★★

Sexo, mentiras y auditorías fiscales

Un hombre mira desde la ventana de un gran edificio el paisaje vacío de la gran ciudad. Está sólo, es de noche y el refrito de luces, guiños y reflejos acentúa su soledad. Según el director de «La lista», Marcel Langenegger, esa imagen arrancada de un cuadro de Edward Hopper es la que le facilitó la sensación de arranque para su historia, una historia que irá cambiando de color como si fuera un camaleón. Hay esencialmente tres personajes, y cada uno de ellos exhala una tonalidad distinta a la película: el deseo y la ilusión de un hombre ingenuo, la pasión romántica de una mujer extraña y la eficacia y frialdad de un profesional de los números. Ewan McGregor, Michelle Williams y Hugh Jackman.

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LA LISTA

Los negocios de Chesterton

"El club de los Negocios Raros impera oculto en un gran edificio, como un fósil escondido en un gigantesco conglomerado de fósiles", escribía G. K. Chesterton en El club de los Negocios Raros. Corría el año 1905, pero ya se definía a los ejecutivos casi como muertos vivientes. Los modernos financieros de La lista, sofisticada pero decepcionante ópera prima de Langenegger, también son fósiles necesitados de una alegría tan estrambótica como las inventadas por Chesterton. Adictos al trabajo, sin vida más allá del ordenador y las paredes de su oficina, están filmados a través de la tenebrista luz de Spinotti, que provoca que la mitad inicial de La lista enganche a la manera de la chestertoniana The game (David Fincher, 1997). Sin embargo, vueltas las cartas boca arriba y trasladada la acción desde Nueva York a Madrid, el conglomerado se viene abajo con un aroma tan impostor como el nombre de la institución madrileña donde guardan el dinero: Banco Nacional de San Sebastián.

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LA LISTA     Calificación:   ★★

Anónimo erotismo

Volvamos a los tiempos en que el «thriller» erótico intentaba abrirse camino por la entrepierna de hombres y mujeres adictos a las emociones fuertes, siempre con un protagonista-alter ego en el que proyectar los deseos de aventura sexual que excita la rutinaria vida de todos los espectadores de a pie. Se trata de la clásica identificación provocada por el cine negro, en el que la inocencia del héroe se disuelve a favor de la tentación del lado oscuro de las cosas.

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LA LISTA     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

El seductor y el seducido

La lista empieza seduciéndonos, del mismo modo que un yuppie carismático y elegante, que parece salido de un anuncio de perfume varonil (Hugh Jackman), seduce casi mefistofélicamente a un yuppie pusilánime (Ewan McGregor). Una tan súbita como falsa amistad y un intercambio de móviles propiciarán que el segundo caiga en las redes del primero, abducido por los goces perpetuos de la vida hedonista.

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LA BUENA VIDA

Guía urbana del desamparo

Quizás llegue el día en que la influencia del cine de Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga -juntos o por separado- sea mesurada en términos de balance de daños. A primera vista, La buena vida, último premio Goya a la mejor película hispanoamericana y cuarto largometraje del chileno Andrés Wood -si no contamos El desquite (1999), producción realizada originalmente para televisión-, parece apelar a los mosaicos de desamparos y desconexiones que el ex tándem sublimó como género emblemático de la contemporaneidad, aunque, en este caso, el tremendismo aparece gratamente atenuado y a la grandilocuencia se le prohíbe, con buen criterio, la entrada.

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LA BUENA VIDA     Calificación:   ★★★

La fiebre Arriaga

No inventa gran cosa el guionista de «La buena vida». Agarra cuatro vidas y las cruza, cual criador de perros. De Robert Altman a Guillermo Arriaga, el género podría parecer sobreexplotado si algún otro estuviera libre de excesos. Para encontrar la esencia de la cinta del chileno Andrés Wood, premio Goya al mejor filme extranjero de habla hispana y merecedora de un puñado de premios, hay que acudir al tono y, sobre todo, al mundo que retrata, que no es precisamente el anglosajón. Santiago de Chile es un hábitat con tantas posibilidades como Nueva York, Los Ángeles o Tokio para enhebrar dramas y alegrías.

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LA BUENA VIDA     Calificación:   ★★

Sueños rotos

Más existencias cruzadas (con Altman en el cielo sin perder ripio), más retazos apenas esbozados sobre hombres y mujeres insatisfechos, solitarios o sin rumbo. Andrés Wood («Machuca») ha obtenido varios premios con su nueva película, incluido el Goya al mejor filme de habla hispana. La historia de cuatro personajes en busca de un autor, quien, con mayor o menor habilidad (a veces suena forzado), entrecruza estos destinos durante unos instantes en Santiago de Chile, una ciudad caótica, un poco inhumana, como todas las grandes orbes del planeta, al cabo. Nadie parece atender sus plegarias, pero quién sabe. Quizá de pronto, un día, haya vida. Una buena vida para todos.

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LA BUENA VIDA     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Historias mínimas

Puestos a apropiarse de títulos, La buena vida, que es el de la ópera prima de David Trueba, hubiera podido llevar el de una de las películas realizadas por el cineasta argentino Carlos Sorín, Historias mínimas, pues de eso se trata, de aproximarse a un puñado de vidas que se entrecruzan y a su mosaico de penas, anhelos y sufrimientos en el ruidoso y agitado Santiago de Chile de ahora mismo. Su fuente de inspiración, según reza un rótulo final, son hechos verídicos.

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LAS MANOS     Calificación:   ★★

Vidas de santos

El director argentino Alejandro Doria, conocido por la dadaísta película «Esperando la carroza», afronta ahora un difícil compromiso: ilustrar al modo de «vida de santos» la peripecia existencial y emocional del cura y sanador Mario Pantaleo, cuyas manos (a las que alude el título) eran una caja de analgésicos para aquellos que creían en él. Este cura italiano que se fue en la posguerra mundial a la Argentina es visto por Doria de un modo sencillo, tal vez excesivamente natural, a lo que ayuda la interpretación cercana de Jorge Marrale: se dan tan por hecho sus «milagros» que ni siquiera necesita pararse apenas en ellos... Doria se interesa y pone el énfasis en la relación de este hombre bueno con el personaje que interpreta, maravillosamente, Graciela Borges, una mujer arrancada por él de las garras del cáncer. Las escenas entre ellos alcanzan en ocasiones una altura sentimental casi chocante, de una pureza turbia. Las escenas en Roma alternan también lo cristalino con lo turbio, como la escena en la que aparece Josep Maria Pou, sibilino ministro de la Iglesia, con el aroma y la doblez de la papiroflexia. Pretende Doria abarcar demasiado con «Las manos» y lo hace al modo de estampas: una, otra, otra... Algo menos de narración y algo más de sugerencia la hubiera elevado un tanto más del suelo.

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LAS MANOS     Calificación:   ★★

De buena fe

En su país es un cineasta especialmente querido, pero el director de «Esperando la carroza» (1985), más pendiente de la TV durante los últimos años, no suele prodigarse mucho en la gran pantalla. Ahora, el bonaerense Alejandro Doria regresa con «Las manos», en la que vuelca la singular vida del Padre Mario Pantaleo (Jorge Marrale), un sacerdote italiano que vive en Argentina. Fumador empedernido, asmático y hombre de profundas creencias religiosas, parece que tiene un don: Pantaleo puede sanar a los enfermos con la imposición de las manos. Perla (una notable Graciela Borges), a la que también ha curado y que desde entonces venera el suelo que pisa, lo abandona todo para marcharse con el sacerdote y ayudarlo a construir una iglesia. Los altos cargos eclesiásticos y el gobierno recelan de Pantaleo, quien, en ocasiones, también duda: «Te pido perdón, Dios, por mi soberbia». Y sufre: «Nunca saqué provecho de esto». Al contrario, dice. Aunque Doria muestra una fe ciega en el protagonista y varias escenas consiguen conmover (las del suicidio del joven cura, por ejemplo), poco a poco el filme adquiere un tono melodramático que le resta verosimilitud y fuerza. También resulta desconcertante la grandilocuente banda sonora, mal avenida con una historia que, tan cuestionada por unos como excepcional para otros, habría sido mejor contar con menos ruido de fondo, casi en voz baja. 

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UN CUENTO DE NAVIDAD     Calificación:   ★★★★

Males familiares

Descubrir la obra de un cineasta de peso, insólitamente inédita en los cines de nuestro país, es en sí misma una buena noticia. 'Un cuento de Navidad' es una muestra más que idónea para entender el tipo de cineasta que es Arnaud Desplechin, dueño de un poderoso y abigarrado mundo propio con una geografía muy reconocible y de una desbordante inventiva narrativa que maneja las voces del relato con virtuosismo de prestidigitador. El núcleo básico es una reunión familiar aparentemente convencional en la que se ventilan no ya los trapos sucios sino los males congénitos de ese complejo, incluso desquiciado, grupo humano marcado a fuego por las pérdidas prematuras, los odios cainitas y los amores desolados.

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CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA     Calificación:   ★

Tímida ironía

P. J. Hogan ha tratado de repetir sus éxitos como cineasta irónico ('La boda de Muriel', 'La boda de mi mejor amigo') con una comedia que, por el contrario, se ha quedado en novela rosa y en sátira ingenua. Burlarse de la adicción al consumo es demasiado fácil- sobre todo si lo es de artículos de lujo-, la protagonista de la farsa es una neoyorquina adicta a marcas carísimas y los personajes secundarios se encargan de mostrar la riqueza moral y sentimental de la humildad. En una mezcla de 'El diario de Bridget Jones', 'El diablo viste de Prada', 'Pretty Woman' e innumerables variaciones sobre el tema de 'La Cenicienta', Isla Fisher desempeña con entusiasmo el papel de una periodista que triunfa como portavoz de las consumidoras que nunca han tenido suficiente ropa y complementos porque nunca han tenido suficiente amor.

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LA VIDA SECRETA DE LAS ABEJAS     Calificación:   ★

Meliflua y empalagosa

No contento con arrasar en las taquillas, de vez en cuando Will Smith dedica un rato a producir productos más o menos independientes simplemente a título de prestigio: muy poco le va a aportar el último de ellos, en el que la productora ejecutiva es, además, su señora, Jada Pinkett-Smith. El filme adapta un best seller, supuestamente de culto, de Sue Monk Kidd que, ambientado en los años 60, cuenta la historia de una adolescente del profundo Sur de EEUU que huye de su casa y de su violento padre y se refugia en la factoría apícola de tres inclasificables hermanas negras, con la lucha por lo derechos civiles de este colectivo como telón de fondo.

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TRAIDOR     Calificación:   ★★★

¿Criminal, santo o lo contrario?

Que la amenaza planteada por una ficción tenga apariencia de posibilidad resulta cada vez más insólito en los suspenses de espías o de asesinos. El afán de asombrar con megaespectáculo o, en el mejor de los casos, con giros sorprendentes en las tramas ha ido solapando la verdadera incertidumbre, la basada en que la ficción refleje una realidad por desconocida más inquietante. Por eso se agradece esta intriga que sólo y como prólogo y pretexto ofrece espectáculo de acción (y significativamente se revela como lo menos convincente del conjunto) y fugazmente una gran sorpresa; entre uno y otra, la intriga recorre medio mundo y sigue dos líneas con la característica distintiva de ser ambas creíbles en lo sustancial.

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BEN X     Calificación:   ★

¡Viva la alienación!

Ben proyecta sus ilusiones e, idealizadas, sus experiencias cotidianas en un videojuego donde se convierte en un héroe que derrota a sus enemigos y enamora a una bella; en la realidad es un autista sometido desde niño a tratamientos incapaces de evitar que su percepción de la realidad esté distorsionada por los miedos, la incomprensión y la falta de autoestima. Con este personaje se denuncia el acoso escolar y el dramático porcentaje de suicidios de adolescentes y jóvenes en Flandes (sólo se hace referencia a esa mitad de Bélgica). El caso de Ben parece demasiado extremo, patológico, para resultar representativo como pretende la película: a lo mejor, centrada en el retrato de un individuo hubiera resultado genuinamente dramática.

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ATANARJUAT     Calificación:   ★★

Antropología épica

Vaya por delante que es motivo de satisfacción que a las salas comerciales españolas lleguen películas tan diferentes e interesantes como ésta producción canadiense, aunque sea con nueve años de retraso. Dicho esto, hay que dejar claro que 'Atanarjuat' -por muchos premios que haya recibido en festivales como Cannes o Toronto- no es un filme para todos los paladares, con sus casi tres horas de duración, un ritmo narrativo frente al cual el cine iraní resulta trepidante y unos componentes filosóficos y existenciales francamente complicados de asimilar por los occidentales. A medio camino entre el documental y la ficción, el larg(uisim)ometraje de Kunuk recrea una leyenda del pueblo inuit, que habita en el Ártico, protagonizada por el personaje del título, cuya misión es deshacer una maldición que pesa sobre su familia.

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RETORNO A HANSALA     Calificación:   ★★

Trámites y ritos de la muerte

Se ha mostrado a menudo el drama de los inmigrantes que lo arriesgan y a menudo lo pierden todo por llegar a España, o a otro país desarrollado de Europa, desde el punto de vista de uno de ellos, haciendo que el espectador les acompañe en su odisea para que se identifique con sus anhelos y sus penalidades. En los títulos de crédito iniciales se ve desde el punto de vista del inmigrante su trágico fin a escasos metros de la costa española para, a continuación, mostrar el proceso a la inversa con una originalidad que promete ser eficaz dramática y didácticamente.

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MENTIRAS Y GORDAS     Calificación:   ★

Fiesta interminable

No se puede negar que como operación comercial parece bien pensada, con un ejército de actores jóvenes reclutados en las series más populares de televisión. Pero, aparte de eso y de la lustrosa y resultona fotografía a cargo de Alfredo Mayo, es difícil encontrar alicientes narrativos o cinematográficos a este aparente retrato generacional de un tipo de juventud entregada ardorosamente al consumo y tráfico de estupefacientes, encerrados en una fiesta permanente y en un entramado sentimental y sexual como de culebrón, en el que se pasa exhaustiva y forzada revista a casi todas las opciones sexuales.

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MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS

Una guerra con más de una dimensión

En vísperas de bodas, un meteoro inoportuno golpea a la inocente Susan y la hace crecer hasta casi el nivel de The Amazing 50 Foot Woman. El accidente la convierte involuntariamente en algo fuera de serie dentro de su confinado mundo y la sitúa en el grupo de fenómenos que enfoca Monsters vs. Aliens, un animadísimo cartón de inteligente alcance. Sin arengar ni subrayar, dispara contra La guerra de los mundos con proyectiles cómicos que jamás soñó H. G. Wells.

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SEÑALES DEL FUTURO

Suspenso apocalíptico

En 1959, la Academia Warden sepultó una cápsula del futuro para ser extraída 50 años más tarde. Le llegó el plazo en el 2009 y en la ceremonia sacan del receptáculo numerosos mensajes anodinos de los alumnos de hace medio siglo. Pero una de ellos, Lucinda Embry, dejó un panel cabalístico de garabateadas ecuaciones sin aparente significado.

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DUPLICITY

Se pasa de lista

Claire y Ray tienen larga historia de encuentros y desencuentros. Empezaron en Dubai en el 2002, cuando ella lo sedujo y lo desvalijó. Prosiguieron en el juego del amor y del azar hasta el momento presente, aunque cambiaron de profesión. Ya no son agentes de la CIA, porque sacan más dinero en el espionaje industrial. Ahora su misión es buscar primero y rapiñar después algún producto de multimillonario futuro en el mercado internacional.

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LA MONTAÑA EMBRUJADA

Una montaña ya escalada

Dos niños extraterrestres viajan 3,000 millas en el espacio para salvar este planeta y el Pentágono les prepara el regreso a casa con platillo volador instalado en la cumbre de una montaña. Los chicos son de carne y hueso y no mecánicos como su pariente E.T., pero no obstante sus dotes sobrenaturales de atravesar paredes, todavía necesitan de Bruno (Dwayne Johnson), ex chofer de la Mafia y ahora honesto taxista, dispuesto a rescatar a los fugitivos a lo largo de erizante cadena de explosivos obstáculos.

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Amigos DeCine,

En menos de dos semanas hemos tenido dos tandas de estrenos que suman un total de 14 títulos. No hay ninguno especialmente destacable, aunque sí encontraréis opciones para todos los gustos. SEÑALES DE FUTURO del siempre interesante Alex Proyas, MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS, animación en 3D con copias en Imax incluidas, LA DUQUESA, estreno pendiente de los Oscar que finalmente se ha estrenado; CONTROL, la biografía Ian Curtis, el cantante líder de la banda Joy Division; o FAST & FURIOUS: AÚN MÁS RÁPIDO, cuarta entrega de la serie con el reparto original de la primera entrega, que, sin duda tiene sus seguidores.

También encontramos cine francés: PARÍS, PARÍS o ESPÍAS EN LA SOMBRA; muestras del cine patrio como LA CASA DE MI PADRE sobre el drama terrorista o la comedia AL FINAL DEL CAMINO: y títulos latinoamericanos como las producciones argentinas LAS MANOS y RUIDO, o la chilena LA BUENA VIDA.

Tenemos de todo un poco… Para los que no tenéis vacaciones (como es mi caso) el cine siempre puede ser una opción.

Finalmente os recuerdo que las páginas web vivimos de la publicidad que es nuestro único medio de generar ingresos que mantegan los costes y la independencia del medio. Por ejemplo vivimos de hacer un ‘click’ en los anuncios. Os lo digo por si no habías caído en ese detalle.

Javier Mas

ASI SE HIZO

Señales del futuro (Knowing)

Estamos en 1959 y durante la inauguración de un nuevo colegio de primaria un grupo de alumnos dibujan cómo creen que será el futuro. Sus dibujos van a guardarse en una cápsula del tiempo que será sellada durante 50 años antes de volver a abrirse. Los niños dibujan alegremente, pero una misteriosa niña llena su hoja de hileras de números aparentemente inconexos, que según ella le susurran personas que nadie más puede ver.

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ASI SE HIZO

Control

Basada en las memorias Touching from a Distance, de Deborah Curtis, la película de Anton Corbijn se convierte en un excelente retrato de la historia de Joy Division y de su líder Ian Curtis. Corbijn narra la historia de Joy Division como cualquier fan podría esperar. Pero Control no es sólo eso, va mucho más allá. Corbijn nos presenta una bella película sobre las catastróficas consecuencias del amor y del arrepentimiento, y de la salvación que todos buscamos en el arte.

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ASI SE HIZO

“París, París” por Christophe Barratier

París, París, que mezcla la comedia y el drama, la música y la pasión, también podría llamarse perfectamente Érase una vez en París..., como si se tratara de un épico fresco de un París obrero que ya no existe, con toda su humanidad, melodías, pintorescos personajes, hechos triviales, grandes expectativas y, bajo todo ello, las señales premonitorias del caos sin precedentes en que, poco tiempo después, se sumiría el mundo.

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ASI SE HIZO

“Espías en la sombra” (Les femmes de l'ombre) por Jean-Paul Salomé (Director del film)

Cuando trabajaba en Londres, leí en el Times la esquela de una heroína de la Segunda Guerra Mundial que había muerto a los 98 años. Como miembro de la Resistencia, esta joven francesa decidió huir a Inglaterra para unirse al SOE (Special Operations Executive). Creado por Winston Churchill, el SOE contaba con una sección francesa dirigida por el coronel Buckmaster. Desde 1940 se apuntaron más de 50 mujeres de toda Europa con el firme objetivo de ser agentes de la Inteligencia británica.

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ASI SE HIZO

“Al final del camino” por Roberto Santiago (Director del film)

AL FINAL DEL CAMINO es una comedia romántica, divertida y optimista. Una historia de amor en un entorno original: El Camino de Santiago. También es en cierto sentido una road movie: cada secuencia de la película ocurre en una localización diferente. Pero, por encima de cualquier otra cosa, Al Final del Camino es una película de personajes. Y, por tanto, una película de actores. Fernando Tejero, Malena Alterio, Javier Gutiérrez, Diego Peretti, Javier Mora, Cristina Alcázar y el resto de los actores y actrices son el verdadero alma de la película. Con su implicación en la historia durante los ensayos y el rodaje, conseguí olvidarme en muchos momentos de que existía un guión escrito, y daba la sensación de que todo lo que hacían y decían realmente se les había ocurrido a ellos en ese preciso instante. Mi agradecimiento eterno para ellos por su generosidad. Gracias a estos fantásticos cómicos conseguimos acercarnos al verdadero tema de la historia: Lo difícil que es estar solo, pero lo más difícil todavía que es compartir tu vida con alguien. O como diría Billy Wilder, auténtico maestro de la comedia romántica: “Sólo hay dos tipos de parejas, las que se separan, y las que acaban mal”.

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ASI SE HIZO

Dragonball Evolution

La aventura de Goku –con nada menos que el destino de nuestro mundo en juego– comienza de forma bastante inocente en el exterior de la casa de su abuelo, donde Gohan está adiestrando al joven en unas exóticas técnicas marciales. Goku cumple ese día 18 años, y el regalo de Gohan a su nieto es una Bola de Dragón, una esfera pequeña y redonda cuya superficie es blanda y anacarada pero con una blanca translucidez que le proporciona profundidad. Cuatro estrellas flotan en el interior de la esfera. Sólo existen seis más como ella en el mundo, y se dice que cuando las siete Bolas de Dragón están juntas pueden conceder cualquier deseo a quien las posee.

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ASI SE HIZO

Monstruos contra alienígenas (Monsters vs. Aliens)

Cuando a la californiana Susan Murphy le cae encima un meteorito lleno de pringue espacial y crece rápidamente hasta los 15 metros de altura, la capturan y la encierran en una zona de contención secreta del gobierno. Allí, Susan (ahora llamada Genórmica) se ve rodeada de otros monstruos encarcelados: el inteligente, aunque con cabeza de insecto, Dr. Cucaracha; el machote medio simio medio pez Eslabón; el gelatinoso e indestructible B.O.B.; y la larva de 100 metros llamada Insectosaurio. Sin embargo, su reclusión queda interrumpida cuando el general Provoker (siguiendo órdenes desesperadas del presidente) pone en acción al grupo para combatir a un imparable robot que está arrasando el país. Victoriosos, los monstruos pronto se enfrentan a la nave nodriza del robot, bajo el mando del malvado Galaxhar, que exige la devolución de su quantonio (sea lo que sea), o destruirá el planeta. De modo que está en manos de los monstruos vencer su condición de inadaptados y salvar al mundo de la destrucción inminente que se avecina.

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ASI SE HIZO

Fast & Furious (Aún más rápido)

Desde las carreras ilegales en las calles de Los Ángeles, pasando por el blanqueo de dinero en Miami, hasta los peligrosos circuitos japoneses de drifts; es la saga de A todo gas. En esta cuarta entrega, los cuatro personajes que le dieron vida se reúnen de nuevo para regresar al escenario donde empezó todo. Han pasado ocho años desde que el ex convicto Dominic Toretto (Vin Diesel) cruzara la frontera con México, consciente de que siempre sería un fugitivo. Vive en una cabaña en una playa de Santo Domingo con Letty (Michelle Rodriguez), lo único que le queda de su pasado, e intenta rehacer su vida. Pero sabe que la policía siempre está a unos pasos detrás de él.

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ASI SE HIZO

La duquesa (The duchess)

Althorp, 1774. En la verja trasera de la casa de campo de los Spencer, seis jóvenes aristocráticos se preparan para una carrera. Georgiana, de 17 años va con Charles Grey. Dentro, Lady Spencer, la madre de Georgiana, negocia su matrimonio con el Duque de Devonshire, un hombre algunos años mayor que Georgiana. El contrato de matrimonio permitirá a Georgiana acceder a una bonita suma una vez que le dé al Duque su primer hijo varón. Lady Spencer le comunicará entonces a Georgiana que se ha convertido en Duquesa de Devonshire y ella queda emocionada con la idea convencida de que el Duque la ama. Tras el matrimonio, Georgiana toma su papel como anfitriona social y atiende a los Whigs, el partido político que apoya su marido, impresionando a Charles Fox, líder del partido con su ingenio y su belleza.

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ASI SE HIZO

La lista (Deception)

"¿Estás libre esta noche?" Una pregunta bastante sencilla, pero la manera en la que un hombre responde a ella puede cambiarle la vida para siempre. Jonathan McQuarry (Ewan McGregor) es ese hombre. Un auditor anónimo perdido en el mar de la élite poderosa de la ciudad de Nueva York donde todo es "trabajar, trabajar y cero diversión". Para él es más bien como: "trabajar, trabajar y cero vivir". Sin embargo, un encuentro fortuito con Wyatt Bose (Hugh Jackman), un abogado corporativo de gran carisma, le presenta a Jonathan una ciudad de Nueva York que sólo existe para los privilegiados: un rincón de juegos decadente para directivos de clase alta de Manhattan. En el mundo de Wyatt los hombres llevan trajes de cuatro mil dólares y, cuando se aflojan el nudo de la corbata, frecuentan discotecas alternativas muy calientes, donde las mujeres son muy guapas y siempre están disponibles. ¿Y qué hay para los agentes de bolsa que trabajan dieciocho horas al día y que no tienen tiempo para una vida personal? Para ellos está: "La Lista", algo así como un club de sexo donde con el número de móvil adecuado y cuatro palabras sencillas ("¿Estás libre esta noche?") pueden obtener una noche de placer sexual.

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ASI SE HIZO

“La buena vida” por Andrés Wood (Director del film)

Rodrigo Bazaes, director artístico de Machuca y dramaturgo y director de la obra Pelo negro boca abajo, me muestra un proyecto de documental que quería realizar acerca de la clientela que asistía frecuentemente a la peluquería Salón Sule en pleno centro de Santiago de Chile. A mí me encantó la idea y en especial las historias de los personajes, así que le planteé hacer una ficción en vez de un documental. Así nace la película LA BUENA VIDA.

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ASI SE HIZO

“La casa de mi padre” por Gorka Merchán (Director del film)

En la historia vasca tiene una gran tradición la imagen de la casa, primero para referirse a alguno de los territorios históricos, mas tarde al conjunto de las provincias vascas, hasta que el nacionalismo se apropió del término para aplicarlo a la idea de nación vasca. La nueva situación permite entender la frase "La casa de mi padre" de una forma renovada y esperanzadora, la mejor forma de defender la casa del padre es permitiendo que sea la casa de todos, sin que nadie tenga derechos por encima de los demás, todos somos habitantes de esa casa, por eso es preciso empezar a dejar de lado esa imagen de la casa cerrada y pasar a pensar Euskadi en términos de ciudad, una ciudad en la que conviven ciudadanos distintos, diferentes pero iguales en derechos, defendamos la casa del padre haciendo que se convierta en la ciudad de todos, recobremos la esperanza, volvamos e empezar , sabiendo que tendremos que cambiar algunas cosas, todo menos la voluntad de convivir, menos la convicción de que nos tenemos que identificar en la pluralidad y maravillosa complejidad de nuestras identidades

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ASI SE HIZO

“Ruido” por Marcelo Bertalmío (Director del film)

Esta es una serie de notas sobre Ruido, sobre la motivación, la historia, los personajes y la apariencia planeada para el largometraje. En algún sentido complementan el guión al dar idea del estilo visual y sonoro pretendido para la obra final, además de profundizar en detalles de estructura y planteamiento de la historia. Fueron escritas por el guionista / director con la intención de transmitir a quien las lea aunque sea una pizca del entusiasmo que tenemos quienes estamos involucrados en el proyecto.

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Estaba cantado, la decena de películas llegadas a nuestras carteleras no iba a deparar nada especialmente reseñable. UN CUENTO DE NAVIDAD se llevaría las mejores críticas como apuntamos, LA VIDA SECRETA DE LAS ABEJAS iría tras ella. Si sorprende la división de opiniones referida a CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA porque nosotros nos inclinamos a favor de la película. TRAIDOR también ha obtenido un recibimiento mejor del esperado como RETORNO A HANSALA que aprueba sobradamente su examen crítico.

ATANARJUAT, LA LEYENDA DEL HOMBRE VELOZ también sale bien parada, como apuntábamos y sospechábamos. BEN X ha sido más bien ignorada mientras STREET FIGHTER y sobre todo MENTIRAS Y GORDAS han suspendido sin ninguna duda.

Muy pobre cosecha en definitiva... Veremos que nos deparan las próximas semanas, aunque de lo visto poco, poco, por no decir nada. No se me ocurre nada que os pueda recomendar con garantía.

Javier Mas

UN CUENTO DE NAVIDAD     Calificación:   ★★★

Navidades en familia, a la francesa

En esta larga e intensa película consigue su director, Arnaud Desplechin, un peculiarísimo cruce de géneros: el del cine francés propiamente dicho y el del cine navideño y familiar. Por supuesto, la heterodoxia de Desplechin (aquí se conocen poco sus películas, «La sentinelle», «Comment je me suis diputé (ma vie sexuelle)», «Esther Kahn») busca que vuelen por los aires los clichés de ambos géneros. Navideño: los miembros de la familia se reúnen y, con ellos, todos sus fantasmas, monstruos, reproches y deudas. Francés: textual hasta que rima prácticamente con teatral, aunque al tiempo tan visual y cinematográfico como esa imagen de la película en la que uno de sus protagonistas, Mathieu Amalric, se cae recto como un poste de bruces contra la calzada. Le duele al espectador de platea al menos hasta la fila 12.

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UN CUENTO DE NAVIDAD

La médula familiar

Reyes y reina (2004) de Arnaud Desplechin -oportunamente editada en DVD por Cameo- se cerraba con la imagen de un niño enfrascado en la elaboración de uno de los más delicados trabajos manuales: el trazado de su árbol genealógico. El espectador sabía que ese árbol genealógico iba a tener ramas invisibles: ese padre deseable que no formaba parte de su herencia genética y que los desórdenes de la vida apartaban, irremediablemente, de su paisaje familiar.

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UN CUENTO DE NAVIDAD     Calificación:   ★★★★★

La gloriosa teoría de los átomos

La familia ha dejado de ser un árbol genealógico, se ha desprendido de sus raíces, no sabe el significado de las palabras «rama» o «tronco». La familia es, según el director Arnaud Desplechin, una nube atómica que sólo conoce entropías. Los átomos, como los miembros del clan Vuillard, se alejan y se repelen, se aman y se pelean, resistiéndose a entender que no pueden vivir los unos sin los otros.

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UN CUENTO DE NAVIDAD     Calificación:   ★★★ (Sobre cuatro)

Agrio retrato de familia

Probablemente contenga sus pequeñas partículas de chovinismo, pero el gran aprecio general de la crítica francesa por Arnaud Desplechin no es ni mucho menos una inflamación del criterio: La sentinelle, Esther Kahn, La vie des morts o Rois et reine son algunos de los títulos que ponen de manifiesto la categoría de quien, para muchos, es el heredero natural de François Truffaut. La desgracia es nuestra: hasta la fecha, ninguna película de Desplechin había acudido a nuestros circuitos comerciales. La estupenda Un cuento de Navidad alivia el dolor, aunque no lo repara. Escrita por el propio Desplechin, con Emmanuel Bordieu, Un cuento de Navidad es un retrato agrio, desencantado de una familia burguesa disfuncional, los Vuillard. Sabemos que, muchos años atrás, el matrimonio formado por Abel y Junon tuvo dos hijos, un niño y una niña, el primero afectado por una enfermedad que requería un trasplante de médula ósea. Como ni los padres ni la niña eran compatibles, tuvieron un tercer hijo, con la esperanza de que pudiera ayudar a su hermano. Pero no fue así: el enfermo murió a los seis años y el recién llegado pasó a ser, no ya la oveja negra de la familia, sino casi el diablo. Tuvieron un cuarto hijo más tarde, y ahora es la madre quien está enferma, con dos posibles candidatos para el trasplante: un nieto con serios problemas psicológicos y el aludido diablo.

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CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA     Calificación:   ★★★

Una comedia pija

El australiano P. J. Hogan es un pequeño maestro de la comedia romántica moderna: suyas son «La boda de Muriel» y «La boda de mi mejor amigo». Esta nueva película, cuyo largo título parece el de un manual de autoayuda para las hijas de Bridget Jones, se interna en un terreno menos agradecido y más difícil de llevar a buen puerto: el de la comedia pija, en donde Hogan debe enfrentarse al recuerdo de hitos como «Fuera de onda» o «Rubia legal». Se interna en tan delicado territorio sin hacerle ascos, sin sentirse superior al material de partida ni a los personajes y sin renunciar a cierta inteligencia narrativa; al mismo tiempo se sumerge a fondo en la estética pop y en la lógica un poco boba que resultan necesarias para llevar una propuesta como ésta a buen puerto. El resultado puede quedar fuera de la comprensión de muchos espectadores, sobre todo por plantear un tema tan baladí como la adicción al consumo en estos tiempos de crisis, pero Hogan hace lo que hacían los artesanos del viejo Hollywood cuando les encasquetaban un proyecto no originado por ellos: trabajar a favor de obra. Por lo demás, aquí lanza al estrellato a su protagonista, Isla Fisher, que también demuestra comprender perfectamente el material que tiene entre manos: ligero como un suflé o un buen single pop de chicas, es decir, algo no tan intrascendente como parece.

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CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA     Calificación:   ★

Peligrosa adicción

Los tiempos de crisis sonríen a la sociología de tapa blanda, aunque, como en el caso que nos ocupa, tan cerca de «Sexo en Nueva York» como lejos de la comedia sofisticada (Edwards, Quine, etcétera) a la que aspira emular, los resultados sean tan contradictorios como irresponsables. Porque, ¿cómo entender la adicción de esta periodista de poca monta adicta a los pañuelos de más de cien dólares sino como una respuesta extrema a la demanda de consumo privado que el capitalismo ha puesto en marcha para reactivar la economía que ha desgastado? En realidad, la obsesión de Rebecca Bloomwood (Isla Fisher) es castigada por el sistema mientras la película contradice su insensata y luctuosa frivolidad -difícil que suceda algo sin que se nombre una marca- con un mensaje que acaba por ser, dadas las circunstancias, bastante hipócrita.

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LA VIDA SECRETA DE LAS ABEJAS     Calificación:   ★★★

Buen cine de mujeres buenas

Ha sido hija de Charlize Theron, Sean Penn y Tom Cruise, paciente de Robert de Niro y protegida de Denzel Washington. Con ninguno se sintió en inferioridad, por decir algo que no ofenda a nadie. Se llama Dakota Fanning, tiene 15 años y es un amor de actriz, tan currante que lleva dos películas estrenadas en un mes. En este desconcertante título tampoco se achica ante un plantel de mujeres envidiable, aunque su personaje arrastra la pena más grande que imaginarse pueda. Jennifer Hudson, Queen Latifah, Alicia Keys y Sophie Okonedo (la de «Hotel Rwanda») son un precioso acompañamiento a la impecable melodía de su actuación. En realidad, se trata de una obra coral, emotiva y pausada, que evoca a los «Tomates verdes fritos» que cocinara Jon Avnet con otro equipo de heroínas formidable. Si no fuera por aquello de la corrección, podría haberse titulado «Mujeres negras chamuscadas». Pero claro...

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LA VIDA SECRETA DE LAS ABEJAS     Calificación:   ★★

Unas melosas «Raíces»

Adaptación del «best-seller» de Sue Monk Kidd, viajemos a Carolina del Sur, años 60: una jovencita (la solvente Dakota Fanning) huye de su padre para encontrar el pasado de la mujer que la engendró. Y se topa con un puñado de mujeres negras que parecen surgidas de un cuento (de hadas, no chino) aunque el «happy end» resulte un poco trágico. Más que sensible, a veces forzadamente sensiblera, es la mirada con que la autora Prince-Bythewood enfoca la historia de un (¿tele?)filme cuyo pulso dramático lo marcan las protagonistas (me refiero a ellas, los personajes masculinos poseen un peso irrelevante en el devenir de la historia, cuando no se trata de tipos violentos y de razones difusas) en una obra que habla del perdón y también de una tierra maltratada por el racismo. Al final, no obstante, ni lo uno ni lo otro, sino todo lo contrario. Por una vez lo ponen fácil: le sobra miel y le falta sal.

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TRAIDOR     Calificación:   ★★

La cruda soledad del infiltrado

Algunos trabajos se salvan por el caudal más inesperado. A veces el director va por un lado, la historia en el sentido transversal, los diálogos al bies y el argumento camina por senderos marchitados. Y en todo el galimatías viene un gran actor y te salva la papeleta a veces sin querer. «Traidor» es un thriller convencional, sin ningún mérito especial ni ninguna medalla que colgarse. Su trama está vista: un infiltrado se cuela en células terroristas y desde ahí engaña, traiciona, despista y hasta ensombrece la mirada de los suyos propios hasta crear dudas más allá de lo razonable.

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TRAIDOR     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Religión y terrorismo

Pónganle a Syriana acento de tebeo y tendrán algo parecido a este thriller cosmopolita, geográficamente variado, trufado de espías y terroristas, con pretensiones de hilar fino en la conciencia religiosa, como acredita su ambiguo plano final del héroe (sudanés de nacimiento, musulmán, de nacionalidad estadounidense), al que precede un clímax con sorpresa, concerniente a una serie de atentados, urdido con ingenio.

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TRAIDOR     Calificación:   ★★

Terror espía

Parece que todos mienten. O casi todos. Que alguien es un infiltrado. Y que habrá sangre, más muertos inocentes. Tras el 11-S, Hollywood levantó la veda al cine sobre terrorismo islámico para comprobar hasta cuánto resultaba rentable en la taquilla. Y da la impresión de que lo sigue siendo todavía hoy, varios años después del sangriento atentado. La confusa «Syriana», el sobrevalorado trabajo de Ridley Scott «Red de mentiras»... a este irregular compendio se suma ahora, de hecho, la película de Nachmanoff, oscura, muy grave, e igualmente ambigua. El agentes del FBI Roy Clayton investiga una conspiración internacional que parece orquestada por el ex oficial de operaciones especiales Samir Horn, un tipo enigmático y cariacontecido cuyo nombre relaciona con actividades violentas sucedidas en varios puntos dispares del mundo, incluida Marbella, España. «Thriller» reflexivo de correcto guión (aun cuando en ocasiones no sepa o no quiera evitar ciertos estereotipos), previsible desenlace, ritmo irregular y sobrias interpretaciones (destaca, sobre todo, la de Cheadle como el sudanés de origen americano protagonista que se debate entre su fidelidad a EE UU y la religión que profesa), la cinta está basada en una historia del cómico Steve Martin, que también es productor ejecutivo de la misma. Para descansar de Clouseau, quizá.

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TRAIDOR

No hay lugar seguro

"Nunca se derrota a un imperio con sus mismas tácticas". La sentencia puede ser tan antigua como el mundo y haber servido de guía a los sucesivos frentes desestabilizadores de los dispares imperios que han ido dominando el mundo, pero, ahora que es el emblema-guía del terrorismo islamista en guerra contra Occidente, su sola presencia en una película como Traidor ya produce un sentimiento que va desde el resquemor al puro miedo.

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BEN X     Calificación:   ★★

Mi vida virtual

Si en «La playa» Danny Boyle convertía a Leonardo DiCaprio en el héroe de lo que parecía una versión cibernética de «Apocalypse Now», en «Ben X» Balthazar convierte a un adolescente con el síndrome de Asperger en el héroe de un videojuego medieval en el que puede interactuar con el entorno sin los miedos y los abusos que sufre en la vida real. Mientras la opción de Boyle era puramente estética, una ruptura formal que podía o no corresponder a la culminación de la locura del protagonista, la de Balthazar está empeñada en erigirse en pretenciosa alegoría. Y como alegoría, ese universo virtual donde Ben puede consumar su dimensión heroica resulta algo pobre, sobre todo para sustentar el peso de un relato que trata del acoso escolar y que viaja de una realidad a otra con peregrina constancia, como si las equivalencias entre una y otra no hubieran quedado claras desde el principio.

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ATANARJUAT, LA LEYENDA DEL HOMBRE VELOZ

El tataranieto de Nanook

En 1922, el estadounidense Robert Flaherty se fue al Ártico junto a su equipo de rodaje, plantó su cámara contra viento y marea, y filmó durante dos años y medio la vida de una familia esquimal para regocijo del cálido espectador de las primigenias salas de cine. De paso, dio carta de presentación al género documental (aunque algunos lo discutan, debido a sus contados elementos de ficción). Casi un siglo después, el canadiense Zacharias Kunuk, con un equipo mucho más ligero y moderno, una cámara de alta definición e infinita paciencia, rodó Atanarjuat, la leyenda del hombre veloz, película ganadora de la Cámara de Oro al mejor debutante en Cannes en 2001, que llega a las pantallas españolas con ocho años de retraso, en clave de ficción de aventuras, y ambientada en el mismo poblado de Nanook, la tribu de los inuit.

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ATANARJUAT     Calificación:   ★★★

Homero «on ice»

Cuando al cine no le queda nada por descubrir o inventar, he aquí un pequeño milagro: el nacimiento de la primera película inuit o igloolik de la historia. Y nada de antropologías «baratas» y flahertianas, aunque su antecedente nevado y canadiense sea «The viking» (1931): Kunuk se atreve con una historia de igualmente novedosas hechuras homéricas y shakesperianas sobre hermanos enfrentados y fugas hipnóticamente gélidas, aunque deslice toques tan mundanos como un concurso de eructos indoor o la bonanza del mercado inmobiliario del iglú. Y sí, dura lo que «Watchmen» pero aquí los efectos especiales y esquimales son de verdad.

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ATANARJUAT, LA LEYENDA DEL HOMBRE VELOZ     Calificación:   ★★★

Una huella de sangre en la nieve

«El mal llegó a nosotros como la muerte». Presagios, encantamientos, un parricidio, sexo, poder, el destierro. «Atanarjuat» posee reminiscencias de un drama shakesperiano. Durante el larguísimo metraje de la épica producción realizada en condiciones supongo que no menos terribles, los hombres pierden la cabeza por la ambición y los celos. Ártico canadiense: los espíritus vive en paz con los humanos hasta que un chamán decide dividir a la tribu. Atanarjuat centra toda esa obsesión por derramar sangre. La cámara, notable, minuciosamente subjetiva, le pisa los talones a estos personajes marcados por las extremas condiciones de vida y las leyes realistas, pero también mágicas, del deseo. Con formas de falso documental (frente al espectador alguien levanta un iglú mientras descubre otro tipo de besos y una alimentación basada casi de manera exclusiva en la carne), la película evoca a «Nanouck el esquimal» e, incluso (durante la escena de la cacería humana), el «Apocalyto» descomunal de Gibson, con cuyo filme también comparte el gusto por un cine radical, extremo y levemente marciano. «Ten cuidado con lo que deseas»; quizá quien pronuncia la sentencia al principio del filme parafrasee sin saberlo aquella sobre las plegarias atendidas de Capote. Y no miente ninguno: en ocasiones, los sueños toman cuerpo y entonces ya nunca nada vuelve a ser lo mismo.

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ATANARJUAT     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Nietos de Nanuk

Estreno inexplicablemente tardío de esta larga pero estimable epopeya de esquimales que hace ocho años mereció la Cámara de Oro en Cannes. Puede verse como un instructivo documental sobre costumbres atávicas y a la vez como una aventura de tintes homéricos, con regreso del héroe a su tribu (que le creía muerto) para vengarse del enemigo. Su primitivismo, que la aproxima razonablemente a Nanuk el esquimal, es un valor añadido.

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RETORNO A HANSALA     Calificación:   ★★★

La mirada vuelta

Puesto que la ficción es imposible que supere, en este asunto, a la realidad, la directora Chus Gutiérrez busca ese terreno intermedio de la «realicción», en el que lo inventado ha de ser un paño tibio para la fría verdad. La patera es a los ojos del ciudadano de aquí algo que llega, aunque no hay que hacer un gran esfuerzo intelectual para darse cuenta de que al otro lado del Estrecho, en aquella costa, la patera es algo que se va; no hay contradicción en ello, sólo punto de vista. Y la película de Chus Gutiérrez busca el punto de vista desde su mismo arranque, un punto de vista valiente y que no duda en nacer agonizante: cámara subjetiva de alguien que lucha -sin éxito- por no ahogarse a unas decenas de metros de la playa. Un recién ahogado nos contaba la historia de «El crepúsculo de los dioses», obra maestra de Billy Wilder... Aquí, el ahogado no es el protagonista: es, sólo, una sensación.

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RETORNO A HANSALA

El Caronte de la inmigración

Cuando se aborda a través de una película un tema mayor, uno de los que siempre están a la cabeza en la clasificación de los asuntos que más preocupan a los ciudadanos en las encuestas del CIS, la elección del punto de vista resulta primordial. Y Chus Gutiérrez ha dado en el clavo para hablar de inmigración en Retorno a Hansala. Ha elegido una figura original pero señera, de las que nunca salen en los telediarios, aunque con vital importancia en la estructura dramática del enjambre de sueños cumplidos, pateras, ilusiones rotas, papeles, dudas y certidumbres alrededor de la inmigración clandestina: el dueño de la funeraria que va a recoger los cadáveres cuando se produce un naufragio con muertes, un Caronte de los nuevos tiempos.

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RETORNO A HANSALA     Calificación:   ★★★

La realidad ahoga

Se ahoga, y nos ahogamos con él. Un largo plano subjetivo lo muestra mientras lucha por la vida escasa. Pero, más tarde, el mar sólo expulsará su cadáver, tan joven y tan muerto. Martín (García Pérez), un empresario funerario con problemas económicos, y Leila (Farah Hamed), la hermana del fallecido, repatrían su cadáver desde España a Hansala, donde ambos nacieron. Crónica social que comienza cuando los medios de comunicación ya acaban, Gutiérrez filma con frescura y sobria sensibilidad la historia, mucho más interesante y crecida cuando aterriza en su lugar de destino, y una cámara que se reafirma en ese temblor casi documental. El contenido trabajo de ambos protagonistas respalda un filme que, más allá de la pena, lo que produce es algo parecido al dolor y la rabia.

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RETORNO A HANSALA     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Viaje al conocimiento

Chus Gutiérrez ha tenido siempre buen ojo, y quizás todavía mejor oído, para registrar los latidos de la gente corriente a lo largo de una serie de películas en las que, encima, ha cambiado a menudo de registro sin perder su voz personal, desde su inicial, insuficiente pero prometedora Sublet hasta El calentito, donde recreaba los años felices de la movida madrileña a través de la evocación de Las Xoxonees, formación punk femenina a la que ella había pertenecido, y pasando por Alma gitana, la muy reivindicable Sexo oral, Insomnio y Poniente.

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MENTIRAS Y GORDAS     Calificación:   ★★

Chicos de hoy en día

El gancho de esta película consiste en su reparto: caras conocidas de series populares de la tele que aquí aparecen en papeles «descarnados» (al contrario, con mucha carne), viviendo la vida loca con más que amor, frenesí, sin las censuras de la pequeña pantalla. Tal morbo, que atraerá a mucha gente, sigue siendo lo más notable de la película. Se pretende un retrato al último minuto de los hábitos de ocio juveniles en alguna playa mediterránea y su mayor mérito estaría en que busca el equilibrio entre la crónica petarda y una forma de realismo. Por decirlo con una frase de rancio aroma televisivo que evoca el mismo target de audiencia, la juventud baila, se coloca y se lo monta, en las más diversas combinaciones posibles, y así hasta la hora del chocolate con churros. No se le puede acusar de moralina ni de voluntad de escándalo sino quizá de algo peor: la presunta objetividad de una crónica no es lo mismo que la ausencia de un punto de vista, por mucho que la película esté narrada de forma bastante competente para los tiempos que corren. Los personajes son de ahora mismo, sí, pero eso no los hace interesantes (no lo son) ni justifica el empeño de esta película de ingenioso y a la vez poco acertado título (recuerda los juegos de palabras con que titulan sus películas los hermanos Trueba).

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MENTIRAS Y GORDAS

Sermón de 'after'

"¿Qué parece?, ¿estoy ya alta?, creo que no, todavía no, relaja, sí, ¿o estoy dormi y no me doy cuen?, es lo bue de la hier, dejas de pen, si no quie pen, no pien, y, si quieres pensar, piensas, ¡wau!", escribía José María Carrascal en uno de los monólogos interiores en clave tóxica que puntuaban Groovy, la novela con la que ganó el Nadal en 1972. Contra todo pronóstico, su herencia ha sido recogida por el mismo tándem que, hace tan sólo diez años, celebró en Atómica (1998) la parte más frívola del asunto. Con la complicidad en la escritura del guión de Ángeles González-Sinde, David Menkes y Alfonso Albacete proponen aquí una mirada coral y enfebrecida a las transacciones químico-venéreas de una juventud en caída libre: creen haber hecho Trainspotting (1996) pero les ha salido algo más parecido a Groovy (o a Martín Vigil).

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MENTIRAS Y GORDAS     Calificación:   ★

El viaje a ninguna parte

En una crítica de «¡¡¡A tope!!!», penosa comedia juvenil a mayor gloria del pop-rock español de los ochenta, José Luis Guarner se preguntaba qué pensarían de ella las generaciones futuras, digamos las del año 2015, dado que retrataba a la movida madrileña como «una entidad gloriosamente inmóvil». No estamos en 2015, pero casi, y las cosas no han cambiado tanto: si trazamos una línea que parta desde ese «¡¡¡A tope!!!» hasta «Mentiras y gordas», con parada previa en «Historias del Kronen» y «A+», comprobaremos que los jóvenes españoles siguen drogándose, siguen acostándose con las amigas de sus amigos (y viceversa) y siguen saliendo de fiesta para ahogar sus penas. Además de parecer un largo anuncio del Plan Nacional sobre Drogas, el filme aprovecha la oportunidad de reunir a unas cuantas estrellas juveniles de la televisión patria (con la aparición estelar de Hugo Silva y Alejo Sauras) para hacer más eficaz su profundo mensaje (la droga es mala) entre su público objetivo y recaudar en taquilla reclamando el poder de convocatoria de la ficción catódica. Otro ejemplo de la tóxica dependencia que exhibe el cine español ante la anestésica influencia de la producción televisiva.

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MENTIRAS Y GORDAS     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Jóvenes empastillados

"Estas pastillas son buenísimas", dice en un momento dado uno de los jóvenes protagonistas de Mentiras y gordas, y su entusiasmo parece coincidir con el de un buen gourmet tras haber degustado una vieira tratada por Martín Berasategui. Es un pequeño detalle que revela el norte de esta ambiciosa radiografía de nuestra juventud de hoy, donde todo son excesos: los chicos y chicas a concurso se empastillan y esnifan que es un contento, fornican a diestro y siniestro, viven a tope cada noche en la disco. Los autores de Más que amor, frenesí y Sobreviviré, acompañados en el guión por Ángeles González-Sinde, quizás sí hablen de una realidad muy concreta, pero la pintura que nos ofrecen es un macrocatálogo de clichés: la jovencita con problemas de sobrepeso, el pavo enamorado de su mejor amigo, la muchacha que descubre las alegrías del lesbianismo... Otro detalle revelador: la breve escena del chico que pilla a su papá emborrachándose en la barra del bar; ¿hacía falta ese inserto para entender que es un alma desatendida?

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STREET FIGHTER: LA LEYENDA DE CHUN-LI     Calificación:   ★★

Game over

Basada en el famoso videojuego homónimo aparecido hace poco más de 20 años, el filme dirigido por el polaco Andrzej Bartk («Romeo debe morir», «Dom»... una trayectoria con demasiados nubarrones) adapta ahora para el cine la taquicárdica historia ambientada en Bangkok de Chun-Li (Kristin Kreuk, quien de niña es encarnada por una oriental aunque esta actriz canadiense no posee ni un solo rasgo asiático...), cuyo padre secuestran las fuerzas del mal y termina transformada en una habilidosa guerrera capaz de cualquier proeza aeróbica para rescatar a su progenitor. Numerosas escenas coreografiadas con mayor o menor desparpajo, cableados a pares, trifulcas rabiosas, tiros procedentes de armas diversas y un señor enmascarado con bastante mala uva aderezan un filme entretenido que, no obstante, en otras manos y con un guión menos cándido, habría resultado la pera para el público jugón ¿Pasará al segundo nivel?

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STREET FIGHTER: LA LEYENDA DE CHUN-LI     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

`Action movie´ sin coartadas

Inspirada en un clásico videojuego ya objeto hace años de una epopeya de Van Damme, la película es una action movie sin coartadas, tan tópica como dinámica y bien coreografiada, con fiera heroína y carismático villano. Un producto más presentable y divertido de lo que cabía esperar, dados los antecedentes casi delictivos (Herida abierta, Doom) de Batkowiak, notable operador de Lumet y realizador discretísimo.

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Esta semana tenemos una decena de estrenos teniendo en cuenta que a última hora se ha aplazado una semana una de las películas previstas. Lo mejor puede ser UN CUENTO DE NAVIDAD o ATANARJUAT (LA LEYENDA DEL HOMBRE VELOZ), en ambos casos con una distribución minoritaria. Del resto LA VIDA SECRETA DE LAS ABEJAS está bastante bien y las CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPLULSIVA también tiene su interés.

En cualquier caso si no encontráis nada suficientemente atractivo sigue en cartel GRAN TORINO que es toda una garantía. Mañana os contamos cómo ha valorado la crítica española estos estrenos.

Os deseo un buen día.

Javier Mas

ASI SE HIZO

“Un cuento de Navidad” (Un conte de Noël) por Arnaud Desplechin (Director del film)

Para los personajes de esta película me inspiré en una metáfora que encontré en un libro del escritor estadounidense Ralph Waldo Emerson, el cual, al hablar de la muerte de su hijo, explica que ha decidido no estar triste. Escribió: “El dolor no tiene nada que enseñarme” y evoca “al indio de la leyenda”, un personaje tan fuerte que no acusa ni el frío, ni la lluvia, ni el fuego. Al principio de la película, durante la secuencia del cementerio, los textos que pronuncia Abel son de Emerson, y, más adelante, uno de los regalos que recibe Junon en Nochebuena es un volumen con las obras de ese escritor.

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ASI SE HIZO

Confesiones de una compradora compulsiva (Confessions of a Shopaholic)

Rebecca Bloomwood es una dulce y encantadora joven de la ciudad de Nueva York que tiene un pequeño problema que pronto se convertirá en un gran problema: está irremediablemente enganchada a las compras, lo que le está llevando a meterse en un mar de deudas. El sueño de Rebecca es trabajar para una de las principales revistas de moda. Finalmente consigue un trabajo como columnista de asesoramiento financiero de una nueva revista publicada por la misma empresa. De la noche a la mañana, su columna se vuelve muy popular, lo que le convierte a ella también en una celebridad. Sin embargo, su problema de adicción va en aumento y tendrá que replantearse lo que es realmente importante en la vida.

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ASI SE HIZO

La vida secreta de las abejas (The secret life of bees)

La vida secreta de las abejas es una historia sobre la necesidad de sentirse amado, de tener una familia y encontrar la redención que explora nuestro incuestionable deseo de sentir que pertenecemos a algo y las a menudo desalentadoras vicisitudes por las que pasamos hasta llegar a satisfacerlo. Ambientada en California del Sur durante el turbulento periodo de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos, la casa de las hermanas Boatwright, unas inteligentes e independientes apicultoras (Queen Latifah, Alicia Keys y Sophie Okonedo), se ve de repente puesta patas arriba con la irrupción de la joven de catorce años de edad Lily Owens (Dakota Fanning) y su cuidadora Rosaleen (Jennifer Hudson). Rodeada de la inesperada comodidad, afabilidad y honda espiritualidad que Lily (Fanning) encuentra en el hogar de las hermanas Boatwright, la joven crea un lazo maternal con cada una de esas mujeres cuyas singulares y especiales dotes le ayudan a superar la muerte de su madre. Lily llega al final a darse cuenta de que a veces hay que dejar el hogar para poder realmente encontrarlo.

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ASI SE HIZO

Traidor (Traitor)

Un agente de élite del FBI atraviesa tres continentes tras la pista de un oficial de operaciones especiales del ejército de los Estados Unidos renegado que posee el secreto de una conspiración espantosa, en Traitor, un tenso thriller internacional enmarcado en el traicionero mundo de las operaciones de contraespionaje encubiertas. Cuando el agente del FBI Roy Clayton (Guy Pearce) encabeza la investigación sobre una peligrosa conspiración internacional, todas las pistas parecen apuntar hacia el antiguo oficial de operaciones especiales Samir Horn (Don Cheadle). Éste, una figura misteriosa con una red compleja de conexiones internacionales, posee el don de aparecer en escena en el preciso momento en que una operación importante acontece y de desaparecer antes de que las autoridades sospechen de él.

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ASI SE HIZO

Ben X

Ben en diferente. Su vida es en sí misma un universo en el que juega a su juego de ordenador favorito "Archlord", intentando entrenarse a sí mismo para el mundo real en el que vive. Para Ben la escuela técnica es una especie de infierno en el que sobrevivir a diario. Como el miedo a los matones crece cada día, Ben decide idear un plan. Pero de repente aparece en su vida Scarlite, una chica que conoció en un juego on-line. Y esto no formaba parte de su plan.

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ASI SE HIZO

Atanarjuat (La leyenda del hombre veloz)

En el vasto ártico canadiense, el pueblo inuit ha vivido durante generaciones con una leyenda que ahora vuelve a la vida. En un tiempo en el que el mundo de los espíritus y del hombre comparten una paz común, un chamán conjurará un hechizo de oscuridad para dividir a una tribu. Atanarjuat es el objeto de su ira: se apoderará de su mujer, matará a su hermano y lo condenará al exilio. Pero para un auténtico inuit no existen las distancias.

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ASI SE HIZO

“Soy inuit, del ártico del este” por Zacharias Kunuk (Director del film Atanarjuat)

He vivido desde los nueve años en Igloolik, un pequeño pueblo de unas 1200 personas. Esta comunidad se formó a finales de los años 50 cuando el gobierno creó unos programas de vivienda de los que Igloolik se benefició. Mi familia vivía de la tierra, igual que lo habían hecho nuestros ancestros, hasta que llegó el gobierno y construyó un centro médico, unas tiendas y un colegio al que tuvimos que empezar a ir todos los chavales. Mejor dicho, yo tenía nueve años cuando me obligaron a ir al colegio.

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ASI SE HIZO

“Retorno a Hansala” por Chus Gutiérrez (Directora del film)

RETORNO A HANSALA surge a partir de una noticia del periódico. En ella se narraba la aventura de un empleado del Tanatorio de los Barrios. Tras el hundimiento de una patera y la identificación de uno de los cadáveres a través de un número de teléfono, viajan a Marruecos con el cuerpo y las ropas de los cadáveres de la patera naufragada. El hermano del fallecido cree que muchos de los muertos son de la misma zona y que la gente podrá identificar a sus familiares a través de las ropas.

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ASI SE HIZO

“Mentiras y gordas” por Alfonso Albacete, David Menkes (Directores del film)

El proyecto de "Mentiras y Gordas" va unido desde el principio a una reflexión sobre la levedad e ingravidez en la que se desarrolla la vida durante la etapa de la juventud. No pretendíamos hacer propiamente una película generacional, queríamos hablar de individuos que aún están en plena transición, en medio de un viaje a ninguna parte concreta, con sus confusiones, sus problemas, sus sentimientos y su futuro incierto. Necesitábamos que cada uno de los personajes fuera reconocible en su lado más humano, que fueran antihéroes urbanos en busca de su otro yo. No queríamos en ningún momento olvidarnos del humor y que fueran los propios personajes los que a través de sus complejos e inseguridades nos dieran las claves para comprenderlos, aún perteneciendo a otra generación. Deseábamos también que todos utilizaran la mentira como parte importante de sus vidas, que se mintieran a sí mismos sobre lo que realmente sienten y evidentemente lo hicieran también los unos con los otros. Nos interesaba ir desvelando los secretos de Paz, Carola, Carlos, Sonia, Toni, Nico, Marina y Leo poco a poco hasta desnudarlos emocionalmente.

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ASI SE HIZO

Street Fighter: La leyenda (Street Fighter: The Legend of Chun-Li)

Algo está pasando en las calles de Bangkok… Una multitud de poderosos guerreros se están reuniendo en la ciudad. Algunos tienen extraordinarias habilidades, pero todos coinciden en un solo deseo: lograr que se imponga su bando. Algunos luchan por nosotros; otros sólo buscan hacerse con el poder. Ahora todos se preparan para la gran batalla final: el terror contra la belleza, la luz contra la oscuridad, el bien contra el mal.

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ASI SE HIZO

Maite Ruiz de Austri cuenta todo sobre su película Animal Channel

La cigüeña Cathy, el ratón Nicolás y su familia, se ven obligados a cerrar el cine donde trabajan para ganarse la vida. Ha llegado la era de la televisión y muchos de sus antiguos espectadores prefieren quedarse en casa fascinados por los nuevos programas televisivos. Con el valor y la imaginación que les caracterizan, nuestros amigos deciden convertirse en los intrépidos reporteros de un nuevo canal de televisión dirigido por Papá Ratón. Después de hacerse con una cámara y el equipo necesario, buscan un programa con una gran audiencia que les lance al estrellato. No les resultará fácil. Tras varios intentos fallidos deciden hacer algo muy original: irán en busca de una paloma migratoria que todos dan por desaparecida y retransmitirán la aventura de la búsqueda en directo. Cathy y Nico viajarán por los cinco continentes y conocerán a vecinos de todo el mundo. Pronto verán que no están solos en la fascinante búsqueda de la famosa Paloma

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Pocas son las novedades que hemos tenido esta semana. Al margen de las majaderías de Joaquin Phoenix o las anécdotas con Scarlett Johansson entre burbujas o Gere con tortugas no hay demasiado salvo si nos fijamos en la industria del cine español y la SGAE. Subvenciones que como sabéis superan las recaudaciones, reuniones ‘secretas’ que según nuestra noticias no fue exactamente como cuentan los compañeros de EL PAIS y la habitual voracidad de la SGAE que nunca encuentra fin en sus ansias de esquilmar a sus semejantes.

Mañana será viernes de estreno con no menos de una decena de títulos nuevos en las carteleras… Para salir corriendo…

Javier Mas

Rechaza una moción del PP para cancelar estos pagos

El PSOE apoya que la SGAE cobre a las fiestas

MADRID - Los socialistas respaldaron ayer a la SGAE en su pulso con las fiestas populares por el cobro de derechos de autor. El PP les había forzado a elegir bando con una moción en el Senado que instaba suprimir estos pagos. Y los socialistas no tuvieron dudas: rechazaron en bloque la iniciativa, derrotada por 129 votos en contra por 118 a favor.

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El ministro de Cultura convoca a una veintena de directores, productores y distribuidores para escuchar sus ruegos y preguntas sobre el sector

Reunión 'secreta' del cine español

MADRID – Ninguno de los asistentes conocía de antemano el objetivo de la reunión a la que habían sido convocados por César Antonio Molina en la sede del Ministerio de Cultura. Directores, productores y distribuidores, lo más granado de la industria, plantearon al ministro, entre otras cosas, la necesidad urgente de cambiar la imagen que tiene el público del cine español.

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Los nuevos filmes independientes muestran ahora el lado áspero de la sociedad

Los 'indies' se vuelven realistas

NUEVA YORK - El celuloide se tiñe de realidad. El género indie que solía pecar de exceso de egocentrismo y densidad introspectiva, ahora mira con crudeza hacia la realidad y deja de lado el onanismo del mi-me-conmigo. No todos los cineastas independientes pueden llamarse neo-neorrealistas, como los ha definido el crítico A. O. Scott en el diario The New York Times. Pero en los títulos que han llegado a las pantallas en los últimos dos años hay una pátina de aspereza de la que carecían las películas de bajo presupuesto y contenido alto en autoanálisis del arranque del siglo XXI. No son filmes taquilleros, pero sí difíciles de olvidar.

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Interpretarán una película sobre la prolongada relación entre el ex presidente de EE UU y Tony Blair

Dennis Quaid y Julianne Moore son los 'otros' Clinton

WASHINGTON – Si Bill Clinton fuera actor, sería Dennis Quaid. Y si su esposa, Hillary, fuera una actriz, sería Julianne Moore. Al menos eso es lo que han pensado los productores de la cadena HBO, que han elegido a ambos actores como la pareja principal de The special relation. Un filme que relata la relación entre los Clinton y la familia del ex primer ministro británico Tony Blair durante los casi cuatro años en que ambos coincidieron en sus respectivos cargos.

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Las relaciones entre los Clinton y los Blair, en un filme del guionista de ´The queen´

Unidos por el celuloide

LONDRES - Micrófonos ocultos en el dormitorio de los Clinton o en el florero del comedor de los Blair habrían tenido un valor incalculable para los encargados de escribir la historia, y seguramente revelarían secretos importantes; pero si los hubo, las cintas están en los archivos de la CIA y el MI5.

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La actriz presenta en Londres la campaña de Moët Chandon, a la que presta su imagen

Burbujas con Scarlett

LONDRES - Hace ya décadas que Freixenet contrató a Liza Minnelli para anunciar su campaña navideña, por lo que resulta desconcertante que Möet Chandon asegure que la estrella de Vicky Cristina Barcelona sea la primera estrella americana que lo hace. Vale que el anuncio sólo se vio en España por un corto espacio de tiempo. Pero a favor de la marca catalana -primero champán y luego cava- hemos de señalar que Liza Minnelli, Paul Newman, Gene Kelly, Shirley McLaine, Jacqueline Bisset, Kim Basinger y Sharon Stone han anunciado las delicias del cava catalán.

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Recibe más dinero en subvenciones que el que ingresa en taquilla, denuncia el PP

Cultura dice que el cine español «no podría vivir sin la Administración»

MADRID - El senador del Grupo Popular Juan Van-Halen criticó ayer la reducción de la taquilla del cine español en 2008, detallando que esta industria está subvencionada por el Estado. Si fueron 88 los millones de euros que se destinaron al Fondo de Protección de la Cinematografía el año pasado, la taquilla nacional sólo ingresó 81 millones. «Es un cine subvencionado. Cada vez hay más españoles que no cobran subsidio de desempleo y el cine recibe un dinero generoso de las arcas públicas», denunció el senador popular, durante una pregunta en el Pleno de la Cámara Alta, formulada al titular de Cultura, César Antonio Molina.

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Molina, por el contrario, se felicita de los premios y el elevado número de películas

El PP critica las subvenciones al cine español

MADRID - Tras conocerse la caída de espectadores de cine español en 2008, más de 1,4 millones, el senador del Grupo Popular Juan Van-Halen denunció ayer en la Cámara Alta que, como adelantó LA RAZÓN, «por primera vez, las ayudas han superado su recaudación», y lamentó que «la existencia de un cine subvencionado haga que pierda en imaginación». Y añade: «Puede que sea políticamente útil, pero, a mi juicio, no es el modo de sanear el cine español». El fondo de protección a la cinematografía está dotado con 85 millones de euros, mientras que la recaudación del cine español se quedó en 81 millones.

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El presupuesto del filme supera los 55 millones de euros

'Planet 51', la respuesta española al cine de Pixar

MADRID – Más de 300 personas trabajando en el proyecto; 55 millones de euros de presupuesto; estreno en EE UU el 20 de noviembre, el día de Acción de Gracias, distribuida por Sony, y una semana después en España, antes de exhibirse en el resto del mundo; como guionista, Joe Stillman, el responsable de Shrek y Shrek 2; dobladores famosos como Jessica Biel, Dwayne La Roca Johnson, Gary Oldman o John Cleese; 16 millones de juguetitos metidos en el menú infantil de una cadena de hamburguesas; 100 aplicaciones de software creadas por ellos mismos... Todo para una película de animación española, Planet 51, las aventuras de un astronauta estadounidense que aterriza en un planeta de bichos verdes que viven en una época parecida a los años cincuenta del siglo XX. El filme se está rematando en Alcobendas (porque no sólo de Penélope Cruz vive la ciudad madrileña).

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La cineasta Chus Gutiérrez reflexiona sobre el sentido de la frontera en 'Retorno a Hansala', su nueva película

«La ficción hace que las cosas sean reales»

MADRID - «Sólo cuando la ficción hace suya la realidad, la realidad existe». «¿Perdón?». El que pregunta no pide disculpas (aunque también), simplemente tarda en entender. Chus Gutiérrez (Granada, 1962) habla de Retorno a Hansala, su última película. Explica el momento en que sus actores se vieron por primera vez en pantalla. Ocurrió en Tánger, durante el festival de cine que se celebra en la ciudad marroquí a principios de noviembre. La cinta, que se estrena (por fin) el próximo viernes, cuenta la historia de un viaje. Se trata de un viaje de regreso: desde las playas de España a casa, un pueblo llamado Hansala. Muerto. Sí, el que vuelve, lo hace para ser enterrado con los suyos.

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Terele Pávez «Lorca me lo suplica: ¡Pávez, hazme de Bernarda Alba una vez, pesada!»

Terele Pávez enciende un cigarrillo como una existencialista madriles desde la grandeza que cruza a la Magnani con la Callas. Se atusa y acaricia la fiera melena. Afila sus inteligentes ojos que rebosan bondad y ternura. Y ríe, ríe con la boca brutal y grandiosa de las mujeres que arden en palabras. El martes 31 recibe un homenaje en el Muñoz Seca por gran(diosa), por actriz de raza, como la «Elicia» de La Celestina, por tornar cafés de madrugada (como la esculpió Umbral) desde tiempos de Fernando de Rojas... ¡la Pávez, eterna, grande, única, siempre!

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Las rebajas pactadas con técnicos de espectáculos sólo afectarán a verbenas y fiestas de localidades más pequeñas

La SGAE no bajará las tarifas que cobra en la Feria de Abril por poner sevillanas

SEVILLA - La Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) mantendrá sin descuentos ni rebajas las tarifas que tenía previsto cobrar a las casetas de la Feria de Abril de Sevilla por poner sevillanas, música-disco o celebrar espectáculos de música o baile que pertenezcan a su catálogo de autores. El acuerdo alcanzado el pasado martes entre dirigentes de la Sociedad General de Autores y Editores y de la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo (ARTE), que prevé rebajas en las tarifas para verbenas y fiestas patronales, no afectará, pues, a ninguna de las dos inminentes fiestas mayores de la capital hispalense: ni a la Semana Santa ni a la Feria de Abril.

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El gran estudio de Hollywood ofrecerá en la Red su catálogo de títulos clásicos. Se podrán comprar 6.700 filmes y series hasta ahora no disponibles

Warner abre el baúl de los recuerdos

BARCELONA – Lo acaba de anunciar la legendaria compañía fundada por los hermanos Warner en 1918: el archivo cinematográfico que el estudio ha ido acumulando a lo largo de su historia (incluyendo las películas de MGM anteriores a 1986, las de la antigua RKO y las de la propia Warner) se va a poner -previo pago- a disposición de los cinéfilos. El armario se abrió de par en par el pasado lunes en una decisión que se interpreta como una jugada maestra para generar ingresos adicionales.

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La actriz fue enterrada en el mismo cementerio donde reposa su abuela, al norte de Nueva York

Sentido adiós a Natasha Richardson

MENLO PARK (California) - La familia y los amigos de Natasha Richardson vivieron el domingo el capítulo doloroso de la despedida. La actriz, fallecida el miércoles pasado después del accidente de esquí sufrido dos días antes, fue enterrada en la pequeña localidad de Lithgow, en el valle del Hudson, en el estado de Nueva York. Mientras, en Canadá, donde Richardson tuvo la caída de fatales consecuencias, se intensifica el debate sobre los servicios de emergencia en las estaciones de esquí y sobre la obligatoriedad de llevar casco mientras se hace deporte en la nieve.

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Estrellas que dan la nota

MADRID. El pasado mes de febrero Joaquin Phoenix sorprendió dentro y fuera de su profesión al anunciar que dejaba su carrera como actor para lanzarse ni más ni menos que a cantar hip-hop y rap. Ahora, tras varios comportamientos más que extraños, los medios de comunicación estadounidenses dudan de que su actitud sea real.

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El actor prestará su imagen para una campaña de protección de las islas

Richard Gere, ahora defensor de Galápagos

Richard Gere está dispuesto a defender con el mismo énfasis que pone en la causa tibetana el ecosistema del Parque Nacional de Galápagos, en la isla de Santa Cruz (Ecuador). El actor, acompañado de su esposa, la actriz Carey Lowe, y su hijo Homer, ha visitado la zona con el asesoramiento de naturalistas para conocer los problemas que acechan al espacio protegido.

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El próximo domingo día 29 de marzo se cumplen 50 años del estreno mundial de CON FALDAS Y A LO LOCO (a España no llegaría hasta 1963). Días de Cine no podía pasar esta efeméride sin dedicarle un recuerdo a una de las mejores comedias de la historia del cine, a esta maravilla que bajo la batuta de Billy Wilder ha hecho reír a millones de personas.

Manuel Hidalgo dedicaba su columna de ‘imprescindibles’ a Joseph Leo Mankiewicz al cumplirse el centenario de su nacimiento el pasado mes. Nosotros también rendiremos un merecido homenaje a este gran director con la publicación de una extensa entrevista realizada en 1980 donde repasa toda su carrera, algunos artículos sobre su figura y un repaso a su filmografía. Hoy os hemos recuperado un artículo de Carlos Boyero publicado en 1998 en la revista CINEMANIA con motivo de la reposición de LA HUELLA.

Nuestro recorrido por la Serie Bond os ofrece esta semana la crítica de época publicada en DIRIGIDO de la película 007 ALTA TENSION, primera de las dos cintas protagonizadas por Timothy Dalton. Lo firma el crítico Carlos F. Heredero (hoy director de Cahiers du Cinema España), que en su día ejerció como crítico de MUNDO OBRERO, publicación oficial del Partido Comunista. Os aportamos el dato para una correcta ubicación ideológica.

También os recuperamos tres textos de los años ochenta sobre tres clásicos imperecederos del cine. LOS SOBORNADOS de Lang, una de las mejores muestras del ‘cine negro’ americano; UN LADRON EN LA ALCOBA, extraordinaria cinta del maestro Lubitsch; y finalmente LA INVASION DE LOS LADRONES DE CUERPOS, una de las más interesantes obras de la ciencia ficción de los cincuenta en medio del ‘terror comunista’. No estamos de acuerdo con todos los puntos de vista expresados, especialmente en la interpretación de la obra de Siegel, pero consideramos de interés la difusión de todos los puntos de vista a la hora de formar una opinión propia. Seréis vosotros a la vista de lo expuesto quienes interpreten cada obra.

Finalmente os presentamos también el reportaje de EL PAIS SEMANAL sobre Luana Alcañiz, titulado (muy erróneamente desde nuestra perspectiva) “La Penélope Cruz de los treinta”. En cualquier caso sirva este texto para descubrir una figura dormida en el olvido.

Este es el menú que os hemos preparado para este día de cine, esperemos que sea de vuestro agrado.

Rafa García

Some Like It Hot (1959)

"Con Faldas y a lo Loco"

Travestismo, parodia y transgresión; manipulación de identidades; confusión de sexos; mezcla de slapstick y screwball comedy; burla de los films de gángsteres; juego entre apariencia y realidad; maridaje de estilos entre Stroheim, Lubitsch y Hawks; utilización de los recursos musicales, incluyendo tres temas cantados por Marilyn Monroe. Hasta aquí un resumen de lo que podía ser una pequeña antología crítica de Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959), un avance temático de una bibliografía que aumenta con el paso de los años, de la necesidad de desmenuzar la película en tramas y subtramas que invitan más al aburrimiento que a la diversión. Pero por encima de todo hay en Con faldas y a lo loco, considerada por la crítica la mejor comedia de la historia del cine, una intencionada amoralidad junto a un notable escepticismo por el ser humano, un regusto por una planificación clara y transparente, por encadenar y ensamblar los distintos tempos cinematográficos de acuerdo con un estricto clasicismo, por adaptarse como un guante a la historia que se está contando.

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Antología

"Los Sobornados" de Fritz Lang

Tras el suicidio de su esposo, Bertha Duncan descubre una carta de éste y leyéndola prefiere, antes de avisar a la policía de la muerte de quien era uno de sus miembros, llamar a Mike Lagagna, el hombre que controla todos los negocios sucios de la ciudad. En su calidad de investigador de tan inquietante suicidio, el sargento Bannion encuentra pistas que le hacen dudar de la simplicidad con que se intenta «echar tierra al asunto» y, tras recibir amenazas, sufre un atentado cuya víctima mortal será su propia esposa. Frustrado y deseoso de venganza, apartado del servicio por sus insubordinaciones, Bannion en su búsqueda de algo que implique a Vincent Stone, ejecutor de los deseos de Lagagna, conoce a Debby Marsh, mantenida de éste. Celoso e irritado por las interposiciones de Debby, el gángster Stone arrojará café hirviendo sobre su rostro, dejándola marcada. Debby, recogida por Bannion, irá estableciendo una relación de ternura, simpatía y amor por el policía y, al saber que éste ha estado a punto de asesinar a la viuda Duncan en su deseo de precipitar la ruina del «gang» será ella quien cometa el crimen, se vengue de Stone quemando igualmente su rostro y, asesinada por éste, sea la causa de la detención de él y de la toda la organización tanto como de la recuperación de Bannion.

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Antología

“Un Ladrón en la Alcoba” de Ernst Lubitsch

En un hotel veneciano en el que, unos instantes antes, un rico cliente ha sido asaltado y robado, una aristocrática pareja celebra una cena íntima. En el transcurso de esa cena se revelarán como son: un par de ladrones que fingen su posición para robar a sus víctimas adineradas, revelación que les hará caer enamorados más aún, si cabe, por su común dedicación «profesional». Un año después, casados y en una poco satisfactoria situación económica, él devuelve a una viuda rica el bolso con diamantes que le ha robado para cobrar la recompensa, de mayor valor que lo que supondría su venta. Convertido en secretario de la dama y requerido amorosamente por ella, debe enfrentarse a los celos de su esposa. Descubierto por el administrador falsario de la familia y por uno de los pretendientes de la dama, opta por abandonarla y huir con la esposa con la que se reconcilia, para reanudar amor y actividades profesionales.

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Antología

“La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” de Don Siegel

Santa Mira, una apacible población de California. Un niño pretende que su madre ha sido reemplazada por alguien idéntico a ella. El Dr. Miles Bennell observa que algunos de sus pacientes denuncian drásticos cambios en el comportamiento de sus familiares y amigos. Los casos se multiplican pero la respuesta es la indiferencia y la incredulidad de las autoridades. Bennell, junto a su prometida Becky Driscoll, empieza a sospechar que algo ocurre. Sus sospechas se confirman al descubrir la invasión de los extraterrestres. Cada vez son más los afectados por la epidemia e incluso Bennell descubre su propio doble en un invernadero, y lo destruye rápidamente. El círculo se estrecha. Los extraterrestres se preparan para invadir las ciudades vecinas. Bennell, ya solo, comprueba aterrorizado que Becky es uno de ellos. Desesperado, huye del pueblo con la intención de alertar del peligro a las restantes poblaciones.

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La inteligencia se llamaba Mankiewicz

En el olimpo de los cineastas figura gente dotada de tanto genio como irregularidad, artesanos con profesionalidad y talento que firmaron películas muy estimables y alguna obra maestra, incuestionables e inimitables poetas cuyo pudor jamás se arrogó esa prestigiosa condición, directores con maravillosa intuición y vitalismo contagioso y algunos representantes sublimes de la inteligencia pura y dura, algo transparente en cada plano, diálogos y personajes de su universo. Hablo de tipos como Ernst Lubitsch, Preston Sturges, Billy Wilder, Howard Hawks y Joseph Mankiewicz. Sólo sobrevive Wilder, aunque desde hace 18 años las implacables compañías aseguradoras y los mezquinos productores le impidieron seguir rodando los infinitos proyectos que almacenaba ingenuamente la vieja y aclamada gloria, y obligaron al paro forzoso a uno de los artistas más grandes del siglo.

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Un producto de marketing

007 ALTA TENSION

Con un total de quince títulos en su haber, la serie James Bond se ha convertido en una de las saqas más longevas de la historia del cine. El secreto de su permanencia probablemente haya que buscarlo, con independencia de las características intrínsecas del mito, en su capacidad de aggiornamento, en la versatilidad que ha demostrado para sintonizar con el aire de los tiempos (que dirían los franceses). Evolución que ha estado estrechamente ligada al actor protagonista de cada período y que abre, con la presente entrega, un nuevo capítulo.

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Galería de Imprescindibles: Joseph Leo Mankiewicz

El valor de la palabra

Joseph Leo Mankiewicz comenzó a dirigir películas demasiado tarde, a los 37 años, y dejó de hacerlas demasiado pronto, a los 63.Pese a ello, entre 1946 y 1972, Mankiewicz llegó a rodar 20 filmes, de los cuales al menos 10 se encuentran entre los mejores de la historia del cine. Son, a mi juicio, éstos (disfrutemos con la lista): El fantasma y la señora Muir (1947), Carta a tres esposas (1949), Eva al desnudo (1950), Julio César (1953), La condesa descalza (1954), Ellos y ellas (1955), De repente el último verano (1959), Mujeres en Venecia (1967), El día de los tramposos (1970) y La huella (1972), su última película.

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Nueva York exhibe las imágenes de Steichen para 'Vogue'

Obsesión por los famosos

NUEVA YORK - Nueva York es uno de los paraísos de la fotografía. Lo era en los años veinte y lo sigue siendo casi un siglo más tarde. Todas las grandes estrellas desde entonces hasta hoy han prestado su imagen a los grandes fotógrafos y en muchos casos unida a la moda. Ese recorrido a través de los artistas que han dejado huella en el difícil arte de la fotografía de moda es objeto de análisis todo este año en el International Center of Photography (ICP). Y reúne, hasta principios de mayo, una impresionante colección de imágenes tomadas por Edward Steichen para la editorial Conde Nast.

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Luana Alcañiz

La Penélope Cruz de los años treinta

Eran los tiempos en que el sonido llegaba al cine. Época de elegantes galanes y bellas damas. Con sus enormes ojos verdes y su gracejo español, la actriz y bailarina Luana Alcañiz llegó y triunfó hace ya ochenta años en Hollywood. Un álbum personal desvela su vida artística. Corre 1927. Pasan en la sala la película El cantor de jazz, de los estudios Warner Bros., muda, en blanco y negro. De repente, allí, dentro de la pantalla, resuena una voz: "Esperen un minuto: ¡aún no han oído nada!". Los espectadores se quedan pegados a la silla. Asombrados. La orden la acaba de pronunciar el actor Al Jolson con la cara embadurnada de negro al estilo racista de la época. No hay más frase que ésa en el filme, pero ahí comienza una era: el sonido causa sensación en las salas (entonces nickelodeones) y revoluciona la actividad cinematográfica para siempre jamás. Provoca revuelos. Posiciones enfrentadas. A favor, como D. W. Griffith ("Si a la imagen añadimos la voz humana y la música, será un arte perfecto"), y en contra, como Chaplin, para el que las palabras en el cine sobraban.

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Creen que es «inviable» doblar todas sus películas, tal y como exige la Generalitat

Las principales distribuidoras amagan con dejar el mercado catalán

BARCELONA - Su divisa es «no queremos vencer, sino convencer». Pero, a partir de ese lema, la postura de las grandes distribuidoras de cine reunidas en la Federación de Distribuidores Cinematográficos (Fedicine) es rotunda. Creen que la apuesta de la Generalitat por imponer el doblaje o subtitulado de la mitad de las copias de las películas al catalán es «inviable» y añaden que si el Govern mantiene la norma apostarán fuerte para conseguir -como ya lograron en 1998- sortearla: no descartan volver a llevar la norma a los tribunales ni tampoco boicotear el mercado catalán.

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Distribuidores y exhibidores están contra el proyecto

Todos contra la ley del cine en catalán

BARCELONA/MADRID - El director de «The mosquito problem and other stories» es el búlgaro Andrey Paounov. Este documental de tan bizarro título era hasta ayer el único filme que se podía ver con subtítulos en catalán en una sala de cine de la Ciudad Condal. Vivió su día de gloria ayer, en un único pase a las 22.30. Hoy, la cartelera espera los estrenos de la semana y el documental sobre insectos gigantes y un pueblo que aguarda la construcción de una central nuclear es ya pasado. No obstante, desde la Filmoteca  adelantan que este mes se podrá ver en una de sus salas, con subtítulos. La futura Ley de Cine de Cataluña, que estará dispuesta en 2011, cambiará este panorama.

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Las reacciones a la propuesta de cambio de la legislación cinematográfica catalana

La Llei del Cinema parte con el apoyo del 90% del Parlament y críticas del sector

BARCELONA / MADRID - La propuesta de la Conselleria de Cultura de la Generalitat de elaborar una nueva Llei de Cinema que obliga a distribuir la mitad de las películas en catalán y la otra mitad en castellano (sólo para aquellas que tengan una distribución de más de 50 copias) causó ayer toda clase de reacciones.

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Charlize Theron protagoniza y produce 'Lejos de la tierra quemada', el debut de Guillermo Arriaga

«Existe racismo contra las guapas»

MADRID - Interior día. Un hombre acostado. Desnudo. De pie, Charlize Theron mira por la ventana. Desnuda. Llueve. Tras el cristal, un pasado blanco y frío como la panza de un pez.

Hay películas que empiezan bien. Lejos de la tierra quemada es una de ellas. Aunque llueva.

Interior día. Madrid. Charlize Theron aparece en la Casa de América. Traje negro, melena rubia.

Hay días que empiezan bien.

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Guapa, de dos metros y medio de altura, elegante, lista... Charlize Theron lo tiene todo, aunque ella sólo presume de haber tenido suerte

«Si miras sólo el físico, no eres actriz»

MADRID. Charlize Theron pasó como una estrella fugaz por Madrid en plena gira de promoción de «Lejos de la tierra quemada», primera película del mexicano Guillermo Arriaga como director tras su ruptura con Alejandro González Iñárritu. De todos es sabido que la surafricana, protagonista y productora de la cinta, sólo pudo ganar el Oscar cuando consiguió un maquillador que la afeara hasta donde era posible. Ella quita hierro al premio: «Ganarlo es un honor tremendo. Si consideramos que sólo ha habido 81 ediciones, es un número muy pequeño el de las actrices que lo tienen, pero fue mi papel en «Monster» lo que me cambió la vida»

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Charlize Theron protagoniza «Lejos de la tierra quemada», el debut como director del guionista Guillermo Arriaga

«Por una película haría hasta bocadillos»

MADRID - Theron protagoniza el debut como director del consagrado guionista Guillermo Arriaga, aquel que escribía textos terriblemente poéticos para González Iñárritu hasta que ambos mexicanos tuvieron una sonada disputa y cada uno tiró por su lado. Theron encarna a Sylvia, que arrastra un pasado en llamas. La actriz también es productora ejecutiva del filme: «Haré cuanto pueda para sacar adelante una película, hasta bocadillos...», dice la bella Theron. Que un día ganó un Oscar por «Monster» en la piel de una asesina fea. Aunque ella no vislumbra ninguna paradoja: «Lo ves como si no entendieses en qué consiste la labor del intérprete... Somos un cuadro en blanco, y el realizador pinta en nosotros lo que quiere. A veces me gusta maquillarme, vestir bien, pero cuando ruedo dejo a Charlize en casa».

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Con ´Gran Torino´, el cineasta revisa su pasado y filma una Norteamérica en quiebra

Clint Eastwood: Ajuste de cuentas con Harry el Sucio

BARCELONA - Norman Mailer entrevistó en 1984 a Clint Eastwood, quien, ironías del destino, había sido rechazado en 1958 para actuar de secundario en Los desnudos y los muertos, adaptación de la célebre novela del escritor. Mailer le comentó: "Me han dicho que te defines como un don nadie y un vagabundo. ¿Es eso cierto?" Eastwood respondió: "Jamás he dicho eso". Mailer insistió: "Entonces, ¿cómo te definirías?" El actor le taladró con la mirada y contestó: "Como un don nadie y un vagabundo".

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Eastwood estrena «Gran Torino», su último trabajo como actor, asegura el cineasta

Harry el sucio, la hora de la jubilación

LOS ÁNGELES - Aclamada por la crítica, «Gran Torino» se ha transformado en el filme de Eastwood más visto en EE UU, aunque fue ignorado en los Oscar. La película, que según el director y protagonista ofrece su última interpretación en el cine, narra la historia de un hombre que combate a una pandilla de asiáticos al estilo de un «Harry el sucio» ya octogenario. Por dicho papel podría haber sido nominado, pero le dieron la espalda a esta figura de Hollywood que ha ganado cuatro estatuillas, aunque ninguna como actor.

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GRAN TORINO

La resurrección de los hmong

BARCELONA - A principios de los años noventa Nick Schenk trabajaba en una pequeña empresa en Bloomington, Indiana, embalando cintas de vídeo. Algunos de sus compañeros de trabajo pertenecían a la etnia hmong. Los hmong vivían al norte de Laos en relativa paz y tranquilidad, hasta que en la década de los cincuenta varios operativos de la CIA decidieron que el país sería una buena base para evitar la difusión del comunismo en Asia. Con la promesa de un buen sueldo, formación militar y un futuro brillante, más de 9.000 hmong (que llegarían a ser 18.000) pasaron a formar parte de un proyecto secreto que pocos años después acabaría con su participación en la guerra de Vietnam donde ejecutaron centenares de misiones de alto riesgo.

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La novela gráfica de Moore y Gibbons que cambió el concepto del justiciero y el villano, la más aplaudida e influyente, ha tardado más de veinte años

«Watchmen»: los superhéroes crecen

MADRID - Como ocurre con tantas obras maestras, glosar en cifras y datos asépticos el éxito de «Watchmen», la serie publicada por DC Comics entre 1986 y 1987 –fueron doce números mensuales, después recogidos en un tomo– de Alan Moore (guión) y Dave Gibbons (dibujo), tan sólo ofrecería un retrato parcial de la realidad. Pero algo ayuda. Ahí van dos: fue la primera novela gráfica que ganó el premio Hugo de ciencia-ficción y la única que fue incluida por la revista «Time» en su lista de las cien mejores novelas del siglo XX. Su relevancia catapultó a    Moore al Olimpo del cómic y redefinió el concepto del superhéroe. El huraño escritor inglés (Northampton, 1953) le restaba importancia en el libro-entrevista de George Khoury «The extraordinary works of Alan Moore». «Lo que hace  a “Watchmen” una obra radical no es realmente la trama. No es el tratamiento oscuro de los superhéroes, quiero decir, eso se ha hecho antes», explicaba Moore, haciendo referencia a la obra previa de Stan Lee y Jack Kirby, ya desde 1961, con «Los 4 Fantásticos». «Lo más radical sobre “Watchmen” –añadía– fue su forma de contarlo, las ideas escondidas, las cosas que tan sólo salían realmente a la luz  con la narración».

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La directora alemana Döris Dorrie regresa a Japón con «Cerezos en flor»

Lecciones de filosofía oriental

MADRID  - Doris Dörrie no oculta ni su pasión por los filmes de Yasujiro Ozu –estos «Cerezos en flor» están basados en sus «Cuentos de Tokio»–, ni su apasionamiento por la civilización japonesa (allí también rodó «Sabiduría garantizada» y «El pescador y su mujer»): «No soy de las que creen que todos los países se hayan uniformizado por la globalización. En el centro de Madrid, Tokio y Berlín hay los mismos Zaras, pero debemos tener la suficiente energía como para salir del circuito turístico y descubrir las diferencias». Así, aunque la flor del cerezo sea carne de postal nipona, la realizadora germana los toma prestados como metáfora de la fugacidad. Hasta allí viaja Rudi (Elmar Wepper) para dar el gusto póstumo que siempre negó en vida a su esposa (Hannelore Elsner), que había hecho del butoh –esa mezcla entre la cultura hippie japonesa y la danza expresionista alemana–  su principal vía de escape a su tediosa rutina en un pueblo alemán.

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Antonio Banderas, Actor

"El cine de entretenimiento tiene sus riesgos"

LOS ÁNGELES – El encantador de serpientes ha vuelto. Antonio Banderas llega a los cines con otra película en la que saca partido a su talento embaucador. "The code es lo que es: un buen entretenimiento, que gustará al público porque pasará un buen rato". A Banderas le suena la voz cantarina. Los planes cinematográficos no le van mal. Desde que cambió de representantes, asegura, le han llegado guiones a los que antes parecía no tener acceso, como el de Woody Allen que va a rodar en verano en Londres, un libreto del que sólo ha leído su parte.

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CONFESIONES DE UNA ADICTA A LAS COMPRAS

El cine para chicas también entra en recesión

Confesiones de una compradora compulsiva ha escandalizado a parte de la crítica por su supuesta glorificación del consumismo en plena crisis económica. Pero ¿Desde cuándo le exigimos lecciones morales al género chick flick?

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El actor reaparece hoy en el teatro con un monólogo escrito por él

Vuelve Kirk Douglas a los 92 años

LOS ÁNGELES – Tiene 92 años, lleva cinco alejado de Hollywood y todavía sufre secuelas de la embolia que en 1996 le afectó seriamente al habla. Pero hoy Kirk Douglas se subirá una vez más a los escenarios en Los Ángeles con Before I forget (Antes de que olvide), un monólogo de 90 minutos que él mismo escribió sobre su vida.

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El Tribunal de Luxemburgo avala la ley española que obliga a los operadores a invertir el 5% de sus ingresos en cine europeo

La peor película de las televisiones

MADRID - El cine seguirá contando con el balón de oxígeno de las televisiones. El Tribunal de Luxemburgo avaló ayer la ley que obliga a las cadenas españolas a invertir el 5% de sus ingresos anuales en películas europeas. De ese porcentaje, el 60% debe destinarse a obras cuya lengua original sea cualquiera de las oficiales del Estado. Gracias a esta ley, en vigor desde 1999, las televisiones han invertido más de 1.100 millones de euros y son ya una potente fuente de financiación de la industria cinematográfica.

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La subida supone un 186% de incremento sobre el IPC interanual

La SGAE duplica sus tarifas a los ayuntamientos a pesar de la crisis

VALENCIA - Ni las palmarias carencias de liquidez que sufren los municipios españoles, ni las peticiones expresas de «condonación» del canon que cada ayuntamiento paga a la SGAE por la reproducción e interpretación de piezas musicales en el marco de festejos populares, han evitado que la entidad incrementara sus tarifas un 186 por ciento con respecto al IPC interanual de diciembre de 2008.

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El Govern anuncia que multará a los distribuidores que no cumplan. CiU ya estableció una cuota en 1998, pero la Justicia la bloqueó

La Generalitat exige que el 50% del cine extranjero se doble al catalán

BARCELONA - De nuevo la intención de imponer el catalán en las pantallas de cine. Y, también, de nuevo, la amenaza de las multas. El conseller de Cultura, Joan Manuel Tresserras, filtró ayer algunos detalles del proyecto de Ley del Cine. Y las alarmas volvieron a dispararse al mentarse las cuotas y las sanciones.

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Las copias en catalán de «Vicky, Cristina, Barcelona» apenas tuvieron convocatoria. Los distribuidores y el PP rechazan esta medida intervencionista

Cine en catalán por decreto

BARCELONA - En plena crisis de la industria, el conseller de Cultura, Joan Manuel Tresserras, filtró ayer a la Prensa uno de los puntos más polémicos de lo que será la nueva ley del cine en Cataluña. El anteproyecto, que estará concluido en junio y espera estar aprobado el próximo año, establece la obligación de distribuir el mismo número de copias dobladas al catalán que al castellano.

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Una ley exigirá a las distribuidoras la mitad de las copias en este idioma

La Generalitat reabre la eterna batalla del doblaje en catalán

BARCELONA / MADRID – Ayer no había una sola película de estreno doblada al catalán en los cines de Barcelona. Sólo podía verse en esta lengua un documental original en catalán de Carles Balagué y una película subtitulada de 1972 de Mankiewicz en la Filmoteca de Cataluña, que pasa los otros dos filmes de su programa en versión original subtitulada en castellano. Pero en 2011, si acaba aprobándose la polémica Ley del Cine de Cataluña, este panorama habrá cambiado, y mucho.

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La Generalitat busca la paridad catalán-castellano con la Llei del Cinema

La mitad del cine, en catalán

BARCELONA - Tras un año de contactos con agentes del sector cinematográfico, la Conselleria de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat ha redactado las bases de una primera ley del Cinema de Catalunya, cuyo anteproyecto espera ultimar antes de verano. En dichas bases se indica que la mitad de las películas que se exhiban en los cines de Catalunya deberán estar dobladas o subtituladas en catalán. En declaraciones a La Vanguardia, el conseller Joan Manuel Tresserras manifestó ayer la intención de fomentar el subtitulado. Para darle preferencia, se contempla la "posibilidad de establecer un pequeño impuesto sobre el doblaje, que deberían pagar las distribuidoras".

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«Seguiré escupiendo veneno sobre ella», dice Alan Moore, autor de la saga, sobre la adaptación cinematográfica

'Watchmen' reinventa el mejor cómic de la historia

LONDRES - El argumento de la novela gráfica Watchmen se desarrolla al compás del tictac de un funesto reloj que avanza lentamente hacia el Apocalipsis. Para los fans de la saga del cómic, que se publicó en 12 entregas a finales de los años 80, esta tensión se ve ahora emulada por la cuenta atrás para el estreno, mañana, de una versión cinematográfica que lleva dos décadas planeándose.

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Desaparece una de las más importantes distribuidoras norteamericanas independientes, a la que el cine español debe mucho

El crack de New Yorker Films

MADRID - Algunos productores españoles han recibido estos días un e-mail tan escueto como bronco: la distribuidora norteamericana que más películas hizo triunfar el cine independiente europeo en EE.UU. cierra sus puertas. O textualmente: «Tengo malas noticias. Después de 43 años hemos perdido a New Yorker. La compañía dueña de New Yorker Films tomó un préstamo de millones de Technicolor. Este préstamo estaba garantizado con los derechos de las películas de New Yorker, pero hubo un fallo en los pagos, y la empresa está a punto de de ser subastada. «Flamenco» no está envuelta en la subasta, pues no teníamos un contrato».

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Rubina y Azharuddin rodarán otra película, pero su mísera vida no ha cambiado

La cruda vuelta a la realidad de los niños de 'Slumdog millionaire'

NUEVA DELHI - Pasar del Sunset Boulevard de Los Ángeles a un suburbio de Bombay no es fácil, y menos aún si uno es un niño. Así lo han comprobado los protagonistas de Slumdog millionaire, mundialmente conocidos y considerados casi héroes en India tras los ocho oscars logrados por el filme, a su regreso de Hollywood. Rubina Ali, de nueve años, que interpreta a Latika de niña y Azharuddin Ismail, de 10 años, que actúa como Salim, volverán a la gran pantalla en una producción de Bollywood. Ambos han sido contratados para trabajar en Kal kissne dekha (¿Quién ha visto el mañana?) del productor Vasu Bhagnani, según informó ayer la agencia de noticias india, PTI. Ya se han comenzado a grabar unas escenas en las que los niños aparecen en un aeropuerto indio rodeados de cientos de personas, tal como fueron recibidos tras la ceremonia de los Oscar.

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La asociación de artistas e intérpretes, presidida por la actriz, controla un capital millonario de los derechos de los actores españoles

Aisge: las inversiones millonarias de Pilar Bardem

MADRID - Lejos quedan ya los duros inicios de la Asociación de Artistas, Intérpretes Sociedad de Gestión de España. Aisge comenzó su andadura en1990, momentos antes de la recesión económica que azotó a España hasta 1996. Eran tiempos difíciles para la escena teatral española. Tras años de navegar contra corriente, en los últimos ejercicios el viento ha soplado a favor de esta entidad, que gestiona en España los derechos de propiedad intelectual de los actores, dobladores, bailarines y directores de escena. Ayer, precisamente, Pilar Bardem, reclamó en Bruselas, en uno de los viajes que realiza como presidenta de Aisge,  «igualdad» para los actores respecto de los músicos, ya que la Unión Europea tramita la ampliación de los derechos de las grabaciones musicales de 50 a 95 años.

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La Fundación Aisge ayuda a 300 artistas, pero muchos no acceden a sus programas, que suponen sólo el 31% del gasto

Actores en apuros

En «El viaje a ninguna parte», el gran Fernán-Gómez ya dibujó el final que esperaba a muchos cómicos, una inmensa «minoría» anónima que llega a la vejez entre penurias y escaseces. Iniciativas como La Casa del Actor o la Fundación Aisge surgieron para cubrir un hueco que la sociedad dejaba. Y así es en parte, aunque con matices. La primera es un proyecto que enfangado en unas inacabables obras; la segunda, aunque una realidad tangible, lo es sólo para unos pocos afortunados.

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No es normal toparse con un premio Nobel en la presentación de un filme. «A ciegas», de Fernando Meirelles, viene avalada por el autor del libro

José Saramago: «No hay una sola razón histórica para ser optimista»

MADRID. El propio José Saramago resumía ayer lo insólito de su participación en la promoción de la película, basada en su novela más conocida, «Ensayo sobre la ceguera»: «Es curiosa la situación del autor en un acto como este. El autor ha escrito un libro. Al productor le gusta, busca un director y después hacen lo que quieren con la novela. El autor tiene que quedar agradecido». Para el Nobel, la eterna discusión sobre las adaptaciones literarias es estéril: «Son otro lenguaje. La prudencia nos dice que entrar en ese debate conflictivo de si es mejor la novela o la película no va a ninguna parte».

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José Saramago avala con matices la versión cinematográfica de 'Ensayo sobre la ceguera'

«La peor ceguera es la mental»

MADRID - José Saramago estuvo en ese lugar del que no se vuelve. Pero volvió. Por eso, más enjuto y susurrante -por momentos difícilmente inteligible-, se puede permitir cosas que les están vedadas a quienes no le han visto la cara a la muerte. Por ejemplo, comparecer en la presentación de la adaptación cinematográfica de un libro suyo y, saltándose los protocolos, reprocharle en público al director ciertas licencias. Así sucedió ayer en la Casa de América de Madrid, durante la presentación de la hermana cinematográfica de Ensayo sobre la ceguera, rodada por Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El jardinero fiel), que en España se llamará A ciegas y que se estrena el 13 de marzo.

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José Saramago y Fernando Meirelles conversan sobre la adaptación de obras narrativas a la gran pantalla

La literatura entra 'a ciegas' en el cine

MADRID - "Hola otra vez, José", le dice Fernando Meirelles (São Paulo, 1955) a José Saramago (Azinhaga, Portugal, 1922) tocándole la mano con afecto al tiempo que se sienta a su lado en una sala de la Casa de América de Madrid. Desde que se conocieron hace dos años en el restaurante Farta Brutos de Lisboa, el premio Nobel de Literatura de 1998 y el director de El jardinero fiel no han dejado de verse.

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El régimen lamenta que filmes como '300' o 'El luchador' se mofen de la revolución

Hollywood intenta seducir a Irán, Irán exige excusas a Hollywood

TEHERÁN - Los fulares con los que Annette Bening y Alfre Woodard se cubren la cabeza no son parte del vestuario de una nueva película. Las dos actrices estadounidenses se disponen a intervenir en el seminario Actuar en el cine organizado por la Asociación del Cine de Irán. La inusual visita, esta semana, de una delegación de la Academia de Hollywood a Teherán ha puesto de relieve que las dificultades políticas entre EE UU y la República Islámica no se extienden al celuloide.

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El premiado Martín Rosete debutará con una película ambientada en Nueva York y producida por Mikel Urmeneta

Del corto al largo a través de EE UU

MADRID - La vida suele llevarnos a encrucijadas que hay que solventar y a encuentros que hay que aprovechar. En 2007, la vida profesional de Martín Rosete llegó a un cruce de caminos. A un lado, la admisión en un máster de dos años en la New York Film Academy, becado por La Caixa. Al otro, su trabajo como cortometrajista (sucesivamente galardonado) y como realizador de publicidad al frente de Kamel Films, la productora que había creado con su hermano José. ¿La bolsa o la vida? "No parábamos de rodar anuncios y estábamos ganando más dinero del que nunca habíamos pensado. Así que cuando llegó la beca, dudé si aceptarla", admite Martín desde Nueva York, en conversación telefónica. Finalmente le pudo la posibilidad de crecer, y cruzó el charco con la idea de quedarse "sólo un año, coger experiencia y volver".

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Reclamación al actor por un trato comercial de hace 30 años

Sean Connery, ante los tribunales de Suiza

GINEBRA - Corren malos tiempos para Sean Connery. El veterano intérprete del agente 007, de 78 años, está citado para comparecer la semana próxima ante un tribunal de primera instancia de Ginebra para explicar unos negocios de diamantes, importantes sumas de dinero y villas de ensueño en la Riviera francesa. Todo muy acorde a la leyenda del mismísimo James Bond.

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Intérpretes de Hollywood cruzan mensajes cortos con sus seguidores

Las estrellas eligen Twitter

Hollywood se ha apuntado al Twitter. Son ya varios los actores que han admitido usar la herramienta de Internet gratuita que fomenta la comunicación a través de mensajes cortos para comunicarse con sus fans. Twitter permite a los usuarios conectarse entre sí a través de mensajes de 140 caracteres y convertirse en seguidores de las actividades diarias de los demás. Uno de los adictos al intercambio de mensajes instantáneo con sus seguidores es el actor Greg Grunberg, que encarna a un policía con el poder de leer la mente en Héroes.

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La cantante presentó anoche en el Teatro Rialto su nuevo disco, «Enfants d'hiver», en el decimoctavo aniversario de la muerte de Serge Gainsbourg

Jane Birkin, 40 años de amor

MADRID. Hace poco más de un año, varias personas abandonaban el Círculo de Bellas Artes secándose las lágrimas de emoción. Jane Birkin acababa de comerse las tablas a mordiscos muy pequeñitos, con su voz semiapagada y un austero —en modos, no en número— acompañamiento musical. «Estuvo sorprendente», «estupenda», eran los comentarios que se hacían notar anoche en las puertas del Teatro Rialto, poco antes de que la enorme expectación se diluyese en un mar de placenteras notas musicales.

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El jueves se estrena el filme basado en la obra de Alan Moore y Dave Gibbons que cambió la historia del cómic

Watchmen, el lado más oscuro de los superhéroes

Llevar a la pantalla una obra de culto como Watchmen tiene sus peligros y es garantía de polémica. La historia de Alan Moore, dibujada por Dave Gibbons, logró que por primera vez el cómic, o la novela ilustrada, saliera del ámbito adolescente para ser considerada una obra de arte adulta. Entre los numerosos elogios que consiguieron los capítulos publicados por DC, rival de Marvel, destaca el de la revista Time, que la seleccionó como una de las mejores cien novelas del siglo XX.

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La cineasta francesa estrena su comedia costumbrista 'Háblame de la lluvia'

Agnès Jaoui se ensaña con el feminismo

MADRID - Agnès Jaoui habla mediante aforismos. Como a todo visitante de una lengua extraña, le cuesta matizar. Más que expresarse en castellano, golpea con él. Eso sí, con mucho ritmo. La directora, junto a su compañero Jean-Pierre Bacri, que disecciona perfectamente a la burguesía francesa en Para todos los gustos y Como una imagen, presenta ahora Háblame de la lluvia, que acaba de llegar a nuestras pantallas. Y de nuevo, con las armas de la comedia costumbrista tan suya, esta francesa y judía de ascendencia tunecina regresa a la escena del crimen: «No sé inventar personajes. Hablo de la burguesía porque es lo que me rodea y conozco», dice.

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El cine español se ríe de sí mismo (por una vez)

Cualquier camino es bueno para salir de la crisis. Javier Ruiz Caldera ha empezado a rodar «Spanish movie», una cinta de parodias al estilo «Aterriza como puedas» y «Scary movie», en la que se ríe de los principales éxitos de la cinematografía ibérica

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En nombre del presidente Ahmadineyad, una delegación reprocha a miembros de la industria americana «30 años de ataques»

Irán exige ahora a Hollywood disculpas por «El luchador»

«El pueblo iraní y nuestra revolución han sido atacados». Javad Shamqadri, asesor cultural del Presidente Mahmoud Ahmadineyad, no tiene dudas a la hora de referirse a «The Wrestler» (El luchador), una película que vuelve a enfrentar a la industria cinematográfica americana con la República islámica. Primero fue «No sin mi hija» (Brian Gilbert, 1990), después «300» (Zack Snyder, 2006) y ahora llega la cinta que protagoniza Mickey Rourke para echar leña al fuego de las relaciones entre dos potencias entre las que después de treinta años de silencio diplomático, empezaba a atisbarse una posibilidad de acercamiento.

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Tilda Swinton interpreta el infierno etílico de una mujer en 'Julia', una película de Erick Zonka que acaba de estrenarse

«La energía y la inteligencia de los alcohólicos me atraen»

MADRID - Fue ella la que entregó el Oscar a Penélope Cruz. Días antes ofrecía, en calidad de presidenta del jurado de la Berlinale, el Oso de Oro a Claudia Llosa, la directora peruana de la película española La teta asustada ¿Casualidad? ¿Misterio? ¿Las dos cosas? Tilda Swinton provoca estas preguntas.

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La primera entrega de la trilogía 'Millennium', de Stieg Larsson, llega a los cines

Lisbeth Salander se corona como nueva reina de Suecia

No importa que la princesa Victoria informe por Youtube del enlace matrimonial con su novio, el propietario de un gimnasio: la nueva reina de Suecia es Lisbeth Salander. O Noomi Rapace, la actriz que brillantemente interpreta a la hacker anoréxica, independiente, queer y turbulenta heroína de la serie Millennium, de Stieg Larsson.

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La crítica nórdica alaba, con matices, el filme de Niels Arden Oplev

´Los hombres que no amaban a las mujeres´ triunfa también en el cine

ESTOCOLMO - La adaptación cinematográfica de Los hombres que no amaban a las mujeres se estrenó el viernes pasado en 300 salas de Suecia y Dinamarca con gran acogida de la crítica especializada. Las expectativas del salto a la gran pantalla de la popular novela de Stieg Larsson (más de diez millones de ejemplares vendidos en todo el mundo) se han visto plenamente colmadas, ya que los críticos de cine la califican como una película que "engancha, emociona y sorprende a quienes aún no han leído los libros de la trilogía Millenium".

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Los efectos especiales de El curioso caso de Benjamin Button

Nadie maquilló a Brad Pitt

Si quiere usted saber qué aspecto tendrá Brad Pitt dentro de 35 años, El curioso caso de Benjamin Button, la última cinta de David Fincher (Alien 3, Seven, El club de la lucha...), tiene la solución al enigma. Por obra y arte de la era digital, Pitt, que acaba de cumplir los 45, ya saben, uno de los tipos más deseados del planeta y esas cosas, se convierte en la pantalla en un señor con el cuerpo y el rostro de un anciano de 80. Todo ello sin aplicarse un solo gramo de maquillaje, sin máscaras, sin prótesis ni nada parecido. «Cuando arrancamos el proyecto –rememora Eric Barba, responsable de los efectos visuales de la película–, David me dijo: ‘Brad debe interpretar el personaje de principio a fin, aunque parezca imposible.’» Resultado: una película sin trepidantes escenas de acción –«la actuación más sosegada de Brad», subraya Fincher–, pero con unos efectos revolucionarios.

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Angelina Jolie y Brad Pitt gestionan una fundación que se nutre del dinero que generan sus exclusivas familiares

Brangelina, un negocio rentable

LOS ÁNGELES - Son estrellas, actores, padres, amantes, benefactores y controvertidos. Como dice el realizador David Fincher, es imposible dar dos pasos sin ver el reflejo de la fama de Angelina Jolie y Brad Pitt. Una larga lista de méritos a la que añadir otro título: empresarios. Su compañía son ellos mismos, Brangelina Inc, una abreviatura que fue acuñada por los paparazzi cuando Pitt y Jolie se convirtieron en pareja en 2005. Una marca sin registrar, pero con un poder indiscutible.

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Guillermo Arriaga

Cuando el amor viene de los lugares más oscuros

Guillermo Arriaga se estrena como realizador con Lejos de la tierra quemada. Charlize Teron protagoniza la película, en la que se entrecruzan cuatro historias de amores prohibidos, paisajes y fronteras. "Nunca he sido tan feliz", asegura el director

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De Pacino a Banderas, varias estrellas de Hollywood persiguen el bigote del genio

Todos quieren ser Dalí

BARCELONA - ¿Qué tendrá Dalí para que, de repente, estalle una fiebre en Hollywood para llevar al cine la surrealista vida del pintor de Port Lligat? A mediados de abril se estrenará el biopic Sin límites, en el que Robert Pattinson (famoso por su papel de vampiro en Crepúsculo) interpreta al artista, pero otros nombres del cine -mucho más ilustres- quieren ponerse sus bigotes: Antonio Banderas, Al Pacino, Johnny Depp e incluso Peter O'Toole. Tema hay, desde luego, y anécdotas suculentas como para llenar horas y horas de metraje.

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La adaptación de 'Los hombres que no amaban a las mujeres' divide a la crítica escandinava

Pasión en Dinamarca, frialdad en Suecia

COPENHAGUE - «Noomi Rapace fuma demasiados cigarrillos rancios, Michael Nyqvist mira al vacío demasiado a menudo». Estrenada ayer para el público en Suecia y Dinamarca, Los hombres que no amaban a las mujeres, versión cinematográfica del megaéxito literario de Stieg Larsson, no ha convencido en absoluto a Miranda Sigander, crítico de cine del diario sueco Espressen.

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Los estrenos de esta semana vienen definidos por dos estilos completamente diferentes. De un lado encontramos una de las mejores películas de los últimos años impregnada de `eso´ que se conoce como clasicismo, mientras que la segunda línea va hacia el comic, hacía la ciencia ficción, hacia el diseño y la espectacularidad visual.

Nosotros les ofrecemos las críticas de los cinco estrenos, los reportajes sobre el rodaje de las películas y una serie de videos que incluyen trailers, reportajes, secuencias y en el caso de GRAN TORINO entrevistas con Eastwood, los miembros del reparto, imágenes del rodaje y el video clip de la canción del film. Un completo panorama

Básicamente esto es todo, solo me queda recomendaros GRAN TORINO como la película que ninguno de vosotros debe perderse si realmente le gusta el cine. Del resto de la oferta aquí os dejo suficiente información para que toméis vuestra decisión.

Javier Mas

GRAN TORINO

El ogro era romántico

En sus hondas y lacerantes radiografías de gente herida y perdida en la tierra de las oportunidades, en su permanente indagación del lado oscuro y de los sueños rotos, ese señor llamado Clint Eastwood, alguien que puede contar las historias más complejas y los sentimientos más intensos con la sencillez, la capacidad de sugerencia, la inquietud, el lirismo bronco y la fuerza expresiva de los clásicos, calcula con extrema lucidez la conveniencia o inconveniencia de plantar su legendaria figura delante de la cámara.

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GRAN TORINO     Calificación:   ★★★★

Eastwood, Wayne y Liberty Valance

Probablemente no sea éste el último filme de Eastwood, pero trae o tiene aroma a magnolias, que es el primer olor dulzón de la muerte. Así comienza, con un entierro, el de la esposa del protagonista, un casi anciano Clint Eastwood cuyo personaje huele a una amalgama severa de sus varios sí mismos: es un hombre solo, borde, ex combatiente en Corea, que vive en un barrio poblado por orientales, hispanos y negros, a los que desprecia, pero no más que a los miembros de su propia familia; es aquel William Muny de «Sin perdón» mordido de enfisema, cansancio y prejuicios, y con una visión milimétrica y tozuda de dónde está el bien, el mal, la justicia y dónde el punto de mira de su rifle, siempre a mano. La película nos revela, pues, un Eastwood en estado puro, aunque al mismo tiempo nos revela algo mucho más importante, indicador: su transformación.

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GRAN TORINO     Calificación:   ★★★★

Yo sigo siendo la justicia

¿Es «Gran Torino» la primera película religiosa de Clint Eastwood? Harry Callahan ha descubierto por fin quién ha aspirado a ser durante su largo vía crucis salpicado de tabaco de mascar y gruñidos elocuentes. El Hombre sin Nombre, el Jinete Pálido y William Munny querían tal vez ser Jesucristo. Un Jesucristo, eso sí, más cerca del imaginado por Nikos Kazantzakis que del de las Sagradas Escrituras. Un buen hombre que perdió la fe en la guerra de Corea, y que, educado en el bricolaje (se autodefine con un lacónico «arreglo cosas») y en la rabia xenófoba, descubre que la vida significa sacrificarse ayudando al prójimo. Clint Eastwood firma así el certificado de defunción del personaje que ha esculpido en piedra pómez y palabras lacónicas en medio siglo de impecable trayectoria: detrás del ángel vengador, detrás del republicano arrepentido que prefiere confesarse con un chino adolescente que con un sacerdote, está el autor consciente de cerrar un capítulo de su obra a la vez que remata el autorretrato de un héroe que se debate entre el fatalismo y la esperanza, entre la imposibilidad de olvidar sus pecados y la posibilidad de legar su código de honor. Película tenebrista, menos escorada hacia el lirismo de «Sin perdón» o la intensidad dramática de «Million Dollar Baby», más seca y más modesta que «El intercambio», «Gran Torino» recupera a un Eastwood en plenas facultades, dispuesto, si se tercia, a escupir sobre su propia tumba.

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GRAN TORINO     Calificación:   ★★★ (Sobre cuatro)

´Summa´ eastwoodiana

Según parece, Clint Eastwood ha decidido aparcar la interpretación y se despide de ella con Gran Torino, en la que compone un papel que es una mixtura de todas sus creaciones. Veamos. Walt Kowalski, su personaje, es un tipo arisco, viudo reciente y amargado (Sin perdón), veterano de Corea, cuyos horrores le marcaron de por vida, y todavía con pinta de militar rudo (El sargento de hierro).Tiene tratos, aquí involuntarios, con el sacerdote local (Million dollar baby).

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GRAN TORINO

Clint Eastwood. Del testamento lúcido...

El estreno de una película de Clint Eastwood siempre es un acontecimiento cinematográfico. Gran Torino es el título del filme que llega hoy a las salas, pocas semanas después de El intercambio. El cineasta regresa a la interpretación en un papel que, según él, es su último trabajo como actor: el de un veterano de guerra racista y chapado a la antigua cuyo reverso conoceremos cuando entra en contacto con unos vecinos de origen asiático. Para celebrar la llegada del filme -que ha arrasado en la taquilla y la crítica de EEUU- El Cultural ha enfrentado dos visiones que arrancan todos los matices del prolífico genio estadounidense.

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GRAN TORINO

... A las cinco respuestas

Clint Eastwood es una anomalía. A sus casi 80 años presenta su largometraje número 30, Gran Torino, y promete el 31. Todo ello en un año en el que acaba de completar dos películas. Es decir, toda una provocación para la agencia de viajes del Inserso. Pero, digamos que nació anómalo.

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WATCHMEN

El abismo bajo la máscara

Historieta con el provocativo honor de figurar en la lista, elaborada por la revista Time en 2005, de las mejores novelas escritas en lengua inglesa entre 1923 y el presente, Watchmen sometió el arquetipo del superhéroe a un inclemente proceso de deconstrucción que no olvidaba ninguna de las variables de su latente lado oscuro: fantasía fetichista, emanación paranoica, pesadilla mesiánica o deseo fascista, el superhéroe, en manos de Alan Moore y Dave Gibbons, era, en definitiva, algo escasamente heroico.

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WATCHMEN     Calificación:   ★★

¿Quién vigila a Snyder?

En la vida te pueden suceder muchas cosas malas, y una de las peores es tener que darles la razón a los puristas. Ya sin causa o motivo alguno son arrogantes, despectivos y algunos hasta insultantemente pedantes, pero ahora si les dan armas para sus razonamientos pueden ser insoportables. Viene a cuento de la paliza, pesados ellos, que nos dieron con el «300» de Snyder. Argumentaban que había entrado en un desfiladero, nunca mejor dicho, peligroso: el de rodar sobre fondo azul y narrar todo lo demás en un mundo virtual.

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WATCHMEN     Calificación:   ★★

La historia interminable

Alan Moore y Dave Gibbons crearon «Watchmen» como un fresco neobarroco, una novela gráfica a la que había que volver cuatro, cinco veces, para entender hasta qué punto su deconstrucción del estereotipo superheróico aspiraba a traducir en imágenes el fatalismo de una visión del mundo conjugada en términos apocalípticos. Zack Snyder ha adaptado este cómic infilmable siendo tan fiel al dibujo y a la letra que las cuatro o cinco lecturas recomendadas por Moore saturan el plano de literalidad, como si el director de la magnífica «Amanecer de los muertos» hubiera tenido miedo de los «fans» (que son legión) o del propio autor (que siente aversión por Hollywood, de ahí que no aparezca en los créditos). Quizá por esa agarrotada acumulación de datos, modelos y referencias, la película pierde fuelle a medida que busca una confluencia entre las desperdigadas y crepusculares historias personales de esta pandilla de superhéroes que matan y se sienten culpables cuando, ya jubilados, intentan pillar a un asesino de enmascarados y salvar al mundo de una inminente guerra nuclear.

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WATCHMEN     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Enloquecidos, tenebrosos superhéroes

Sobre esta adaptación cinematográfica de la venerada novela gráfica en doce capítulos, publicada entre 1986 y 1987, escrita por Alan Moore e ilustrada por Dave Gibbons, parecía pesar una terrible maldición. El errático Terry Gilliam ya quiso filmarla en su día; también Paul Greengrass y Darren Aronofsky. Hasta que apareció en escena Zack Snyder, aupado a la categoría de realizador emergente gracias al éxito en taquilla de su efectista y algo hueca 300,adaptación de la novela gráfica de Frank Millar. Snyder pudo hacer prevalecer su criterio en cuanto al tono de Watchmen: una película no dirigida precisamente al público adolescente.

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WATCHMEN

Hollywood rebusca en el cómic subversivo

Cuando Alan Moore y Dave Gibbons pergeñaron su Watchmen a finales de los años 80, posiblemente su intención, más o menos consciente, era acabar de una vez por todas con los cómics de justicieros y superhéroes enmascarados. Obviamente, no lo consiguieron. Pero al menos sí les asestaron un duro golpe: Batman se volvió oscuro, el Capitán América y Superman murieron y, en general, el simple y claro universo de los héroes en pijama ajustado y con superpoderes imposibles, sufrió una conmoción general. Pero lo que hizo de Watchmen un hito en la historia del género, no es tanto su cuidado y enrevesado argumento de justicieros injustos, atormentados y crepusculares, inadaptados ante una realidad a cara descubierta que son incapaces de entender como el hecho de que éste se desarrollara utilizando el propio medio del comic-book de superhéroes. Es la forma, más que el contenido, lo que hace del cómic seminal de Moore y Gibbons una obra maestra de la modernidad -más que de la postmodernidad-, convirtiéndola, en pocas palabras, en el Ulises o el Cuarteto de Alejandría de los tebeos de superhéroes.

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THE CODE

Razonamiento deductivo

A veces al crítico le resulta imposible meterse en una burbuja impenetrable con la que preservarse de información que acabe devaluando su imposible estado de impavidez, previo a la visión de una película. "No es sesuda, no ganaré el Oscar, pero con ella pasas el rato", declaraba Antonio Banderas a este periódico hace unas semanas, sobre el estreno de The code. El pasado viernes, acompañando a la noticia de su participación en el nuevo filme de Woody Allen, se anunciaba que había cambiado de representante: "Ahora me llegan guiones mejores y más independientes, material al que antes no tenía acceso". Conclusión tras el razonamiento deductivo: The code es una bazofia y películas como ésta son las que han provocado que el actor quiera dar un giro a su carrera.

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THE CODE     Calificación:   ★★

Ladronzuelos del montón

El problema no es hacer una película de ladrones, blancos, negros o marrones, ni siquiera ver qué tan complejo puede ser el robo (para eso ya están Clooney, Pitt, Damon y sus amigos, que hacen películas, no por su guión sino por el grado de farra que pueden alcanzar cuando las ruedan juntos). Lo difícil es montar una trama lo suficientemente ardua y bien hilada para que se nos olvide que estamos casi siempre ante el mismo perro con distinto collar.

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THE CODE     Calificación:   ★★

Banderas reincide

No falla: es asomar la cabeza Antonio Banderas en «The code» y oírse un guitarrazo flamenco en la mayestática banda sonora de su nueva película, donde el intérprete se encarga otra vez de ese tipo de personajes que sabe exprimir como a limones, o sea, el seductor y caradura buscavidas de turno en un filme entretenido aunque la impresión de «dèja vu» resulte poderosa marcado por la acción sin cuento (quizá sobresalga la escena de arranque, con el actor sobre el techo de un metro que no llega nunca a la parada siguiente), los embustes interesados de los protagonistas que marcan las pautas del juego y la consabida historia de amor, que une aquí a Banderas y Radha Mitchell en el papel de una misteriosa rusa.

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THE CODE     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

`Star system´ de rebajas

En otras épocas, ya remotas, cualquier serie B de atracos perfectos despertaba entusiasmo en el espectador, fruto de la convicción con que trabajaban sus actores, guionistas y directores, por muy mediocres que fueran. The code, un tópico thriller de robos imposibles (con cita explícita a los clásicos de Jules Dassin) y personajes que no son lo que parecen, no empieza mal (la escena del metro al menos predispone al personal), pero al cuarto de hora ese entusiasmo de antaño se ha esfumado por completo. Lo que queda es la sensación irrefutable de que Antonio Banderas y Morgan Freeman siguen en dique seco (el malagueño parece estar todavía en Mi novio es un ladrón, el norteamericano lleva ya varios títulos con el piloto automático puesto, el mismo registro), que Mitchell se perpetuará en los productos de segunda (si, con todo, fueran tan estimulantes como El territorio de la bestia...) y que pocas puestas en escena tan desmayadas hemos visto recientemente como la de Leder. En conjunto, un poderoso perfume de producto direct to DVD.

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MÁS ALLÁ DE LOS SUEÑOS     Calificación:   ★★

La cosquilla de Adam

Aunque nunca nos imaginábamos diciendo esto, Adam Sandler es un titán en la digresión cómica espacio-temporal. Vamos, que si agarra el acelerador de partículas ese suizo se hace un reloj de cuco de lo más ídem. Ejemplos los tenemos a porrillo en su filmografía: «Click», «Embriagado de amor», «8 noches locas», «50 primeras citas».... Ahora, riza el rizo de su don ubicuo y conspicuo con esta muestra de cine-jumanji con un argumento similar a muchas aventuras de Doraemon y Nobita en forma de bucle que mezcla realidad profetizada con fantasía narrada a base de cuentos infantiles.

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MÁS ALLÁ DE LOS SUEÑOS     Calificación:   ★★

Un cuento para todos los públicos

Descubiertos por el mítico espacio «Saturday Night Live», un ramillete de humoristas comenzó hace unos años a colonizar Hollywood para hacer suyo un género ávido entonces de sangre fresca y ácida. Las taquillas se rindieron al ingenio dispar de Bill Murray, Steve Martin, Chevy Chase, Ben Stiller, Jim Carrey, Mike Myers, Eddie Murphy (ambos hoy en horas inciertas) y, también, Adam Sandler, cuya carrera, sin embargo, incluye títulos de inferior calidad que las de otros grandes caricatos americanos. Sandler protagoniza ahora una película rigurosamente familiar de argumento liviano: la vida de Skeeter, que trabaja en un hotel, cambia cuando debe cuidar de dos sobrinos y decide, cada noche, contarles un disparatado cuento inventado por él mismo, que se hace realidad al día siguiente, idea que permite al director intercalar en la narración principal historias breves ambientadas en épocas distintas. Inofensiva y pueril, Sandler baja mucho el tono de su anterior trabajo, la picantona «Zohan: lincencia para peinar», en un filme de Disney que siempre deja clara su huella. Resultado: en EE UU las inocentes trapisondadas de Sandler han barrido. Aquel sábado noche queda lejos; lógico: junto a Sandler, todos hemos envejecido ya.

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CEREZOS EN FLOR

La rutina egoísta

No son pocos los directores occidentales que, en algún momento de sus carreras, se han sentido atraídos por la belleza, entre serena y caótica, de las grandes urbes japonesas. De Sofia Coppola a Isabel Coixet, pasando por Sydney Pollack o la alemana Doris Dörrie, que ya había rodado allí Sabiduría garantizada (1999) y El pescador y su mujer (2005), y adonde ha vuelto para contar la historia familiar de Cerezos en flor, un proyecto de ribetes autobiográficos rodado en vídeo de alta definición, quizá irregular y un punto tedioso, pero desde luego muy interesante en todo lo concerniente al tratamiento de la ingratitud de los hijos respecto de sus padres al borde o en plena edad de la jubilación.

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CEREZOS EN FLOR     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

De aquí a la eternidad

Artífice de un gran éxito de taquilla, Hombres (1985), que marcaría su carrera, también activa directora escénica de óperas (con excéntricas versiones de la mozartiana La finta giardiniera o un Rigoletto transitado por personajes disfrazados de gorilas y chimpancés...), Doris Dörrie (Hannover, 1955) aborda en Cerezos en flor un tema que le resulta próximo: la muerte del ser querido y lo que ello supone en el itinerario, pulverizado por el dolor, de un presente marcado por la tragedia. En este sentido, la cineasta alemana perdió en 1996 a su marido. "Lo peor - ha confesado-fue el día en que le diagnosticaron que padecía cáncer".

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CEREZOS EN FLOR     Calificación:   ★★

La sombra de la vida

Doris Dörrie sabe mucho de hombres. De «Hombres, hombres» y también de sus relaciones con las mujeres, tema que no abandonó en títulos como «Yo y él» y «Desnudos», más reciente. La directora aprovecha estos poéticos «Cerezos en flor» para hablar de la vida, de la muerte y de las cosas que nos da tiempo a hacer entre ambas etapas. Para ello utiliza la evolución del perfecto marido imperfecto: egoísta, insensible a lo que le ocurre a su mujer, maniático en sus costumbres... Un viaje a Japón y la puñetera parca serán los catalizadores del cambio que sufre nuestro protagonista, en una historia que le debe mucho a los «Cuentos de Tokio» de Ozu. La cinta es hermosa y tiene el mérito descomunal de desnudar el alma hasta bordear el ridículo, sin caer al abismo. Más de uno encontrará una pega, de la que adelantamos una pista: Dörrie confiesa que cuando vio de joven las películas de Ozu le parecieron demasiado lentas.

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CEREZOS EN FLOR     Calificación:   ★★

A la sombra de Ozu

Si Yasujiro Ozu levantara la cabeza, volvería a enterrarla, avergonzado tras comprobar que Doris Dörrie, la otrora «enfant terrible» del cine alemán («Hombres, hombres»), no ha entendido ni una sola palabra de «Viaje a Tokio», obra maestra a la que «Cerezos en flor» homenajea sin vergüenza. La melancólica precisión de los planos conjuntivos del cine de Ozu, espacios vacíos que reflejan la serena plenitud de la pérdida, se ha convertido, en manos de Dörrie, en una sobredosis de temas subrayados hasta la extenuación -el abismo generacional entre padres e hijos, el manual de supervivencia para superar una pérdida, el contacto con el otro para conocerse a uno mismo-sólo soportable por la ajustada interpretación de Elmar Wepper en el papel de un jubilado viudo que intenta sobreponerse a la súbita muerte de su esposa visitando a su hijo, residente en Tokyo. Su fascinación por una bailarina de butoh coincide con su despertar a la vida en un giro narrativo que está a punto de hacer naufragar a la película en las aguas de lo ridículo.

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ASI SE HIZO

Gran Torino

Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la Guerra de Corea inflexible y con una voluntad de hierro que vive en un mundo en perpetua evolución, que se ve obligado por sus vecinos inmigrantes a enfrentarse a sus antiguos prejuicios. Walt Kowalski, un trabajador del automóvil jubilado, ocupa su tiempo con reparaciones domésticas, cerveza y visitas mensuales al peluquero. Aunque el último deseo de su difunta esposa fue que se confesara, para Walt, un resentido veterano de la Guerra de Corea que mantiene su rifle M-1 limpio y listo, no hay nada que confesar. Y del único que se fía lo suficiente como para confesarse es de su perra, Daisy.

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ASI SE HIZO

Watchmen

Watchmen está ambientada en 1.985, en unos Estados Unidos alternativos en los que los superhéroes disfrazados son parte del tejido de la sociedad cotidiana, y el "Reloj del Fin del Mundo" (que mide la tensión entre USA y la Unión Soviética) marca permanentemente las doce menos cinco de la noche. Cuando uno de sus antiguos colegas es asesinado, el muy pulcro pero no menos decidido vigilante enmascarado llamado Rorschach descubre un complot para matar y desacreditar a todos los superhéroes presentes y pasados. A medida que va contactando de nuevo con sus antiguos compañeros de la legión anti-delitos (un abigarrado grupo de superhéroes retirados, de los cuales sólo uno tiene auténticos superpoderes), Rorschach va descubriendo una preocupante conspiración de largo alcance que vincula su pasado común con unas catastróficas consecuencias para el futuro. Su misión es velar por la humanidad, pero... ¿quién vigila a los vigilantes?

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ASI SE HIZO

The code (Thick as thieves)

Keith Ripley (Morgan Freeman) es un ladrón soberbio. Es frío, calculador y trabaja según el Código de ladrones, un código que se fundamenta en realizar el encargo, cubrir al compañero, y nunca jamás colaborar con la policía. Jack Monahan (Antonio Banderas) es joven y apasionado, y además se conoce las calles de Nueva York como la palma de la mano. Tras robarle un sobre lleno de diamantes a un marchante en el metro, se topa con Keith Ripley. De hecho, Ripley está trabajando para el mismo tipo y gracias a su pequeño hurto, Jack acaba de tirar por tierra sus planes. Pero Jack es un tipo con clase, y Ripley siempre ha sabido apreciar el trabajo bien hecho.

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ASI SE HIZO

Más allá de los sueños (Bedtime stories)

Más allá de los sueños es una comedia protagonizada por Adam Sandler, un chico para todo que trabaja en un hotel y cuya vida va a cambiar para siempre cuando las historias que les cuenta a sus sobrinos ates de dormir... se convierten misteriosamente en realidad al día siguiente. Cuando se da cuenta decide contar historias fabulosas en las que todo sale bien con el fin de ayudar económicamente a su familia, pero las aportaciones a las historias de sus sobrinos acaban chafando completamente el resultado fenomenal.

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ASI SE HIZO

"Cerezos en flor" (Kirschblüten - Hanami) por Doris Dörrie ("¿Por qué? ¿Por qué?")

¿Por qué sigo volviendo a Japón? Este es la tercera película después de "Sabiduría garantizad" y "El pescador y su mujer", que he rodado, al menos en parte, en Japón. . Fui por primera vez a Japón hace más de 20 años. El Festival de Cine de Tokio me había invitado a presentar mi primer largometraje "Directo al corazón". Así que tropecé con este país igual que se tropieza con un sueño. Mi primera noche en Tokio, después de un viaje de casi 24 horas, me puse a vagar por las calles en un estado de confusión: el aire era húmedo, tropical, los farolillos chinos encima de los taxis deslumbraban y un aluvión de gente, vestida de negro pasaba a mi lado avanzando como un gigantesco banco de peces. No me atrevía a unirme a ellos y seguirles a pesar de que me gustaba la idea por estrafalaria que fuera. Tuve que pasarme tiempo en las salas de cine, pero lo que quería de verdad era explorar ese país extranjero. Así que le pedí a alguien que me escribiera un cartel con los caracteres en japonés de la palabra «Tokyo», Armada de mi cartel, me fui a la estación de tren llamada Shibuya y cogí un tren a Kamakura.

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NUEVOS VIDEOS EN MASVISTOS.COM

Gran Torino: Videoclip

Clint Eastwood habla sobre su película Gran Torino

Bee Vang habla sobre la película Gran Torino

Ahney Her habla sobre la película Gran Torino

Christopher Carley habla sobre la película Gran Torino

Brian Haley habla sobre la película Gran Torino

Gran Torino: Secuencia en Español

Gran Torino: Imágenes del rodaje

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Watchmen: Los escenarios

Watchmen: El vestuario

Watchmen: Secuencia en Español

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Antonio Banderas habla sobre la película The code (Thick as thieves)

Morgan Freeman habla sobre la película The code (Thick as thieves)

Radha Mitchell habla sobre la película The code (Thick as thieves)

Mimi Leder habla sobre su película The code (Thick as thieves)

The code (Thick as thieves): Secuencia en Español

The code (Thick as thieves): Tráiler en Español en Alta Calidad

Más allá de los sueños (Bedtime stories): Secuencia en Español

Más allá de los sueños (Bedtime stories): Reportaje

Más allá de los sueños (Bedtime stories): Tráiler en Español

Cerezos en flor (Kirschblüten - Hanami): Secuencia en Español

Cerezos en flor (Kirschblüten - Hanami): Trailer en Español

 

Hoy os proponemos en nuestro recorrido por lo días de cine dos partes muy diferenciadas. En primer lugar hemos recuperado cinco textos sobre cinco obras maestras del cine publicados hace aproximadamente diez años en la revista DIRIGIDO. El segundo bloque continúa nuestro monográfico dedicado a James Bond que, por supuesto continuará.

Os ofrecemos cinco visiones de cinco clásicos incuestionables del cariz de CENTAUROS DEL DESIERTO de Ford (ya hemos publicado uno anteriormente y seguiremos con otros próximamente); EL TERCER HOMBRE, imperecedera película de Carol Reed cuya influencia ha sido capital en el desarrollo de la puesta en escena cinematográfica; RETORNO AL PASADO, el aporte de Tourner al cine negro, con la fatalidad e inescapable tragedia como centro temático; DE AQUÍ A LA ETENIDAD, precursora de los cambios que se producirían en la industria del cine hollywoodense; TU Y YO, remake realizado por el propio McCarey, pieza clave del cine romántico.

Resulta una evidencia recordar que las opiniones vertidas sobre estas películas son personales y no necesariamente compartidas en su totalidad, aunque siempre interesantes por el punto de vista y perspectivas presentadas.

Ya sobre James Bond os traemos un reportaje sobre el rodaje de MOONRAKER en Venecia publicado en 1978 por La Vanguardia que incluye entrevistas con Roger Moore y Albert R. Broccoli. También os reproducimos la crítica de Manolo Marinero sobre SOLO PARA SUS OJOS publicada en 1981 a raíz del estreno del film. Son textos de época que vistos hoy permiten comprender mucho mejor el ‘Fenómeno Bond’.

Terminamos con el recuerdo del 50 Aniversario de la DOLCE VITTA de Fellini y una nueva reseña del libro de Donald Spoto sobre Hitchcock.

En cuanto a próximos temas estamos trabajando en el Cine de Guerra que empezaremos a publicar en septiembre coincidiendo con el 70 aniversario del inicio de la II Guerra Mundial. El especial sobre Matrix llegará en Mayo coincidiendo con el décimo aniversario de su estreno en España…

Aquí os dejo el menú, esperemos que disfruten estos días de cine.

Rafa García.

Centauros del Desierto (The Searchers)

Son ya famosas unas declaraciones del cineasta español Alejandro Amenábar en las que afirmaba que Centauros del desierto es una película mal contada. Desde su punto de vista, no le faltaba razón. Quiero decir, desde el punto de vista de un señor que hace películas tan clásicas como Tesis o Abre los ojos. Porque, en efecto, Centauros del desierto, película alabada hasta la extenuación, analizada e interpretada hasta el delirio, fetiche del cine clásico de Hollywood y de sus admiradores, quintaesencia del westem fordiano y todo un clásico del género, no tiene -paradójicamente- nada de clásica. Entendiendo por clasicismo, claro está, ese modelo narrativo sólido y fuertemente estructurado, esos personajes claramente definidos, esa puesta en escena transparente y fluida que caracterizan cierto tipo de películas. Cuando Ford realiza Centauros del desierto, para empezar, el neorrealismo está ya en su apogeo. Y eso no es ninguna casualidad. Al igual que Rossellini o De Sica revolucionaron el relato cinematográfico mediante la introducción de tiempos muertos y vacíos narrativos, a través de un nuevo concepto de la estructura fílmica, la crisis que afectó al modelo de representación hollywoodiense en los años cincuenta se materializó en dislocaciones diversas, innumerables rupturas que acabaron influyendo decisivamente en todo tipo de cineastas, incluidos algunos de los más veteranos, como John Ford.

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El Tercer Hombre (The Third Man)

La polémica en torno a la paternidad cinematográfica de El tercer hombre quedó definitivamente despejada con las declaraciones del propio Welles a su entonces joven admirador Peter Bogdanovich, en una serie de entrevistas realizadas por este y posteriormente recogidas en un voluminoso libro (Bogdanovich, Peter y Welles, Orson. Ciudadano Welles, Ed. Grijalbo, 1994, Barcelona). Respecto a su función en la escritura del guión, Welles precisaba al futuro director de Luna de papel que él escribió su papel: «Carol Reed es el tipo de director dispuesto a usar cualquier idea que se le ofrezca. Yo tuve unas ideas para el diálogo y a Carol le gustaron. Con la excepción de una pequeña contribución mía más bien pequeña, la historia se debe a Craham Creene, alguien con quien es imposible competir. Y la idea básica, pese a que nunca se le acreditó como suya, fue de Alex Korda», Sin embargo, en cuanto al trabajo de dirección Welles resultaba tajante al ser preguntado por Bogdanovich respecto a los escenarios y las tomas definitivas (Sólo unas pocas ideas mías, como los dedos que aparecen a través de la parrilla»), o sobre su primera aparición en pantalla («Era absolutamente de Carol. Tenía una segunda unidad dispuesta especialmente para ello, y al final de cada día veíamos lo que habíamos filmado y lo repetíamos una y otra vez hasta que creía que estaba bien»), e incluso sobre el magnífico plano final («Fue una gran toma inventada por Carol... no por Creene o cualquier otro. Maravillosa idea. Yo estaba allí cuando se rodó. Me gustaría poder decir que contribuí a la idea, pero no hice otra cosa que estar allí, mirando cómo la rodaban»).

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Retorno al Pasado (Out of the Past)

Retorno al pasado prueba de forma rotunda el carácter trágico del cine de Jacques Tourneur, cuya turbulenta mirada sobre la naturaleza humana le hacía suponer que la raíz de la vida está en el dolor y no en la felicidad. Más profundo que el lirismo de las situaciones, más evidente que el romanticismo destilado por los gestos y actitudes de los personajes, se impone ese hálito de fatalidad, que atenaza con fuerza cada uno de los planos, de las secuencias, del film. Ello no constituye una novedad relevante en el cine de Tourneur: basta observar películas tan dispares a primera vista como I Walked with a Zombie (1943), Martin el gaucho (Way of gaucho, 1952) o The Fearmakers (1958) para darse cuenta de lo dicho. Sin embargo, será en Retorno al pasado donde semejante cualidad adquiera una mayor intensidad dramática, una mayor contundencia visual. Intensidad íntimamente ligada a uno de los más grandes logros como artista de Jacques Tourneur: la sutileza. Recordemos la secuencia en que Jeff (Robert Mitchum) y Ann (Virginia Huston) se hallan pescando a orillas de un gran lago: los sentimientos de paz, de libertad, que transmiten al espectador los planos generales que sorprenden a los personajes rodeados por una naturaleza majestuosa, bajo un cielo claro y una vegetación exuberante... Sin embargo, esta sensación se ve truncada cuando el muchacho mudo (Dickie Moore), situado como una estatua al lado de un retorcido árbol seco, comunica a Jeff mediante signos la amenazadora llegada de un extraño...

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De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity)

No siempre coinciden las grandes películas con las películas importantes. Sin duda que De aquí a la eternidad (From Here to Eternity), dirigida por Fred Zinnemann en 1953, es un buen ejemplo de esa contradicción, puesto que al cabo de los años tal vez no nos parezca esa gran obra merecedora de los ocho Oscar ganados (1) Y sin embargo es una película importante en la historia del cine norteamericano. Esa importancia radica sobre todo en su valor sintomático dentro del devenir de Hollywood en los críticos años cincuenta, determinados por el imparable auge de la TV y los cambios socio-económicos en los EEUU.

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Tú y Yo (An Affair to Remember, 1957)

Dos interrogantes se imponen, se me imponen siempre a la hora de enfrentarme a una película como Tú y yo (An Affair to Remember, 1957), a no confundir con Tú y yo (Love Affair, 1939), aunque ambas se titulen igual en español y estén dirigidas por Leo McCarey. La primera perplejidad tiene que ver precisamente con todo esto, con el hecho de que el remake de una película realizada por el mismo autor me parezca -y no sólo a mí- incluso mejor que el original, cuando en apariencia los cambios son mínimos, la concepción del proyecto y las secuencias clave son casi idénticas, y el sentido se desvela a través de un mecanismo de clonación tan bien engrasado que se ha llegado a hablar de simple operación nostálgica, de inútil remedo puesto al día del original. El segundo espejismo es menos enrevesado, se refiere al modo en que un producto tan estandarizado como el melodrama norteamericano de los años cincuenta puede dar lugar a una película de una intensidad tal, sobre todo teniendo en cuenta que McCarey no juega la carta del arrebato a lo Minnelli, ni la del cinismo a lo Sirk, ni siquiera la del desconcierto a lo Delmer Daves: su opción es muy otra -y muy propia de él, por otra parte-, la de la comedia que va adquiriendo poco a poco tintes dramáticos, todo ello en el marco de un respeto absoluto por los códigos clásicos ya desplegados en todo su esplendor en la primera versión.

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Crítica de Cine

SOLO PARA SUS OJOS

Bond ataca de nuevo. Tratando de rescatar el panel de mandos de los polaris británicos, perdido en el naufragio de un pesquero espía frente a las costas de Albania (el cinismo es marca de la casa), Bond se enfrenta con una organización maléfica de la que sólo conoce sus cabezas visibles: un chulo playero y un tipo gafoso con pinta de funcionario del crimen o del Ministerio de Justicia (los creadores de la serie han descubierto que la eficacia es el nexo común entre los siniestros, estén a diestra o a siniestra). En su investigación turística por San Martín de Valdeiglesias, Cortina d' Ampezzo y Corfú, Bond soporta con paciencia a una intrusa que resulta ser la no-Angela Molina de Buñuel, una actriz francesa más válida para el sueño confuso que para la sensualidad (tiene unos ojos verdes distantes y un pelo caído de existencialista de Marie Claire) y al violinista en el tejado, Topol, que come pistachos para caracterizar al personaje y se define como defensor de Occidente, resistente al nazismo y al comunismo.

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«MOONRAKER»: El agente secreto al espacio

Desde Vénecia con James Bond

Permiso para incordiar al equipo que rueda en Venecia el undécimo filme sobre James Bond. La película, titulada «Moonraker», cuenta con un presupuesto de veinticinco millones de dólares y su rodaje durará treinta y una semanas. El director es el mismo que ha realizado los dos últimos Bond, Lewis Gilbert. Y el superagente, por cuarta vez, Roger Moore.

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La obra maestra de Federico Fellini sigue levantando las mismas ampollas que escocieron el día de su estreno

La amargura eterna de 'La dolce vita', 50 años después

ROMA.- Que levante la mano quien no tenga grabada en la retina alguna imagen de La dolce vita. Imposible, ¿no? Los paparazzi deambulando por la Vía Veneto a la caza de estrellas, el baño en la Fontana de Trevi de una voluptuosa Anita Ekberg que, sucinto vestido de noche y brillante melena rubia, llama a un Marcello Mastroianni tan apuesto cuanto indolente... Son muchas las secuencias de este clásico del cine italiano con el que Federico Fellini dio una bofetada a la sociedad mojigata y provinciana de la época. Hoy, a 50 años del inicio de su rodaje, estas escenas nos remiten a una Roma cambiada, aunque sólo en parte. No en vano es la Ciudad Eterna.

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Donald Spoto publica una biografía del director en la que revela los sufrimientos que soportaron sus actrices fetiche

Hitchcock, un pájaro de cuidado

MADRID - La imagen que proyecta un artista es, en muchos casos, la de su obra. Alfred Hitchcock vertió en su filmografía un universo de contradicciones inherentes a la psicología humana. Entonces, ¿era el cineasta un hombre perturbado? El biógrafo Donald Spoto expone en «Las damas de Hitchcock» (Lumen) la complicada personalidad de un cineasta que lo logró todo en el terreno profesional, pero que nunca alcanzó la satisfacción personal.

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A dos días de los Oscars se completan prácticamente (creo que falta una) los estrenos de los títulos ‘nominados’ y de los que más opciones tienen. Os ofrecemos, como tenemos por costumbre, una completa información sobre las novedades de esta semana.

EL LUCHADOR, gran película, con mejores interpretaciones, es la más firme candidata al Oscar de ‘Mejor Actor’ para un ‘recuperado’ Mickey Rourke, sin olvidar las opciones de Marisa Tomei en la categoría de ‘Mejor Actriz de Reparto’. Os recomiendo la película y a modo informativo os hemos incluido en estas páginas un amplísimo reportaje sobre la película, la filmación, los ensayos… Así como una serie de videos que van desde el tráiler hasta una de las secuencias más importantes del film (en VO) pasando por las entrevistas con el director y los tres protagonistas. Tenéis un panorama de lo más completo.

VALS CON BASHIR es una propuesta verdaderamente novedosa. Estaríamos ante un nuevo género que se definiría como documental de animación. Es la historia de un soldado israelí y sus vivencias en la Guerra del Líbano, incluyendo la matanza de Sabra y Chatila. Os la recomiendo efusivamente y no os cuento más porque tenéis una entrevista con el director, el tráiler y una escena completa que da una idea perfecta de lo que se puede encontrar en este insólito film.

CADILLAC RECORDS es la historia de un sello discográfico real cuya importancia en el desarrollo de la música podemos calificarlo como capital. Es una película que se ve con agrado y que si os gusta el tema también os la recomiendo. Tenéis a vuestra disposición un completo reportaje, el tráiler y una secuencia musical para centrar un poco el contenido de la película.

El título más flojo es PUSH sobre la cual os hemos seleccionado una secuencia en versión original que no requiere traducción pues su espectacularidad lo dice todo. También la habitual información, así como el tráiler y una entrevista con sus protagonistas Chris Evans y la estrella infantil Dakota Fanning que ya es una adolescente.

Terminamos con el documental S-21, LA MÁQUINA ROJA DE MATAR sobre el genocidio camboyano donde el gobierno comunista asesinó en los años setenta a dos millones de personas, un cuarto de la población. Un auténtico horror que precisamente estos días se está juzgando en los tribunales de justicia locales con cierta decepción entre los millones de víctimas.

Como habéis visto tenemos una interesante semana de cine que espero podáis disfrutar. Nosotros seguimos trabajando recogiendo todas las noticias, opiniones para vosotros, centrándonos en los Oscars que están ‘a la vuelta de la esquina’.

Javier Mas

ASI SE HIZO

El luchador (The wrestler)

En lo más esencial de El luchador está el corazón tierno de un hombre que se pelea no sólo en el ring con sus oponentes con aspecto de villanos de cómic, sino también contra el daño que la vida le ha infringido en cuerpo y alma. La película se despliega en base a dos panoramas. Uno es el mero espectáculo, la pura acción visceral, con esa intensidad marginal, de uno de los más emblemáticos y singulares deportes de Estados Unidos. El otro es ese espacio obsesivo, terrible, en el interior de un hombre que busca desesperadamente un lugar al sol, desafiando sus muchas debilidades.

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ASI SE HIZO

Ari Folman cuenta todo sobre su película “Vals con Bashir” (Waltz with Bashir)

Una noche en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche, el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas...

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ASI SE HIZO

Cadillac Records

Cadillac Records cuenta el surgimiento del sello discográfico Chess Records y sus artistas. En esta historia de sexo, violencia, competencia y rock & roll ambientada en los años 50 en Chicago, el filme sigue las excitantes aunque turbulentas vidas de algunas de las grandes leyendas de la música de Estados Unidos. La historia de cómo el blues se hizo popular y dio a luz al rock & roll comienza en un lúgubre bar en la violenta zona sur de Chicago en 1947, donde un joven inmigrante polaco y propietario del bar, Leonard Chess (ganador del Oscar® ADRIEN BRODY), contrata al talentoso pero indisciplinado conjunto de blues que incluye al tranquilo y amable prodigio de la guitarra Muddy Waters (JEFFREY WRIGHT) y al impulsivo y llamativo Little Walter (COLUMBUS SHORT) en la armónica. Fascinado por el sonido de la música, y dispuesto a aprovecharse del floreciente negocio discográfico, Chess organiza una sesión de grabación para Waters. Las primeras grabaciones de Waters comienzan a ascender en las listas de R&B (rhythm & blues) que comienzan a recibir interpretaciones más intensas.

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ASI SE HIZO

Push

Telequinesis. Clarividencia. Telepatía. Durante décadas, los gobiernos de todo el mundo han investigado la posibilidad de usar habilidades paranormales como arma secreta sumamente efectiva contra sus enemigos... e incluso sus aliados. En 1945, los nazis llevaron a cabo un primer intento de crear un ejército de guerreros psíquicos. Poco después, los soviéticos y los americanos pusieron en marcha sus propios programas de investigación de alto secreto, como los conocidos experimentos de control mental de la CIA, MK-ULTRA, para obtener agentes paranormales, la herramienta definitiva de vigilancia indetectable.

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ASI SE HIZO

S-21, la máquina roja de matar (S-21, la machine de mort Khmère rouge)

Durante los cuatro años que duró el régimen de los Jemeres Rojos en Camboya (de abril de 1975 a octubre de 1979) un cuarto de la población del país fue exterminada. En un sistema paranoico que veía enemigos en todas partes, cualquier indicio de disidencia bastaba para ser encarcelado en la "Prisión de Seguridad" S-21, un antiguo instituto convertido en campo de exterminio. Los protagonistas de la película (auténticos carceleros y supervivientes del S-21) hablan abiertamente de sus experiencias en aquel infierno: describen el día a día en el centro, los detalles de las torturas que llevaban a reconocer las más delirantes acusaciones, los abusos sistemáticos a las mujeres, la deshumanización de los verdugos… Los antiguos guardianes responden con evasivas y excusas a las inquisitivas preguntas del maestro Vann Nath, representante de los millares de prisioneros que nunca salieron del S-21.

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NUEVOS VIDEOS EN MASVISTOS.COM

Mickey Rourke habla sobre la película El Luchador (The Wrestler)

Marisa Tomei habla sobre la película El Luchador (The Wrestler)

Evan Rachel Wood habla sobre la película El Luchador (The Wrestler)

Darren Aronofsky habla sobre su película El Luchador (The Wrestler)

El Luchador (The Wrestler): Secuencia en VO

Vals con Bashir (Vals Im Bashir); Secuencia en Español

Cadillac Records: Secuencia en Español

Cadillac Records: Tráiler en Español

Chris Evans y Dakota Fanning hablan sobre "Push"

Push: Secuencia en VO

Push: Trailer en Español

"S-21, La máquina roja de matar" ("S-21, la machine de mort Khmère rouge"): Tráiler en Español

 

Estimados Amigos,

Pedimos disculpas por el retraso en la actualización. Esperamos que en esta semana o poco más estemos al día. Tenía todo esto comentado pero con

Os había comentado estas crónicas y películas pero, con el retraso de publicación en su mayor parte ya no procede su publicación. Sólo os destaco cuatro apuntes muy breves.

Uno de los principales columnistas políticos de este país, José María Carrascal le ha dedicado una columna a GRAN TORINO lo que demuestra la importancia y calidad de este film, como hemos apuntado desde estas páginas. Otro columnista del sector `progre´, por definirlo así, critica duramente la `venta´ de Allen al servicio promocional de Barcelona y es que esta especie de "Bienvenido Mister Allen" ha sido de vergüenza propia y ajena. Finalmente el duelo AUSTRALIA versus THE SPIRIT se ha saldado con una aplastante victoria para la parte australiana. THE SPIRIT ha fracasado en taquilla y entre la crítica, mientras AUSTRALIA ha logrado aprobar entre la crítica con éxito sobresaliente de público.

Rafa García

´El intercambio´: Eastwood parte del melodrama y del thriller para transformar, poco a poco, su nuevo filme en algo parecido a una película de terror

Visita inesperada al otro lado

En un momento de El intercambio, una de las películas más esquivas y misteriosas de Clint Eastwood, el policía que hace la vida imposible a Angelina Jolie se cruza en su oficina con uno de sus colegas, que terminará siendo decisivo para la conclusión del caso, y la cámara, al principio centrada en el primero de ellos, acaba desplazándose para seguir al segundo. Un poco más adelante, el asesino en serie que este último agente ha conseguido atrapar, presunto verdugo del hijo de Jolie, es condenado a muerte, pero no es un plano de su rostro el que sigue al golpe de martillo del juez sobre la mesa, pues Eastwood prefiere filmar el sobresalto que experimenta la protagonista, estremecida por la suerte de aquella otra víctima del sistema.

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ROCKNROLLA

Negra, sofisticada y olvidable

Desde hace tiempo resuena hasta el mareo en mis oídos el nombre de Guy Ritchie. No en función de su suntuoso oficio sino por haberse casado con Madonna, por separarse, por sacarle un pastón en el divorcio a la inamovible reina del marketing. Imaginas, por tanto, que este señor posee un especial atractivo, pero es fácil que ese torrente informativo sobre las circunstancias de su actual existencia te haga olvidar que su profesión es la de director de cine con parroquia moderna y fiel. Gracias a Lock & stock, que no he visto nunca y a la tan venerada como para mi gusto insoportable Snatch: cerdos y diamantes, este creador tan sofisticado y excéntrico en sus tramas y tono narrativo se ha ganado un notable prestigio crítico y sólido crédito comercial.

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CUESTIÓN DE HONOR

Herederos de Serpico

Ya no hay quien niegue que buena parte de la última hornada de directores está volviendo su mirada hacia el cine americano de los setenta. Se busca su furia a borbotones, su capacidad para retratar con verosimilitud ambientes depravados, la complejidad de sus personajes, la huida del estereotipo, la desesperanza de sus tramas. Del James Gray de la magnífica La noche es nuestra al Ben Affleck de la no menos loable Adiós, pequeña, adiós, todos parecen admiradores de los trabajos del Nuevo Hollywood y de la evolución ejercida por los integrantes de la generación de la televisión. Como Gavin O'Connor, realizador treintañero hasta ahora sin fuste (Tumbleweeds, El milagro), que parece haber estudiado a Francis Ford Coppola, Sidney Lumet y Alan J. Pakula para componer Cuestión de honor, thriller policial en el que la corrupción imperante remite al maestro de la temática, el Lumet de Serpico (1973), aunque con los ecos familiares del Coppola de El padrino.

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UNA FAMILIA CON CLASE

La letra y el espíritu

En un pasaje del libro-entrevista de François Truffaut El cine según Hitchcock, el director británico hace una confesión a su interlocutor a propósito de la película Easy virtue, de 1927, adaptación de una famosa obra teatral de Noel Coward: "Había en el filme el peor intertítulo que jamás haya escrito, hasta el punto de que siento vergüenza incluso de contárselo y, sin embargo, tengo que hacerlo...". A continuación, Hitchcock explica la supuestamente deleznable frase a un Truffaut que, por las dificultades técnicas de entonces, no había visto la película. Tras la aclaración, el francés no le replica, quizá porque Hitch exageraba, quizá porque tampoco se entienda muy bien lo horroroso del asunto sin haber visto el filme. Revisada hoy la película (está editada en DVD por Suevia), y el intertítulo, se supone que adónde quería llegar Hitchcock era a la dificultad de adaptar a Coward en una época donde el cine sólo podía ser mudo.

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CITY OF EMBER

Gloria para adolescentes

Con los tiempos que corren para el cine juvenil, dominados por la banalidad consumista, la parafernalia rosa, el falso oscurantismo nigromante y la absurda aceleración sintética, el estreno de una película como City of Ember supone un motivo para la celebración. Una historia que busca el divertimento a través de una fantasía futurista de corte distópico, ambientada en una sociedad totalitaria (a la manera de 1984), donde desde la adolescencia cada ser tiene un papel asignado profesionalmente con el que debe sentirse contento por su aportación a la comunidad. Una posapocalíptica ciudad subterránea (como la de Metrópolis), dominada por la corrupción, la penuria económica y la sempiterna aportación de la religión, de ínfima base teológica y máxima altisonancia populista, como bálsamo para mentes en peligro de extinción. Todo esto y mucho más, refleja la saga literaria Los libros de Ember, cuatro volúmenes escritos por Jeanne Duprau en la presente década, en la que el cine ha puesto sus ojos comerciales y, por una vez, artísticos.

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FLAME Y CITRON

Fisuras en la leyenda

Flame y Citron fueron los nombres de guerra de Bent Faurschou-Hviid y Jørgen Haagen Schmith, dos ilegales de la Resistencia danesa que, en buena medida, fueron reciclados como leyenda heroica por un país que quiso olvidar la culpa de su propia pasividad (cuando no directo colaboracionismo) en tiempos de guerra. Flame y Citron son, por tanto, carne de leyenda y el cineasta Ole Christian Madsen, que tanteó el coyuntural despojamiento Dogma con En Kærlighedshistorie (2001), no tiene reparo en reconocer que, bajo la apariencia de una minuciosa reconstrucción histórica, no ha dudado en privilegiar la máxima fordiana del Print the legend (Imprime la leyenda) a la hora de transmutar tan extremas experiencias vitales en un generoso, apabullante espectáculo cinematográfico. Conviene insistir, con todo, en un matiz relevante: la leyenda aquí no tiene trazas de hagiografía, sino que avanza a través de esas tierras de penumbra que, en otra clave más permeable a las gratificaciones epidérmicas de la serie B, también supo recorrer el Paul Verhoeven de El libro negro.

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POSTALES

"Harry el limpio" por José María Carrascal

Hay dos tipos de grandes artistas: los que producen una obra maestra al comienzo de su carrera, para limitarse a repetirse a lo largo de ella, y los que comenzando por obras menores, van poco a poco mejorando su calidad hasta producir auténticas genialidades. García Márquez pertenece al primer grupo. Clint Eastwood, al segundo. El actor que emergió a la pantalla interpretando a Harry el Sucio, aquel policía dispuesto a recorrer sin atenerse a normas la milla extra de una justicia que no cumple su cometido, se ha convertido a estas alturas en un actor consumado y en un director de primerísima clase. Su última película en ambos papeles -que será la última como actor, según nos anuncia-, «Gran Torino», es, sencillamente, una obra maestra. Una película de las que, con suerte, salen un par cada década y cuyo impacto dura por generaciones. Sin sobrarle ni faltarle nada, constituye una sinfonía de imágenes, palabras, gestos y mensajes tan bien ensamblados que resulta imposible decir qué es lo mejor de ella, aunque, naturalmente, la figura de Eastwood se alza sobre el resto, sin por ello aplastarlo. «Un relámpago emocional», la describe un crítico.

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THE SPIRIT     Calificación:   ★

Sin City y sin ná de ná

Zapatero a tus zapatos, borreguero a tus borregos, comiquero a tus comic-books. La sabiduría popular no acostumbra a errar en esta vieja consejería. Cierto es que existen artistas dotados para brillar al mismo nivel en dos o más medios de expresión. Pero hoy, cuando hay chefs mediáticos que se creen Balzac o chuscos presentadores de telebasura con ínfulas de Laurence Olivier, la sabia recomendación debería propiciar leyes de incompatibilidad. Frank Miller es un indiscutible maestro de la historieta, pero, por ahora, no parece llamado a consagrarse como realizador de cine. En The Spirit rinde tributo a quien fuera su amigo Will Esiner, ilustrando su obra en imágenes según el patrón ya puesto en circulación en la estupenda Sin City, es decir, convertir el fotograma en viñeta, violentar la imagen con estallidos de color sobre el blanco y negro general, como bruscas pinceladas. Pero en Sin City, Miller compartía dirección con Robert Rodriguez, cuyo frenesí narrativo daba a la obra toda su fuerza y eventual romanticismo.

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PRIME TIME     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Pesadilla catódica

Aislar a un grupo de personas en una estructura claustrofóbica en la que se sienten perdidas y obligadas a aguzar el ingenio para sobrevivir es un recurso que últimamente genera mucho celuloide: El experimento, Cube, La habitación de Fermat... Prime time juega en esa división, añadiendo al encierro un claro referente real: Gran Hermano. Propone un concurso televisivo cuyos participantes (no precisamente voluntarios) esconden un secreto personal e inconfesable, que saldrá a la luz durante las emisiones y proporcionará materia de reflexión a los telespectadores que deciden su salida de la jaula. Hiperbólica, presuntamente crítica, no mal confeccionada (el diseño del plató es de veras creativo), la película acaba no llegando a ninguna parte por la escasa consistencia de diálogos y situaciones, a los que empaña un desenlace decepcionante.

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FUERA DE CASA

El año que dejé de creer en Woody Allen

Hace tiempo que tengo dudas con los reyes, incluso con los magos, pero nunca había dejado de creer en Woody Allen. Siempre me había gustado ese rabino en topless, ese judío sin casquete, con su leal oposición a Dios que confunde el paraíso con Radio City Music Hall. Me gustaban sus películas desde Toma el dinero y corre hasta que se empeñó, le empeñaron, le pagaron, y tomó el dinero para hacer esa postal sobre Barcelona con escala en Oviedo. Menos mal que dentro están Javier Bardem, Penélope Cruz y otras chicas del montón de hermosas que siempre han rodeado a este pequeño, tramposo, genial y descreído. Un tipo sagaz, no preparado para conocer la nada eterna por no estar seguro de estar bien vestido para la ocasión. Brillante seductor, capaz de hacer cada año la película que nos compensaba del aburrimiento, la pedantería y nadería previsible de tantas noches de cine y humo. Excepciones, y Robert Mulligan aparte, Woody Allen era el seguro, la cuota, la isla inteligente que puntualmente nos permitía estar en Manhattan, y alrededores, como en casa. Nos cambió el decorado. Tragamos Venecia, Londres y algunas oscuras calles de Europa. Hasta que llegó a Barcelona y nos hizo bajar. Ahora vuelve por el principio, por lo de tomar el dinero y tocar. Y seguir corriendo. Nuestro artista dice adiós al año españolizando, en salón público y con orquesta de Nochevieja para amenizar despedidas. El genio tocará el clarinete mientras los paganos comen las uvas, brindan por el final de la crisis y por los milagros de Obama.

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AUSTRALIA     Calificación:   ★★★

Cuánto continente

Para ver el cine de Baz Lurhmann se necesitan esencialmente dos condiciones: no menos de dos horas largas y mucha armonía interna. Sus películas son enormes (ésta, «Australia», de casi tres horas de enormidad) y están hechas con una cámara tan revoltosa y retozona que aconseja un estado zen en la butaca para no perder la cabeza. «Australia» es muy larga y visualmente traviesa, pero no es lo principal de ella. Lo fundamental en ella es su condición de gran película. Es una gran historia sobre un gran continente, interpretada por una gran pareja de actores, Nicole Kidman y Hugh Jackman, con gran aparato visual y dramático, con grandes escenarios y escenas, con enormes pasiones y hasta con dos grandes finales, aunque sólo uno de ellos nos haya llegado a los espectadores (Luhrmann filmó ambos, el real y el de película, que es el que va a ver el público).

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AUSTRALIA     Calificación:   ★★

En las antípodas de Oz

¿Qué extraño híbrido surgiría de un cruce entre «Lo que el viento se llevó» y «El mago de Oz», dos clásicos, por otra parte, irrepetibles? «Australia», la nueva obra de Luhrman, el desprejuiciado amante del musical, como constató en «Moulin Rouge», aquella alocada película maliciosa y romántica. En este filme, sin embargo, al cineasta se le aflauta la voz con una historia de amores lejanos insípida y manida que desarrolla entre escenitas de postal y envuelve en una pomposa banda sonora (el tema principal de «Oz» se repite tantas veces durante su larguísimo metraje que el espectador acabará por cogerle manía). Kidman, una Scarlett O´Hara recién operada, y Jackman, rudo vaquero aunque de tierno corazón, se quieren entre el jolgorio nefasto de la II Guerra Mundial, las traiciones de unos y los fastidiosos cantos de un aborigen que se apoya en un solo pie para demostrar su buen karma. Si lo que deseaba el director era desorientar al público con una lacrimógena y cursilona superproducción épica basada en los avatares de una familia disfuncional que puede producir hasta ronchas, lo ha conseguido. Le faltó ironía y le sobró petulancia. Claro: hablamos de Luhrman.

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THE SPIRIT     Calificación:   ★★

Un héroe vacuo ante el poder de ellas

Frank Miller es un tipo admirable, ciertamente admirable. En ese cuerpo enjuto de Don Quijote con mirada acerada e inquisitiva, guarda un alma coriácea, digna del mítico personaje de La Mancha. Miller vive sumergido en un mundo de heroicidad, dignidad, banderas y honor. Es el mundo de los cómics, cuyos amantes son espartanos de férrea disciplina en lo que se refiere a todo lo que signifique la palabra lealtad. Y, francamente, es un valor digno de elogio en estos tiempos en los que cualquiera se vende por media lenteja.

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THE SPIRIT     Calificación:   ★★★

Bella sin alma

En «Sin City», el fatalista y siniestro filme basado en la novela gráfica de Miller que supuso el debut de este notable artista como cineasta (comandado por Robert Rodríguez), la historia más dura y romántica la protagonizó un fracasado con la cara desfigurada. En «The Spirit», adaptación del cómic creado por Eisner, hay también un personaje anómalo con la cara oculta que esconde a un policía mujeriego; ha desaparecido, pues, la melancolía, el olor de una venganza brutal, la violencia extrema, que ahora deriva en «gags» hiperbólicos y surrealistas (los clones del villano recuerdan a los personajes del primer Fesser). Repiten, por contra, el blanco y negro, el contraste agresivo de una mancha roja, la empachosa aparatosidad de una milimétrica puesta en escena digitalizada; el marchamo de Miller, al cabo.

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En la ciudad del spirit

Frank Miller siempre quiso ser El Spirit, no se conformó con reinventar a Daredevil o a Batman. En el fondo anhelaba parecerse a aquel joven detective, Denny Colt, que volvió de la muerte y escondía su identidad bajo un simple antifaz. Frank Miller quería ser El Spirit, aquel personaje creado en 1940 por Will Eisner que mostraba sin tapujos la dolorosa fragilidad de su propio corazón y era a su vez capaz de reconocer todas las aristas del mal. Aquel personaje atrapado en una ciudad oscura y llena de historias desoladoras fue el modelo sobre el que se fraguan las expectativas creadoras de Frank Miller. Will Eisner, el padre de la novela gráfica estadounidense en los setenta, fue también el inventor tres décadas antes de éste héroe inconformista y vulnerable al que la vida le hacía pequeñas mellas.

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ROMANZO CRIMINALE     Calificación:   ★★

La peor juventud

El italiano Michele Placido, actor en un centenar de películas, tiene también una carrera de director: esta película pasa por ser una de las mejores que ha realizado. Si bien lo hizo en el año 2005, nos llega ahora, presumiblemente en la estela del éxito de «Gomorra», que ha introducido el novedoso concepto de ver historias de la mafia contadas por italianos, para variar.

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ROMANZO CRIMINALE     Calificación:   ★★★

Malas calles

En esta película, que podría estrenarse en perfecto programa doble con «Gomorra», se citan el Scorsese de «Malas calles» y «Uno de los nuestros» con el «thriller» italiano de los setenta. La cita no es a ciegas porque Placido parece conocer muy bien de dónde viene y hacia dónde va: de lo íntimo (la evolución de una pandilla de gángsters que empiezan con el secuestro de un empresario y acaban vendiendo heroína a gran escala) a lo colectivo (la conexión de esta banda de criminales con los Servicios Secretos del gobierno de la Democracia Cristiana, sobre todo en lo que respecta al asesinato de Aldo Moro en manos de las Brigadas Rojas), la historia de la Italia reciente se despeja ante nuestros ojos, elaborándose a sí misma como en un «Cuéntame» violento y ambicioso. «Romanzo Criminale» funciona cuando se centra en las afinidades electivas del Hielo, el Libanés, el Dandy y el Negro: sus inicios como mafiosos ayudan a esbozar con cierta energía el mapa político de un país que parece haber perdido la noción del tiempo a la hora de determinar el momento en que empezó a ser corrupto. Cuando la cinta se pone trágica y se transforma en una versión moderna de «Julio César», rasgada por traiciones y puñaladas traperas, la película se hace previsible y demuestra que no merece las dos horas y media que la agotan, cansina, hasta un final anunciado.

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PRIME TIME     Calificación:   ★

La tele mata (y engorda)

¿Se puede hacer cine de calidad a partir de la telebasura? Seguro que sí. De hecho, la idea de esta película no es más descabellada, inverosímil o extrema que la que ponía en marcha Peter Wir en «El show de Truman», una obra maestra en la que incluso Jim Carrey estaba en su sitio. Luis Calvo Ramos propone un «reality» televisivo donde los concursantes son secuestrados, juzgados por sus pecados y, si procede, ejecutados ante la cada vez más numerosa audiencia. Las reflexiones de la cinta son oportunas, el decorado da el pego y la tensión no está mal desarrollada, pero algunas situaciones se desmoronan porque no se las creen ni los actores, más por defecto de los diálogos que porque no haya en el medio un directivo capaz de poner en marcha semejante disparate. Una lástima de oportunidad malograda.

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EL INTERCAMBIO     Calificación:   ★★★

Suspense veraz

Con narraciones paralelas que no parecen serlo, con poca acción durante la larga duración, Clint Eastwood se confirma como clásico actual de la narración cinematográfica recreando 'una historia real' (subtítulo que aparece en esta película) que, por una vez, deja la impresión de haber sido efectivamente real, pese a sus excesos hollywoodienses de explicitud de imágenes y situaciones, y provoca en el espectador la tensa incertidumbre propia de las buenas ficciones.

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COMO EN CASA EN NINGÚN SITIO     Calificación:   ★

Elogio de la Navidad

Kate y Brad (Reese Witherspoon y Vince Vaughn) se libran cada año de las fiestas navideñas en familia diciendo a sus padres que se marchan al extranjero en misión solidaria, cuando en realidad aprovechan para hacer turismo exótico de lujo. Desenmascarados, deben pasar el día de Navidad en cuatro hogares distintos (los padres se divorciaron y se volvieron a casar). Planteamiento para una sátira de costumbres con posibilidades que se desbaratan por la elementalidad infantil del humor al hacer que las familias sean todo lo contrario a normales.

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DI QUE SÍ     Calificación:   ★

Aspavientos en vez de ingenio

Comedia sobrenatural, subgénero parábola moralizante de moda en Hollywood gracias a o por desgracia de los éxitos de taquilla de Adam Sandler y antes de los del mucho mejor cómico Jim Carrey. Éste repite la fórmula de 'Mentiroso compulsivo', donde interpretaba a un padre que para reconciliarse con su pequeño se comprometía a decir la verdad durante un día y en parte la de 'Como Dios', donde era un ambicioso castigado con la omnipotencia.

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PROTEGIDOS POR SU ENEMIGO     Calificación:   ★

Enemigos y vecinos

Más de uno, al ver el argumento de esta película -una joven pareja de recién casados se muda a su nueva casa y se encuentra con un vecino, aparentemente amable y encima policía, cuyo único objetivo es hacerles la vida imposible-, pensará "Esto me suena". Y tanto, porque no estamos sino ante una innecesaria actualización de un subgénero que triunfó a principios de los 90 gracias a títulos como 'De repente', un extraño o 'Falsa seducción'. Con todo, lo peor no es esa sensación de estar contemplando una película ya vista, construida a base de retales mal recortados y peor cosidos, que no aporta absolutamente nada, ni tampoco el hecho de asistir a un recital de histrionismo desaforado por parte de Samuel L. Jackson.

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LA SOMBRA DEL ICEBERG     Calificación:   ★★

Detallismo histórico

De nuevo la fotografía 'El miliciano muerto' de Robert Capa, la que se convirtiera casi de inmediato en el más poderoso icono de la Guerra Civil española, vuelve a generar un documental sobre los misterios que la rodean. Hace cuatro años era 'Los héroes nunca mueren', del alemán Jan Arnold, la que exploraba en torno a las numerosas dudas que se esconden tras esa imagen impactante, si el miliciano está realmente muerto, si no es una escenificación, si el fotografiado es realmente el que desde hace tiempo se ha dicho que es, y, más aún, si la fotografía fue hecha realmente por Capa o por su compañera Gerda Taro, con la que trabajó durante esos años.

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EL VALIENTE DESPERAUX     Calificación:   ★★

Epopeya demasiado seria

Desde el nacimiento de Mickey, hace ahora 80 años, los ratones se han convertido en las estrellas indiscutibles del cine infantil de animación protagonizado por animales antropomorfizados. El último en sumarse a la larga lista es el orejudo Despereaux, protagonista de una epopeya digna de Talkien (por lo enrevesado) y ambientada en el reino medieval de Dor. Allí coexisten, en diferentes niveles, el mundo de los humanos, el mundo de los ratones y el mundo de las ratas y los habitantes de los tres interactúan con los de los demás para conseguir levantar la maldición que pesa sobre Dor.

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ESTÓMAGO     Calificación:   ★★★

Instintos básicos

Hace tiempo que uno no se encontraba en una sala de cine con un personaje tan fascinante y bien construido como el Raimundo Nonato que protagoniza este drama con mucho sentido del humor (que no comedia) que, con todo merecimiento, ganó la Espiga de Oro en Valladolid. Raimundo es una perfecta metáfora de la humanidad misma: al principio le vemos acuciado por los instintos más básicos, comer y dormir. A continuación, descubre las delicias de la coyunda. Después, la importancia del dinero.

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2008

Cinco títulos para olvidar la crisis

No todo ha sido malo en 2008. Del catálogo de títulos recuperables (muchos se quedan fuera, seguramente de forma injusta), los críticos de cine de ABC escogen su película favorita: dos dramas, un thriller, una comedia y otra de acción componen el menú

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EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

De regreso de la vejez

The Curious Case of Benjamin Button es la historia del hombre que vivió al revés. Para horror de su padre, nació anciano y existió a la contraria hasta terminar en la cuna. David Fincher narra esta fantástica odisea con propulsivo realismo. Parece desenvolverse, década por década, en un mundo alterno donde los relojes locos dan imperturbable marcha atrás. La idea parte de un cuento corto de F. Scott Fitzgerald, radicalmente alterado por Eric Roth. En el escalafón de los Oscar, la Academia insiste en clasificar al guión como adaptado, pero es punto por punto original. Del mediocre relato de Fitzgerald sólo queda una brizna de inspiración. El resto es un prodigio de cinematográfica imaginación.

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SIETE ALMAS

Mucho drama pero poco peso

Will Smith, el astro más taquillero en las comedias de Hollywood, quiere dar paso definitivo hacia la túrgida dramaturgia. El director italiano Gabriele Mucchino ya le consiguió una nominación al Oscar por la plañidera The Pursuit of Happyness y Smith de nuevo se confía en su tacto lacrimógeno para Seven Pounds, que pesa tanto como su título en la balanza del sentimentalismo morboso. Will es el samaritano desconocido, dedicado a compulsivas obras de caridad. Le regala su casa a la infeliz Elpidia Carrillo, mujer acosada por mal amante. Le obsequia un pulmón a su hermano y, en su ofrenda a pedacitos, le sigue los pasos a un pianista ciego (Woody Harrelson) para eventualmente donarle sus ojos.

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THE READER (El Lector)

Lectura de líneas torcidas

En la Alemania de la década de los años 50, la conductora de tranvías Hanna Schmitt seduce al quinceañero Michael Berg, pero antes de acostarse con él siempre lo obliga a leerle textos de Chéjov o Tolstoi. Raro preámbulo erótico que tarda en volverse elemento central de The Reader, el best seller semiautobiográfico de Bernard Schlink, escrupulosamente adaptado por David Hare y sigilosamente filmado por Stephen Daldry. Hanna desaparece durante años y Michael, ya estudiante de leyes, la reencuentra en el banquillo de los acusados. En proceso criminal, la culpan de complicidad en las muertes de prisioneros. En su posición de Auschwitz, como escolta del campamento de exterminio, fue miembro de la SS y estuvo al servicio activo de las autoridades nazis. Ella nada niega y acepta los cargos con estólido silencio.

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ULTIMÁTUM A LA TIERRA (2008)

Más que un 'remake', una copia borrosa

El pasado es traicionero y la televisión es su cómplice. Un jueves a las 9 p.m., el Canal 54, especializado en viejas películas, pasó The Day the Earth Stood Still, de 1951. Al día siguiente ya entraba en cartelera la versión del 2008. Fue casualidad o acaso sabotaje de programación, porque no es posible hablar de remake, sino de metódico descuartizamiento. La ciencia-ficción de Robert Wise se nutría del pánico nuclear en el apogeo de la Guerra Fría, con Washington y Moscú en posible pose de conflagración atómica. Klaatu (Michael Rennie), el embajador de las Galaxias, llegaba a persuadir a los enemigos jurados de tomarlo con calma antes de provocar el Holocausto nuclear. Han descartado el inteligente guión de Edmund North y el de David Scarpa es diferente por completo. La misión de este Klaatu (Keanu Reeve) es vagamente ecológica y consiste en eliminar a los pendencieros habitantes de la Tierra mediante una plaga de insectos electrónicos.

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AUSTRALIA     Calificación:   ★★ (Sobre cuatro)

Entre la copia y la desmesura

Los metrajes desmesurados resultan temibles, en especial si bajo ellos se cobija la desmesura creadora de un cineasta como el australiano Baz Luhrman, autor de sólo cuatro largometrajes en dieciséis años de trayectoria. Su disparatada adaptación de Romeo y Julieta, transitada en 1992 por Leonardo DiCaprio, parecía presagiar lo peor. Sin embargo, su fascinación por redescubrir el cine musical, aportándole nuevas formas, cristalizaría en Moulin Rouge. Un espectáculo, colorista y frenético, protagonizado por su compatriota Nicole Kidman, candidata el 2002 a un Oscar que ganó al año siguiente por Las horas. En Australia, que supera en casi 40 minutos la duración de Moulin Rouge, Luhrman quiere jugar con la mixtura de géneros que deparaba el cine clásico. A partir de una serie de películas que impregnaron de sueños su adolescencia, construye su película con elementos pertenecientes al cine épico y de aventuras, el melodrama, la comedia y el western, con pinceladas de tono social y político. En vísperas de la II Guerra Mundial, una aristocrática dama británica (Kidman) decide viajar hasta una remota localidad australiana en busca de su marido, quien presumiblemente le es infiel, y salvaguardar unas tierras recién heredadas.

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ROMANZO CRIMINALE     Calificación:   ★★★ (Sobre cuatro)

La ambición sin límites

Azares de la programación y del escaso eco comercial que aquí venía encontrando el cine italiano, ciertamente en horas bajas durante algún tiempo, han facilitado la repesca de esta película dirigida hace tres años por el conocido actor Michele Placido. Romanzo criminale comparte por ello cartel con Il Divo y Gomorra, películas con las que, curiosamente, guarda similitudes en su reflejo de la corrupción policial y política. También respecto al secuestro y asesinato de Aldo Moro, sobre cuyo oscuro fondo político se facilitan aquí unas claves que vienen a reforzar las aportadas por Il Divo.

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Estimados Amigos,

Pedimos disculpas por el retraso en la actualización. Esperamos que en esta semana o poco más estemos al día. Tenía todo esto comentado pero con

Os había comentado todas las noticias pero con el retraso ya no procede su publicación.

Rafa García

 

Conciertos, videojuegos y óperas, alternativas para paliar la caída del número de espectadores

Los cines buscan otra vida

BARCELONA - El aroma de palomitas es el mismo. La oscuridad de la sala de cine, salpicada de carraspeos y sorbos de refresco, también. Nada invita a pensar que no aparezca James Bond o la última de Disney en la pantalla. Pero las luces se apagan y suena música de Verdi. En lugar de un filme, comienza la retransmisión de la ópera Simon Boccanegra desde el Liceu. Nadie se sorprende. Aunque hace tiempo que la ópera en el cine es un hecho, la iniciativa del exhibidor Cinesa de ofrecer un programa de diez óperas en sus salas en el 2009, que también secunda la cadena Yelmo Cineplex con una amplia oferta hasta julio, ilustra los esfuerzos por dar una segunda vida a las salas de cine. Y no sólo habrá ópera en el cine. La disminución del habitual público cinéfilo en las salas empuja a los exhibidores a redefinir las salas como recinto de entretenimiento transversal y a ofrecer, además de películas, retransmisiones alternativas por satélite como conciertos de rock, deportes o videojuegos. Renovarse o morir.

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Darren Lynn Bousman, Director de 'Repo! The genetic opera'

"Mi filme es como ir a un concierto: pura diversión"

BARCELONA - Darren Lynn Bousman (Kansas, 1979), director de Repo! The genetic opera -que se estrena hoy en España-, tiene claro que la táctica de marketing perfecta es aquella que destaca por su ausencia: "No queremos inundar al espectador con información, queremos que llegue virgen a las salas". Su última aventura, Repo!, es un musical, presentado en el festival de Sitges que respira -obviamente- los mismos aires de su anterior obra, el filme de culto Rocky horror picture show, pero que aun así desarrolla su propio camino: "Tenemos en común con Rocky horror... nuestro sentido de la comunidad, es decir, que aspiramos a construir un movimiento en torno a la película que va más allá del pago de una entrada".

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Nuevos ´Terminator´ y ´Potter´ llegarán con lo último de Scorsese, Coppola o Tarantino

Lo que nos traerá el 2009: Del remake al cine arriesgado

BARCELONA - Hay quienes piensan que la crisis económica aliviará el declive de las salas cinematográficas, como sucedió en otras épocas. Pero las películas se contemplan cada vez más en otras pantallas y también internet es una ventana que da acceso a muchos mundos, aparte del real.

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El cineasta neoyorquino encandila al Teatro Calderón de Valladolid en el arranque de su tercera gira española

Woody Allen recibe «con gran honor» la Espiga de la Seminci

VALLADOLID. Parece que Woody Allen le ha cogido gustillo a esto de pasar el Año Nuevo en España. Como ya hiciera hace doce meses, el cineasta y músico neoyorquino ha aprovechado tan festivas fechas para recorrer algunos escenarios españoles con su clarinete y la New Orleans Jazz Band. Ayer abrió con gran expectación en Valladolid una gira que le llevará, entre otros lugares, a Granada, Mallorca y Pamplona.

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El cineasta neoyorquino abre su gira musical en España tras recibir el máximo galardón de la Seminci

Woody Allen: Espiga de Oro y jazz en Valladolid

VALLADOLID.- Valladolid se rindió ante la presencia estelar de Woody Allen. La ciudad vibró con el swing del cineasta y su clarinete en el Teatro Calderón, pero hubo además tiempo para el reconocimiento a su carrera fílmica. «Estoy orgulloso de recibir la Espiga de Honor de un festival europeo tan importante como la Seminci», señaló el director de títulos como Annie Hall (1977), Manhattan (1979) o Match Point (2005).

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La banda fletó ayer un AVE Madrid-Barcelona de ida y vuelta para presentar en primicia su película a sus «fans»

El Canto del Loco, a todo tren

MADRID/BARCELONA - A velocidad de AVE. Así van los chicos de El Canto del Loco en la recta final de su gira. Dani Martín, Chema Ruíz y David Otero echaron ayer el cierre con un concierto en el Palacio de los Deportes en Madrid. Lleno absoluto, como el tren cargadito de «fans» -ida y vuelta a Barcelona en apenas seis horas- en el que preestrenaron el documental donde cuentan su escasa rutina y que el viernes saltará a los cines. «Queríamos que la gente viera de dónde venimos: si somos pijos, si venimos de barrio, si nos gusta el senderismo, cómo surge nuestra manera de cantar y tocar…», asegura a LA RAZÓN Dani, vocalista del grupo. Para contarlo todo, confiaron en Félix Viscarret, Goya al mejor guión adaptado por «Bajo las estrellas».

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Johnny Depp sigue siendo el actor más buscado en internet

LOS ÁNGELES. Johnny Depp es, un año más, el actor más buscado en internet. El protagonista de la saga «Piratas del Caribe» encabeza la lista de intérpretes más buscados del año en una clasificación en la que le siguen Christian Bale y el fallecido Heath Ledger, los dos protagonistas de la cinta más taquillera de 2008, y también la más buscada en la red, «El caballero oscuro».

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Peligra el estreno de la película basada en el mejor cómic de la historia porque un juez da la razón a la productora que compró los derechos

¿Quién vigila el futuro de los 'Watchmen'?

MADRID.- Fox contra Warner. Y de momento, según una sentencia que se dio a conocer el pasado 25 de diciembre, en pleno jolgorio navideño, gana la primera. Son dos de las productoras con más solera que habitan en el planeta Hollywood. La primera, allá a finales de los 80, tuvo a bien comprar los derechos del cómic que el tiempo ha convertido en el título más grande que ha dado el género. Entonces, cuando adquirió la licencia para convertir en película la serie limitada de 12 capítulos publicada entre 1986 y 1987, la novela gráfica de Alan Moore y Dave Gibbons no era más que un éxito editorial del que se empezaba a hablar mucho.

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Hollywood se va al otro extremo

Australia es la nueva meca del cine. Una buena cosecha de actores y directores nacidos en aquel país se está haciendo con el primer puesto de la fábrica de sueños. Grandes superproducciones y una política de incentivos son la clave del éxito. Ahí abajo tienes el Hollywood que Dios quiso crear. Una comunidad dedicada al cine como Dios manda, cuya única meta es hacer películas bien hechas", pontifica el director Guillermo del Toro. Este mexicano tiene poco de católico practicante y mucho de gran cineasta y también de exagerado. De ahí el grado superlativo en el que se torna su amor por la industria cinematográfica que se ha encontrado "ahí abajo", como llaman a esa parte del hemisferio sur donde Del Toro rueda The Hobbit. Su base de operaciones es Nueva Zelanda, pero en la geografía de Hollywood el término se usa de una manera más amplia para hablar de Australia. Y exagerado o no, son muchos los que coinciden con que "ahí abajo" está la cuna del nuevo Hollywood. "No sé lo que les ponen en el agua", bromea Woody Allen, "porque es asombroso la cantidad de grandes actores que salen de Australia. Cate Blanchett, tal vez la mejor actriz del mundo en estos momentos. Hugh Jackman, Judy Davis, Radha Mitchell... “

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Filmes tridimensionales y la proyección de todo tipo de espectáculos, alternativas contra la pérdida de público

Del 3D a la ópera: las salas de cine buscan su sitio

MADRID - La desbandada de espectadores de los multicines es un fenómeno global que nadie pone en duda, aunque siempre hay matices según las zonas geográficas. Mientras los empresarios cinematográficos españoles se quejan de que la piratería se ceba con ellos -Egeda cifra en 400 millones anuales las descargas ilegales de filmes en la red-, en Gran Bretaña, con un gran pacto nacional antipiratería, se va a vivir un año histórico. Según Phil Clap, directivo de Cinema Exhibitors Association (organismo que regula el 90 por ciento de sus salas), explica a LA RAZÓN que este verano ha sido el más exitoso de los últimos 40 años. Unos cinco millones de personas fueron a ver un filme en la gran pantalla entre julio y septiembre. «La buena racha no ha parado en otoño ni en lo que llevamos de invierno, esperamos cerrar el año con una cifra mejor que la de 2007», añade.

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Dos largometrajes y una serie para televisión de dos capítulos incidirán en aspectos de la biografía de la creadora

Chanel 3

PARÍS - El 10 de enero se cumplirán 38 años de su fallecimiento, pero Gabrielle Chasnel, Coco Chanel por la canción con la que se quiso imponer como chansonnière, antes de triunfar en la haute couture, estará más viva que nunca gracias a la moda de los biopics o biographical pictures. La epidemia de revisión de mitos la inició el virus Edith Piaf en La Môme, que valió el Oscar a la mejor actriz a la parisiense Marion Cotillard.

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Gonzalo Suárez, Cineasta y autor de 'El secreto del cristal'

«Sí, el mundo es absurdo, pero... ¿comparado con qué?»

MADRID.- «Peligro. Golpes de mar». La advertencia se lee a duras penas en una placa comida por el salitre. Los de mar entienden la ironía a su manera. Quien quiera ver el poema brossiano que acuda a la primera página de El secreto del cristal (Villaverde editores), el libro que, sin querer, ha escrito un tipo con barba blanca sentado que bebe vino. Dice que fue boxeador. «Lo practiqué hasta que me rompieron una costilla. De forma muy amateur. Mi relación con el boxeo es más literaria que la de, por ejemplo, Buñuel. Tengo, eso sí, los guantes, los de entrenamiento y los de combate. Y alguna foto que otra». Un sorbo. «Entonces el boxeo tenía un carácter mítico. Ahora, la verdad, no me gusta. Ha perdido toda la gracia. Es un deporte bestial». Un trozo de queso al coleto. «El boxeo no admite la medianía. El boxeo, la ópera y los toros no admiten la mediocridad. O es sublime o no es».

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Gérard Depardieu cumple 60 años de brillantez artística y vida controvertida

Problemático, gruñón y genial

MADRID - En el caso de Gérard Depardieu (Châteauroux, 1947), la equidistancia entre el relumbrón artístico y el caos personal adquiere tintes de leyenda. La extraordinaria bestia cinematográfica es, con más de 150 películas a sus espaldas, uno de los grandes de la interpretación. También el dueño de una vida abrupta y caótica en el ámbito privado, una vida que ayer llegó al simbólico número de 60 primaveras.

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La familia Lohan y una chica más

MADRID. Puesta a escribir una tarjeta de Navidad, Lindsay Lohan ha tirado de su blog en MySpace para hacer las pascuas a su padre. Y también para agregar una hermanita, ya que estamos de lleno en internet 2.0. El papá de la artista es una especie autóctona estadounidense (aquí somos más de mamá) cuyos ejemplares más vistosos son los papás de Miley Cyrus (ese Billy Ray), Britney Spears y Lindsay Lohan. La primera es menor de edad, la segunda como si lo fuera (su padre fue nombrado judicialmente su administrador y sacaperras), pero la tercera no tiene problemas para poner al papá ex presidiario de vuelta y media. «Mi padre nos contó que, entre otras cosas, tuvo una hija después de mi hermana Aliana. ¿O quizá la tuvo antes? En cualquier caso, engañó a mi madre y eso apesta», escribió cándidamente el martes.

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La sevillana no sólo es la villana de moda gracias a «The Spirit»: en 2009 veremos cinco películas suyas rodadas fuera de nuestro país

El año de Paz Vega

MADRID - Si esperan verla en alguna producción española en los próximos meses, olvídenlo. Pero no, no piensen que la crisis ha afectado a Paz Vega porque 2009 promete ser su año. Al menos, el de su salto internacional definitivo, y esta vez la cosa va en serio. Después del éxito de promoción de «The Spirit», la nueva cinta de Frank Miller, en la que comparte cartel con las dos actrices de moda en Hollywood, Eva Mendes y Scarlett Johansson, Paz Vega esconde no un as bajo la manga, sino cinco. Ahí van: en fase de post-producción están ya el «thriller» «Not forgotten», la comedia «Burning palms», junto a Dylan McDermott y Shannen Doherty, «Las seis esposas de Henry Lefay», protagonizada por Elisa Cuthbert y Tim Allen, y «Triage» su publicitado cara a cara con Colin Farrell y bajo la batuta de Tanovic. Por si fuera poco, ya prepara su participación en «El último guerrero», a la espera de que Vincent Pérez y Olivier Martínez den el «sí» como compañeros de reparto.

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Un total de diez complejos de multisalas (nueve en España y uno en Francia) deberán llamarse de otro modo antes de marzo de 2009

Hollywood protege la marca Oscar y obliga a unas salas de cine a cambiar de nombre

MADRID.- La historia es de sobra conocida. Margaret Herrick, entonces bibliotecaria de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Los Angeles, vio la estatuilla y tuvo la feliz idea de decir lo primero que en ese momento, en 1931, se le pasó por la cabeza: «Se parece a mi tío». Costumbre tan española (la de verbalizar la primera estupidez que viene a la boca) acabó por sentar cátedra: desde ese momento, la estatua del señor calvo con espada se llamó, y para siempre, Oscar. Como su tío.

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Una versión musical de 'La guerra de las galaxias' se podrá ver el 10 de abril en Londres

¿Canta Darth Vader?

MADRID.- Todo empezó, quizá, el día en que la princesa Leia (Carrie Fisher) cantaba una canción galáctica en los instantes finales de The Star Wars Holiday Special. Los iniciados, manos en la cabeza, saben de lo que hablamos. El 17 de noviembre de 1978, la cadena CBS emitía por primera y última vez un programa de televisión que continuaba las aventuras estelares que acababan de arrasar en los cines de medio mundo. Por entonces, George Lucas estaba demasiado ocupado en El imperio contraataca (la segunda entrega) para reparar en el desastre que se cocinaba a sus espaldas. El resultado, según toda lista acreditada, fue uno de los peores programas de televisión de todos los tiempos. De otro modo, una de las piezas más cotizadas de internet.

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A falta de ideas y de dinero, los estudios repiten los clásicos y las películas de culto

La plaga 'remake' invade Hollywood

BARCELONA - Hollywood es, por tradición, un lugar donde hay una crisis grave cada cuarto de hora y una solución salomónica cada veinte minutos. Un montón de billetes pueden tapar cualquier agujero. Por eso, cuando la pasta fluye con menos intensidad, las ideas frescas, los conceptos atrevidos y el riesgo en general dejan de ser bienvenidos. ¿Qué vienen curvas? Pues a tirar de archivo.

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El principal sindicato de actores se reunirá el 12 de enero y quiere ir a la huelga en febrero

Vientos de guerra en Hollywood

LOS ANGELES - La incertidumbre se ha apoderado de la industria de Hollywood ante la posibilidad de una huelga de actores. Alan Rosenberg el presidente del Sindicato de los intérpretes, el SAG (Screen Actor’s Guild), va a enviar una petición a todos los miembros para que a principios de febrero voten si apoyarán o no una huelga que, han anunciado, no afectará a los Oscar, que se entregarán el 22 de febrero. Ayer, Rosenberg reafirmó su decisión de ir a la huelga en una reunión del SAG, en la que también se decidió retrasar el envío de las papeletas a los miembros del sindicato -previsto para el 2 de enero- hasta principios de febrero. Antes, el 12 de enero, se reunirá al comité para restaurar el consenso perdido.

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TVE ratifica su patrocinio del Festival de San Sebastián

SAN SEBASTIAN.- Televisión Española ratificó ayer su compromiso de patrocinar el Festival de Cine de San Sebastián. El presidente de la Corporación RTVE, Luis Fernández, indicó en un comunicado que es «lógico» que TVE participe en el único certamen cinematográfico de categoría A que se celebra en España, según informa Efe. Esta decisión de Televisión Española, que patrocina el Festival de San Sebastián desde 2005, llega poco después de que la Diputación de Guipúzcoa incluyera en sus presupuestos para 2009 una reducción de 90.000 euros en la partida para el Zinemaldia.

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Hugh Jackman

Según el actor de 'Australia', 'El atractivo sexual tiene que ver con la confianza en uno mismo'

Nacido en un barrio residencial a las afueras de Sydney, Hugh Michael Jackman (1968) quería en principio ser periodista, pero acabó obteniendo un papel, en 1995, en la telenovela australiana 'Correlli', donde conoció a Deborra Lee Furness, su actual esposa. Más tarde, se convirtió en estrella del teatro musical gracias a su interpretación de Gastón en 'La bella y la bestia', y de Joe Gillis en 'Sunset Boulevard', y fue nominado para el premio Laurence Olivier en 1998 por 'Oklahoma!'

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Hugh Jackman, Actor

«Me divierte ser el más sexy»

Un solitario aventurero se cruza en la vida de una aristócrata inglesa que acaba de enviudar. ¿Imaginan lo demás? La pareja la forman Hugh Jackman y Nicole Kidman. Mide un metro noventa y posee una sonrisa espectacular. Que Hugh Jackman está de moda no lo duda nadie. Además de colgarse la etiqueta del hombre más sexy del globo, será el próximo presentador de los Oscar. Mientras esto llega, estrena una cinta de amor y aventuras, «Australia», dirigida por Baz Luhrman, en la que comparte plano con Nicole Kidman. El actor nos recibió en Nueva York para hablar de este trabajo.

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Frank Miller: Autor de cómics y cineasta, Director de «Sin City», «300» y «The Spirit»

«El estilo no se busca, refleja lo que uno es»

Frank Miller tiene 51 años y no se puede decir que aparente muchos menos, pero es un hombre socarrón e inteligente, siempre con algo interesante a punto de salir de su boca, aunque no pueda reprimir un carraspeo después de cada pregunta. El cineasta, que empezó como dibujante de novelas gráficas y guionista, confiesa que cuando le ofrecieron dirigir «The Spirit», albergó algunas dudas: «Me lo pensé mucho. Unos tres minutos después, volví y dije que no iba a permitir que ningún otro tocara la historia». Discípulo de Will Eisner, autor del cómic en el que se basa la película, explica que sus reparos iniciales «tenían que ver con que esta obra es algo tan venerado que dudé si podría hacerle justicia. Entonces me di cuenta de que Will me habría abofeteado por tener miedo de enfrentarme a un reto semejante. Era un maestro muy estricto y no aguantaba a los cobardes».

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Tras dirigir junto a Robert Rodríguez «Sin City», el dibujante presenta «The Spirit», que adapta otro famoso cómic

Frank Miller: «Sólo yo podía realizar este proyecto»

Cuando el visionario dibujante de cómic Will Eisner murió en 2005 a los 87 años, alguien tuvo la loca ocurrencia de volcar en la gran pantalla las aventuras de Spirit, su personaje icono, un superhéroe distinto, elegante, un muerto que regresa a este mundo y a quien le gusta caminar de noche por Central City, el pastiche urbano que ama igual que a las mujeres. Spirit regresó de pronto a la vida aunque sin poder alguno (no puede volar, ni subir por las paredes, ni doblarse, ni posee la fuerza de un mihúra) pero capaz de soportar todos los golpes, por brutales que sean, y de recuperarse de los moratones en apenas unos minutos. En principio, otro maestro del arte gráfico, Frank Miller («Sin City», «300», «El regreso del caballero oscuro»...), dudó: ¿Podía él dirigir una película basada en la obra magna de su mentor? Pasado un tiempo, sin embargo, contestó tajante a los productores: «No puedo dejar que ningún otro lo toque». Y Miller, que lleva, como Spirit sombrero, y parece ligeramente achispado o feliz de estar en España, añade que «Yo era la mejor opción para dirigir la película, a menos que Fritz Lang hubiera regresado de la tumba... Hice un trabajo consistente y sólido».

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Una película sobre la amistad, realizada en 3D para tiempos difíciles

«El lince perdido», una historia de libertad

MADRID. Con «El Lince perdido», que está desde ayer en las pantallas españolas, echa a andar el estudio de animación Kandor Graphics de Granada, ciudad en la que se ha realizado íntegramente la película, escrita y dirigida por Manuel Sicilia y Raúl García. Los dos creadores son bien conocidos internacionalmente, ya que entre sus créditos figuran «Aladino», «La bella y la bestia» (ambas con Disney), y «Rugrats» y «Jimmy Neutron» para Nickelodeon. A ellos se suma Antonio Banderas, que por primera vez se integra en la producción de un título de dibujos animados.

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La española 'El lince perdido' lucha en navidades contra los estrenos de Hollywood

Cuando el talento (y no el dinero) dibuja las películas de animación

MADRID - Puede que a los linces ibéricos en la vida real no les vaya muy bien -como felinos que son en peligro de extinción-, pero en la pantalla han cobrado una vida resplandeciente con El lince perdido, filme de animación español, candidato este año al Goya de su categoría y que intenta encontrar hueco entre los grandes estrenos de las navidades. Con un pie puesto en una animación por ordenador de calidad y otro en un estupendo guión, una conjunción muy poco frecuente en los dibujos animados españoles, la película nace también de una bicefalia, la que aúnan sus dos directores. A un lado de Atlántico, en el estudio granadino de Kandor Graphics, Manuel Sicilia, y cuarenta personas más. Desde Los Ángeles, Raúl García, veterano entre los animadores españoles asentados en Hollywood, el dibujante hispano que más alto ha escalado en la factoría Disney, estudio que abandonó tras dos décadas de dibujos reflejados en El rey león, Aladdin, Pocahontas o Hércules. Tras diversos trabajos en Jimmy Neutrón o Los Rugrats en París, García ha vuelto a la animación por dos euros. "Definitivamente, las comparaciones son odiosas", asegura un puntilloso García. "Si aquí todo el mundo hacía de todo, en Disney cada trabajador tiene clara y acotada su labor. Hemos hecho El lince perdido con 40 personas; en Hollywood cada personaje ocupa a doce animadores e informáticos". A cambio, de su experiencia -Raúl García comparte un Oscar especial con el resto de equipo de animadores de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?- tiene claras un par de lecciones. "En muchas ocasiones el guión flojea en el cine; más aún en los filmes de animación. Decidimos apostar por un libreto férreo, con las secuencias clarísimas, pero con chistes y diálogos que variaron según los dobladores hacían su labor. ¿Un ejemplo? El buitre al que pone voz César Sarachu [Bernardo en Camera café]. Sarachu lo interpretó de una manera completamente opuesta a la que nosotros habíamos imaginado. Por supuesto, lo respetamos y nos lo apropiamos".

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Banderas, un actor con vista de lince

Cuando le presentaron a Antonio Banderas quince minutos del filme que aún estaban rodando, al malagueño le faltó tiempo para subirse al tren de «El lince perdido», una cinta de animación en 3D «como las de antes, en las que la aventura es la que manda, y donde el humor es indispensable», aseguran sus creadores, Manuel Sicilia y Raúl García. Ya era tarde para que Banderas pusiera voz a alguno de los personajes, así que aceptó el reto de ser coproductor. «Enseguida sentimos una química muy buena con él», aseguran los realizadores, que ya han firmado con el intérprete un proyecto para filmar cinco películas más «en las que su papel será más creativo», adelantan. «El lince perdido», que trata de las aventuras de Félix, un lince con muy mala suerte; Gus, un camaleón paranoico; Beea, una cabra que ama el riesgo, y Astarté, una halcón seria y elegante, intenta «recuperar un tipo de cine de animación que se ha perdido», aseguran los directores, que debutan con esta cinta. «Ahora este tipo de filmes son más gamberros, y están dirigidos a un público adolescente, pero queríamos que la nuestra fuera una cinta familiar», explican.

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Michelle Placido estrena «Romanzo criminale», un filme sobre la delincuencia en la Roma de los 70

La violencia como forma de vida

En los 70 fue «El Padrino», a finales de los 80 apareció «Uno de los nuestros», los años noventa asistieron a otro filme de la marca Scorsese, «Casino». El nuevo siglo no quiere ser menos y continúa la tradición cinematográfica de violencia criminal, mafia, camorra y delincuencia callejera. A las carteleras llega ahora «Romanzo Criminale», una película que más bien es la reflexión personal de su director, Michelle Placido, quien aborda las complejas relaciones que tejieron el Estado italiano en los 70: mafia, terrorismo y poder como tríada de corrupción y moral ausente. En efecto, la historia se remonta a la Roma fría y peligrosa de hace tres décadas, donde seguir con vida ya era suficiente motivo para vivir, «donde la extrema derecha y la izquierda hacían lo que querían», afirma Placido. Confiesa que, cuando le llegó la idea en forma de argumento oral, no se lo pensó mucho para embarcarse en el proyecto: «Hacer esta película ha sido muy fuerte para mí. En Roma, en los años 70 era como estar en guerra. Fue muy duro porque la relación entre las personas era difícil».

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Una audiencia de muerte

Luis Calvo dirige «Prime time», sobre un «reality» terrorífico

En un futuro no muy lejano internet podría convertirse en la plataforma perfecta para aquel «reality show» que, desde el casi inescrutable ciberespacio, se atreva a cruzar la línea. Esa es la reflexión que pretende suscitar «Prime time», de Luis Calvo, una película en la que siete personas son secuestradas en un plató de televisión para concursar en un programa en el que se juegan nada más y nada menos que sus vidas.

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HOLLYWOOD

Angelina Jolie, la diva del 2008

¿En qué radica la enorme popularidad internacional de Angelina Jolie? Pocos negarían que ella ha creado un nicho dentro y fuera de la pantalla en el que ninguna otra actriz del momento cabe. Entre las celebridades, nadie es más seguida por la prensa y los medios de comunicación del planeta que esta enigmática mujer. Quienes la admiran la perciben como una persona humanitaria, segura de sí misma, que sabe lo que desea y lo logra sin preocuparse por lo que puedan pensar sus detractores. Estos no la consideran una gran actriz y sostienen que sus habilidades dramáticas están sobrestimadas. Cualquiera sea el caso, lo cierto es que existen muy pocos lugares en el mundo en los que el rostro y el nombre de la Jolie no sean conocidos. En ese aspecto, es la artista más iconográfica de lo que va del siglo XXI.

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CLICK

La pasión de Paz Vega

España fue uno de los imanes europeos para numerosos artistas estadounidenses que filmaron algunas de sus más famosas películas en la tierra de Cervantes: Ava Gardner, Tyrone Power, Orson Welles, Charlton Heston, Clint Eastwood, por nombrar sólo un puñado. No obstante, España también le ha otorgado al mundo y a Hollywood en específico su propio puñado de artistas espectaculares, sobre todo actrices como Sarita Montiel, Penélope Cruz y, de la nueva ola, la extraordinaria sevillana Paz Vega. ''Cada año, cada día, cada película es mejor'', dice Vega en entrevista con El Nuevo Herald, explicando que si al principio quizás fue un tanto difícil adaptarse a una nueva cultura que encontró en el sur de California, ahora se siente ''muy a gusto trabajando en inglés''.

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El director Baz Luhrmann hurga en la épica recurriendo al al relato de los amoríos entre una damisela y un hombre indómito

Memorias de Australia

MADRID  - Había planeado tres grandes obras sobre la épica en las que introducir todos esos elementos de comedia, drama y aventura, pero Australia es la primera y casi me mata": Baz Luhrmann se confesó en Madrid ligeramente desanimado para abundar en una segunda trilogía –la primera fue una deconstrucción de la farsa musical formada por El amor está en el aire (1992), Romeo+Julieta (1997) y Moulin Rouge! (2001)–, dedicada a la épica romántica, lo que podríamos llamar el novelón de celuloide, tras experimentar los sudores que requiere en esta mastodóntica Australia. Así que una y no más.

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´Romanzo criminale´ coincide, en las pantallas españolas, con ´Il Divo´ y ´Gomorra´ elacionar

El cine como exorcismo

MADRID - Relacionar Romanzo criminale, de Michele Placido, con Il Divo, de Paolo Sorrentino, y Gomorra, de Mateo Garrone, tiene algo de tramposo porque, en realidad, la película de Placido tiene ya tres años y hasta hoy no ha encontrado hueco para colarse en las carteleras españolas. Sin embargo, a ojos del espectador, las tres películas se integran en un nuevo discurso del cine italiano, en el que, a modo de exorcismo, los cineastas airean los fantasmas de una sociedad transida por los intereses espurios de burócratas y delincuentes, Políticos y mafiosos.

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Michele Placido, director de ´Romanzo criminale´

"En Italia política y criminalidad van de la mano"

MADRID  - En Italia, su rostro es sinónimo de orden, pues encarnó durante años al comisario Corrado Cattani en la célebre serie La Piovra. Pero hace años que este veterano actor reivindica su condición de director. Su octava película, Romanzo criminale, llega este jueves a nuestros cines, cinco años después de su rodaje. Se trata de una narración canónica a la manera de las películas de gángsters, sobre el ascenso y caída de unos delincuentes de poca monta, que la emparenta con el Scorsese de Casino o Uno de los nuestros, el Brian De Palma de El precio del poder o el Sergio Leone de Érase una vez en América.

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Estamos en la recta final de los Oscars y esta circunstancia se condiciona la cartelera y los estrenos. Sólo nos resta un viernes antes de la entrega y hoy llegan dos de los títulos más fuertes que con toda seguridad se verán premiados en la conocida como ‘Gran Noche del Cine’. En primer lugar SLUMDOG MILLONAIRE, donde el popular concurso es sólo una excusa para mostrarnos la vida del protagonista. Película diferente, de interés cierto que os recomiendo a todos los seguidores de nuestras páginas.

La segunda cinta en importancia e interés es THE READER, otra historia sobre el holocausto, con una perspectiva original, donde una mujer analfabeta cargará con culpas ajenas con tal de no pasar la vergüenza de reconocer su ignorancia. Kate Winslet compone una interpretación sólida resultando ser el mayor logro del film. También os la recomiendo.

Escribiendo de memoria creo que la saga Viernes 13 ha dado una decena de secuelas, dicho sea de paso, a cual más abominable. Ahora nos vienen con un ‘remake’ de la primera parte lo que podría entenderse como una tomadura de pelo. Al menos una broma pesada. Espectadores seguro que tendrá aunque os recomiendo un pasotismo activo con respecto a esta cinta.

Del resto de la oferta semanal prefiero no opinar al no haberlas visto hasta el momento.

Finalmente en el apartado de trailers os ofrecemos el nuevo avance de WATCHMEN que al menos espectacular e impresionante resulta.

Por esta semana esto es todo. Espero que paséis un buen fin de semana de cine.

Javier Mas

ASI SE HIZO

Slumdog Millionaire (¿Quién quiere ser millonario?)

Es la hora de la verdad en el estudio donde se graba el programa de TV líder en India "¿Quién quiere ser millonario?" Ante un silencioso público, y de pie bajo los cegadores focos, el chico de los bajos fondos de Bombay Jamal Malik, de 18 años, se enfrenta a la pregunta final… y a la posibilidad de ganar nada menos que 20 millones de rupias. El presentador, Prem Kumar, siente poca simpatía por el andrajoso concursante. Después de llegar a lo más alto desde unos orígenes humildes callejeros, a Prem no le hace ninguna gracia compartir la fama de millonario salido de la nada y rechaza la idea de que el muchacho pueda saber todas y cada una de las respuestas.

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ASI SE HIZO

The reader (El lector)

La historia de THE READER comienza en la Alemania después de la Segunda Guerra Mundial.  Volviendo del colegio, el adolescente Michael Berg se siente de pronto enfermo y Hanna, una desconocida que le dobla la edad, le ayuda a llegar a su casa. Una vez recuperado de la escarlatina, Michael busca a Hanna para darle las gracias. Comienza así un apasionado y secreto idilio entre ambos. Michael descubre que a Hanna le encanta que le lea y su relación física se hace más profunda. Hanna encuentra un inmenso placer en las lecturas que le hace  Michael de fragmentos de “La Odisea,” “Las Aventuras de Huckleberry Finn” y “La dama del Perrito”. Sin embargo, pese a la intensidad de su relación, Hanna desaparece un día misteriosamente dejando a Michael confuso y desconsolado. 

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ASI SE HIZO

Viernes 13 (Friday the 13th)

De nuevo en Crystal Lake, en una reinvención de la película de terror Viernes 13. Buscando a su hermana desaparecida, Clay se dirige a los fantasmales bosques del legendario Crystal Lake, en donde se tropieza con los macabros restos de unas antiguas y desvencijadas casetas que yacen tras unos árboles cubiertos de musgo. Y eso no es lo único que se oculta entre los matorrales. Haciendo caso omiso de los consejos de la policía y las advertencias de la gente del lugar, Clay sigue las escasas pistas que tiene para encontrar a su hermana desaparecida, Whitney (Amanda Righetti), con la ayuda de Jenna (Danielle Panabaker), una joven que conoce con un grupo de estudiantes que han salido a pasar un fin de semana de miedo. Pero se van a encontrar con mucho más de lo que esperaban. Sin saberlo, han penetrado en los dominios de uno de los espectros más terroríficos de la historia del cine norteamericano: el infame asesino que acecha en Crystal Lake, armado con un afilado machete… Jason Voorhees.

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ASI SE HIZO

Nick y Norah: Una noche de música y amor (Nick and Norah's Infinite playlist)

Único integrante 'normal' del grupo The Jerk Offs, apasionado de la música y a punto de graduarse en el instituto, Nick (Michael Cera) es un habitual de la escena del rock indie de Nueva York. También está recuperándose del brutal final de su último romance, velando en solitario su amor perdido en su dormitorio de Nueva Jersey y grabando un interminable recopilatorio de CDs para su ex, la superficial Tris (Alexis Dziena), Norah Silverman (Kat Dennings) es hija de un pez gordo de la industria musical. A punto de ir a la Universidad, se hace muchas preguntas sobre lo que ocurre en el mundo, incluida su inestable relación con un músico oportunista llamado Tal (Jay Baruchel). Compañera de clase y rival de la cruel Tris, ella recoge los CDs que ha copiado Nick y que Tris tira sistemáticamente a la basura. Esos CDs ofrecen a Norah una ventana al corazón y la mente de un desconocido que podría ser su perfecta alma gemela musical. 

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ASI SE HIZO

“La historia completa de mis fracasos sexuales” por Chris Waitt (Director del film)

Después de haber sido abandonado por varias chicas en 2006, Chris Waitt se propone acabar definitivamente con una larga etapa de desastres sentimentales y escribe: "Desde que era un adolescente, todas mis relaciones sentimentales han acabado mal. He calculado que, a lo largo de mi vida, he tenido trece relaciones serias *, 47 encuentros sexuales y 16.425 impulsos sexuales frustrados. Casi todas mis relaciones con mujeres han acabado de manera humillante, con reproches y con sensación de arrepentimiento, amargura, vergüenza y fracaso.

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ASI SE HIZO

La teta asustada

Fausta (Magaly Solier) padece La Teta Asustada, una rara enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres que fueron violadas durante la gestación y la lactancia en la época del terrorismo. Un terror atávico que se transmite de generación en generación y que Fausta sufre en forma de hemorragias nasales en momentos de crisis. La joven, además, guarda un secreto que no quiere revelar hasta que la súbita muerte de su madre la obligará a encontrar una salida al laberinto, dentro y fuera de ella.

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ASI SE HIZO

“La teta asustada” por Claudia Llosa (Directora del film)

Minotauro: (...) Mira, sólo hay un medio para matar los monstruos: aceptarlos. ¿Por qué el laberinto? Porque la cultura, en cuyo seno el ser humano encuentra su hábitat, teje sus propias redes. Una cuna de telas de araña que nos acurruca presos, adormecidos, sin conciencia de que somos nosotros mismos quienes diseñamos su entrada y su salida o su cierre permanente.

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ASI SE HIZO

Roman Polanski: Wanted and Desired

En 1977, Roman Polanski fue arrestado en Los Ángeles acusado de haber abusado de una niña de 13 años, a la que estaba fotografiando para Vogue, después de drogarla. Once meses después, y habiéndose declarado culpable, huye a Europa antes de que la sentencia sea firme. Este documental examina todo ese periodo de un año, usando tanto imágenes del momento como nuevas declaraciones de los abogados, de la víctima y de los amigos y colaboradores de Polanski, un director a quien se ha reconocido unánimemente su genio artístico pero que nunca podrá quitarse de encima la losa de no poder pisar los Estados Unidos bajo riesgo de detención y condena.

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ASI SE HIZO

"Roman Polanski: Wanted and Desired" por Marina Zenovich (Directora del film)

En enero de 2003, apareció un artículo en Los Angeles Times que se preguntaba si Polanski podría regresar a Los Ángeles en caso de que resultara nominado al Oscar por su film El pianista. Poco después, Samantha Geimer y su abogado aparecieron en Larry King Live, donde ella perdonó a Polanski públicamente. Aquella noche, su abogado dijo algo, y fue lo que puso en marcha mi odisea de cinco años. Lo que dijo fue: ‘Cuanto ocurrió aquel día, tanto a Polanski como en cierta medida en el sistema judicial americano, creo honestamente que fue propio de una jornada vergonzosa.’

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NOVEDADES EN MASVISTOS.COM

Watchmen: Trailer C en Español en Alta Calidad (HQ)

El Luchador (The Wrestler): Tráiler en Español

Slumdog Millionaire: Tráiler en Español

The Reader (El Lector): Trailer en Español

Viernes 13 (2009) (Friday the 13th) : Trailer en Español en Alta Calidad

Nick & Norah Una Noche de Música y Amor: Secuencia en Español

Nick & Norah Una Noche de Música y Amor: Tráiler en Español

Vals con Bashir (Vals Im Bashir) :Trailer en Español

La Teta Asustada: Tráiler

¡Por fin! Una semana donde el número de estrenos entra en la lógica de lo que el aficionado puede ver. Además con dos películas de gran interés que os recomiendo enfáticamente. En primer lugar EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON una de las dos favoritas para los Oscars de este año donde Brad Pitt ha realizado por fin una interpretación de nivel.

La segunda propuesta es EL DESAFÍO. FROST CONTRA NIXON basada en la celebérrima entrevista realizada por David Frost en 1977. Al margen del tema tratado os destaco el trabajo de Frank Langella como el Presidente Nixon. Una gran película de Ron Howard que recrea la década de los setenta sin llegar al nivel de la obra de Fincher antes recomendada.

Completan la oferta UN CHIHUAHUA EN BEVERLY HILLS, enfocado al público infantil esencialmente, y la producción hispana DIETA MEDITERRÁNEA que aún no hemos visto.

El apartado de videos nos trae al margen de los habituales trailers, unas declaraciones de Frank Langella sobre su trabajo en EL DESAFÍO. FROST CONTRA NIXON, una secuencia de la misma película, más sendas escenas de CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON y la maravilla de Eastwood GRAN TORINO que podréis ver en cines a partir del 6 de Marzo, que es la última fecha elegida para su estreno en España.

Espero que tengáis un buen fin de semana.

Javier Mas

ASI SE HIZO

El curioso caso de Benjamin Button (The curious case of Benjamin Button)

"Nací en circunstancias inusuales". Así comienza "El curioso caso de Benjamin Button", una adaptación de la historia de los años 20 del siglo pasado escrita por F. Scott Fitzgerald y que trata de un hombre que nace con ochenta años y va rejuveneciendo con el tiempo: un hombre que, como cualquiera de nosotros, no puede parar el tiempo. Desde la Nueva Orleans de finales de la I Guerra Mundial hasta el siglo XXI, en un viaje tan inusual como la vida de cualquier hombre, esta película cuenta la gran historia de un hombre no tan ordinario y la gente que va conociendo por el camino, los amores que encuentra y que pierde, las alegrías de la vida y la tristeza de la muerte, y que perduran más allá del tiempo.

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ASI SE HIZO

El desafío. Frost contra Nixon (Frost / Nixon)

FROST: Sólo puede ganar uno de los dos.

NIXON: Seré su adversario más encarnizado. Le atacaré con todo lo que tenga a mano. El foco sólo puede alumbrar a uno de los dos. El perdedor acabará en la jungla, sin nada, sin nadie que le haga compañía excepto las voces en su cabeza.

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ASI SE HIZO

Un chihuahua en Beverly Hills (Beverly Hills Chihuahua)

En la comedia Un Chihuahua en Beverly Hills, Chloe (voz de DREW BARRYMORE), es una Chihuahua de Beverly Hills que luce diamantes y calza botitas, disfruta tanto de su lujoso estilo de vida que casi no se da cuenta de que el chihuahua Papi (voz de GEORGE LOPEZ) está loco por ella. Pero cuando la pequeña se pierde en México con la única ayuda de un pastor alemán que conoce bien los secretos de la calle (voz de ANDY GARCIA) y que la guiará hasta casa, Papi se encamina al Sur de la frontera y une fuerzas con un grupo variopinto –tres perros (voces de PLÁCIDO DOMINGO, LUIS GUZMAN y EDDIE "PIOLIN" SOTELO), dos humanos (PIPER PERABO, MANOLO CARDONA), una pícara rata (voz de CHEECH MARIN) y una nerviosa iguana (voz de PAUL RODRIGUEZ)– para rescatar a su verdadero amor.

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ASI SE HIZO

Dieta mediterránea (Mediterranean food) por Joaquín Oristrell (Director del film)

Si le doy un repaso a las cosas que he hecho, caigo en la cuenta de que el tema de la cocina es recurrente en mi obra. Cuando empecé lo hice con una serie de televisión (Platos rotos) que transcurría en un restaurante. Años más tarde, un cocinero llamado Rosario formaba parte del cuarteto protagonista de otro guión de comedia (Salsa rosa). Mi segunda película como director (Novios) hablaba de los entresijos sentimentales de un cocinero y su ayudante en un restaurante especializado en banquetes de boda. Así que, dado que los hombres tropezamos en la misma piedra muchas veces, no es extraño que vuelva a los fogones en esta historia de amor, sexo y cocina.

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Gran Torino: Secuencia en V.O. Subtitulada

El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button): Secuencia en Español

El desafío, Frost contra Nixon (Frost/Nixon): Secuencia en Español

Frank Langella habla sobre "El desafío, Frost contra Nixon" (Frost/Nixon)

Un Chihuahua en Beverly Hills (Beverly Hills Chihuahua): Trailer en Español

Dieta Mediterránea: Tráiler

Muy pocas novedades en este fin de año. Mucha VALKIRIA que parece lanzarse a bombo y platillo buscando el ‘taquillazo’, bastante sobre ROMANZO CRIMINALE, excelente film de estreno inminente, una entrevista con el director de EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON, con algunos apuntes para EL DESAFIO, FROST CONTRA NIXON. Muy poco sobre lo último de Carrey, THE SPIRIT o REVOLUTIONARY ROAD, sin olvidarnos de Clint Eastwood que sigue dando materia.

No olvidamos nuestro seguimiento a los desmanes de la SGAE con una información sobrecogedora publicada por el diario ABC sobre las prácticas de espionaje de este grupo singularmente odiado por todo tipo de colectivos.

Hasta el próximo año y que los disfrutéis.

Javier Mas

 

‘Valkiria’, de Bryan Singer, es una de las grandes apuestas de Hollywood en Navidad

Tom Cruise ‘resucita’ en la piel del asesino fallido de Hitler

NUEVA YORK - Tom Cruise, la superestrella de Hollywood que antaño se ganó el respeto de la industria como emperador de las taquillas, por su buen hacer interpretativo y su olfato para escoger proyectos firmados por grandes directores, busca desesperadamente la resurrección. Y como todo en Hollywood, la última palabra está en manos del público, que a partir de mañana, con el estreno de Valkiria, de Bryan Singer, decidirá si este actor de 46 años, caído en desgracia publicitaria hace ya tres temporadas, ha conseguido redimirse.

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VALKIRIA

Los otros 'condes' Von Stauffenberg de la ficción

BARCELONA - Valkiria y la conjunción Cruise-Stauffenberg han provocado una pequeña oleada de stauffenbergmanía que se manifiesta en la publicación de libros y en la recuperación de películas anteriores dedicadas a la conjura y al aristocrático cabecilla de la banda de la bomba, esos unhappy few que trataron de redimir el honor de la Wehrmacht y de Alemania. De este año son los libros Queríamos matar a Hitler (Ariel), de Philipp von Boeselager, que -hasta mayo- era el último superviviente de la conspiración; el apasionante Matar a Hitler (Debate), de Roger Moorhouse, y Operación Valkiria (Nowtilus), del rey del anecdotario militar Jesús Hernández. Stauffenberg, la espléndida biografía canónica del ejecutor del atentado, del historiador Peter Hoffmann, aparecerá a principios de febrero en Destino. En Alemania se acaba de publicar una emotiva biografía de la valiente esposa de Stauffenberg escrita por su hija.

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Michele Placido, Director y actor

"Aldo Moro murió tirado como un perro"

MADRID - Mirar a los ojos de Michele Placido (Ascoli Satriano, 1946) es verse reflejado en la historia del audiovisual italiano de los últimos 35 años. Placido es para los televidentes el comisario Corrado Cattani de la serie La Piovra y para los cinéfilos, el actor de Lamerica. "Como he trabajado con Rosi, Monicelli, Bellocchio... Bueno, y porque ya soy mayor". Por si fuera poco, y compaginándolo con su carrera como director de teatro, Romanzo criminale es su octava película como realizador -y ya hay una novena, Il gran sogno-.

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El actor estadounidense encarna a Octopus en 'The Spirit'

Samuel L. Jackson, el malo más rentable

NUEVA YORK - Una calvicie se asoma desde un sillón del que a su vez salen un par de piernas que reposan sobre una mesa. No es una adivinanza. Es Samuel L. Jackson visto desde atrás. Así recibe a la prensa, cómodamente despanzurrado en un lujoso hotel neoyorquino. Cuando la periodista se acerca a saludarle, el actor, que acaba de cumplir 60 años, ni se inmuta. Pero pese a su aparente pasotismo, el hombre más rentable de su profesión -según el Libro Guinness de los récords, las películas que ha protagonizado han recaudado en conjunto casi 7.000 millones de euros- es un tipo bastante agradable. Eso sí, en su último filme, The Spirit, de Frank Miller, no es ningún encanto; más bien provoca pesadillas: Octopus, el ser malvado que el dibujante Will Eisner concibió como un par de guantes sin rostro y al que ahora Samuel L. Jackson le ha prestado su imagen. "Siempre he sido un fan de los cómics, así que me encanta poder interpretar a sus personajes". En Iron man hacía un breve cameo como Nick Furia que crecerá en la segunda parte. Y si le ofrecieran otra superproducción nacida de una viñeta, la aceptaría sin pensar mucho porque además, el cine de acción o fantasía, concebido para el mero entretenimiento, es su debilidad.

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Michele Placido reflexiona en 'Romanzo criminale' sobre las relaciones entre la Mafia, los grupos terroristas y el Estado en los años 70

«La democracia italiana ha tocado fondo»

MADRID.- Michele Placido -léase Miquele Pláchico- debutaba en el cine en 1974 de la mejor de las maneras. Por entonces, contaba con 18 años y le avalaba el éxito en el teatro. De la mano del director Mario Monicelli, y al lado de Ugo Tognazzi, era uno de los personajes de Romanzo popolare. Han pasado más de tres décadas y... ¡Sorpresa! este actor y director italiano con ademanes de mito (de por medio, su papel de comisario Cattani en la teleserie La Piovra o su inolvidable papel en Lamerica, de Gianni Amelio) sigue exactamente igual. Comprobado. La misma mirada, el mismo pelo. Sólo una concesión: ahora la cabellera es blanca. Aunque no queda claro si es cosa de la edad o de la Navidad. Sea como sea, y con un brutal retraso a su estreno en Italia, donde cosechó un éxito con pocos precedentes en 2005, ahora presenta Romanzo criminale (se estrena este jueves).

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«Antes la violencia se controlaba con bombas, ahora con el miedo», afirma el magistrado Giancarlo De Cataldo

El juez que denunció al Estado con un libro

ROMA.- Si va a ver Romanzo criminale, fíjese en el juez que al final de la película lee la sentencia a los componentes de la banda. Es un juez auténtico. Se llama Giancarlo De Cataldo y además de ejercer de magistrado de un tribunal de Roma, también es escritor. De hecho, este hombre nacido hace 52 años en Taranto, una localidad del sur de Italia, es el autor de Romanzo criminale, la novela (basada en hechos reales) en la que se inspira la película.

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ABC ha encontrado a uno de los «inspectores» de la SGAE, encargado durante una década de recabar información en emisoras de radio, discotecas...

«Yo espié para la SGAE»

MADRID. «A veces me sentía como un chivato», confiesa Juan (nombre ficticio), que todavía guarda el material -mapas de calles y carreteras, estadillos, bases de datos, instrucciones...- que utilizaba en su trabajo anterior, y que ahora despliega ante ABC. Su labor. durante casi una década, consistió en planificar y recoger datos para un Centro de investigación de mercado del entretenimiento y la Cultura, Millward Brown Spain, Gabinete de Estudios Económicos y Sociales, «de la que forma parte al 50% la Sociedad General de Autores y Editores», indica Juan, que facilitaba a dicha empresa los datos recogidos en salas de fiestas, discotecas y emisoras de radio, registrados en impresos y cintas de grabación (vídeo y casete), dos veces al mes.

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El ex director de 'The Washington Post' asegura, tras la muerte de 'Garganta profunda', que los medios actuales sí podrían destapar un caso similar

¿Podríamos descubrir hoy el 'Watergate'?

La muerte de W. Mark Felt, la fuente secreta de Bob Woodward, bautizada de manera ya imperecedera como Deep Throat (Garganta profunda), que jugó un papel tan decisivo en la información del caso Watergate en este periódico, acaecida durante la semana pasada, ha coincidido con la aparición de Richard M. Nixon en las pantallas de los cines en la interpretación de Frank Langella.

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David Fincher, Director

"Las películas nunca se acaban, únicamente se abandonan"

LOS ÁNGELES - David Fincher considera a ILM, la empresa de George Lucas, como su escuela de cine, pero su primera gran incursión en el campo de los efectos especiales no puede estar más lejos de las óperas galácticas de ese estudio. El curioso caso de Benjamin Button, que se estrena el 25 de diciembre en EE UU y en España el 6 de febrero, tampoco es una historia de amor, más bien una historia de "vida y muerte", una ficción que se siente real con el tono de filme intimista, casi de arte y ensayo, de los que se meten en el bolsillo a los académicos, pero con uno de los mayores presupuestos del año. Una película de autor donde Brad Pitt pone el corazón y la belleza y los efectos digitales se encargan de convertir a la estrella en un niño de pecho con el aspecto de un anciano de 80 años. Una historia corta de Scott Fitzgerald que Fincher transforma en un filme épico de más de dos horas y media. El director nacido en Denver (Colorado), en 1962 no puede más que reírse de sus incongruencias. "Soy muy volátil. Todos lo saben".

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El actor se juega su estatus de estrella con ´Valkyrie´, ambiciosa producción recién presentada en Estados Unidos

Tom Cruise, nazi por guión

LOS ÁNGELES - El reciente anuncio de los candidatos a los premios SAG, los que otorga el poderoso y ahora conflictivo sindicato de actores, sólo sirvió para confirmar lo que ya habían adelantado otros importantes anuncios de nominaciones: que Tom Cruise, y junto a él todos los que participaron de Valkyrie, su ambicioso proyecto sobre la resistencia alemana, se quedarán fuera de la carrera por los premios, que concluye este 22 de febrero en el teatro Kodak con la entrega del Oscar a la mejor película. Estas no son buenas noticias cuando falta menos de una semana para que el filme se estrene en Estados Unidos, en una fecha que fue elegida después de varias postergaciones para tratar de dar las mayores posibilidades a la película de Bryan Singer en la dura competencia. Incluso Tom Cruise rompió su habitual silencio a la hora de promocionar sus películas y concedió entrevistas a la prensa estadounidense e internacional en Nueva York con una amplitud que no existió con filmes anteriores como Lions for lambs (un estrepitoso fracaso) o Tropic thunder, por la que curiosamente tendrá la posibilidad de ganar en enero el Globo de Oro al mejor actor de reparto.

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Tom Cruise lucha por reactivar su carrera. El día de Navidad estrena «Valkiria», en la que protagoniza un complot para acabar con el Tercer Reich

Cruise, entre matar a Hitler... y promocionar a su hijo

MADRID. Si algo no se le puede negar a Tom Cruise es su tenacidad para volver una y otra vez a la primera línea de fuego. En uno sus proyectos más ambiciosos, que no es decir poco, la auténtica cabeza visible de la Cienciología ha protagonizado «Valkiria», que se estrena el día de Navidad en EE. UU. (el 30 de enero llegará a España) y que no ha parado de generar polémica en Alemania desde antes incluso del comienzo de su rodaje.

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DiCaprio y Winslet recordaron "Titanic'' en el rodaje de "Revolutionary Road''

NUEVA YORK - Kate Winslet y Leonardo DiCaprio esperaron once años para actuar en un mismo filme tras el éxito de "Titanic'', una experiencia que recordaron con una dosis de humor al rodar "Revolutionary Road'', cinta que los devuelve juntos al cine.

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Clint Eastwood, Director y actor

"Es ridículo que los actores no interpretemos la edad que tenemos"

NUEVA YORK - Que te presenten a Clint Eastwood es como ver una secuoya de California por primera vez. La diferencia es que esta secuoya, incluso con 78 años, te da la mano con una firmeza que todavía intimida, por mucho tiempo que te hayas estado preparando para el apretón.

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La doble vida de Zooey

Convertida en heroína indie, Zooey Deschanel no distingue entre dar la réplica a Jim Carrey, entrevistar a Brian Wilson, de los Beach Boys, o grabar canciones junto a M. Ward. Quizás por eso nos cuesta creer que es la chica sencilla que quiere aparentar.

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El actor estrena una nueva comedia "más real y menos alocada"

Jim Carrey dice que sí a todo en Madrid

MADRID - El actor canadiense Jim Carrey estuvo la semana pasada en Madrid para presentar su nueva comedia Di que sí, en la que encarna a un administrativo fracasado y negativo que es programado para decirle que sí a todo.

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Con Ruggero Raimondi, Edda Moser, Kiri Te Kanawa y Teresa Berganza

Vuelve a los cines el ´Don Giovanni´ filmado por Losey

BARCELONA  - Cuatro años antes de fallecer en Londres a los 75 años, el cineasta norteamericano Joseph Losey dirigió en 1979 una adaptación fílmica de Don Giovanni, la ópera con música de Mozart y libreto de Lorenzo da Ponte, basada en el mito de Don Juan. La película tuvo una desastrosa distribución en su día: se estrenó en muy pocas salas o se proyectó en sesiones de gala para melómanos. A partir de hoy, se podrá ver Madrid y Barcelona esta penúltima realización del autor de títulos tan emblemáticos como El sirviente, La clave del enigma, Rey y patria.

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Conciertos

Vuelve el clarinete de Woody Allen

Tiempo propicio para el ocio, las fiestas navideñas estallan en forma de una gigantesca cartelera plagada de todo tipo de espectáculos teatrales y musicales, y de grandes exposiciones.

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´Pérez 2´ y ´El lince perdido´ se baten con los títulos de Disney, Universal y Dreamworks

Si España se anima

MADRID  - Entre la cómica verborrea de Madagascar 2 (Dreamworks), las lóbregas e intensas aventuras de El valiente Despereaux (Universal) y las anfetamínicas perrerías de Bolt (Disney), estas Navidades se quieren colar dos películas de animación españolas, una circunstancia que sería motivo de solaz industrial de no ser porque ya antes la animación patria despegó sin tomar vuelo.

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En el panorama crítico brilla con luz propia EL INTERCAMBIO, última película de Eastwood estrenada hasta la fecha (GRAN TORINO que llegará muy pronto a las carteleras, es mucho mejor), que parece haber encandilado a propios y extraños. Yo os puedo decir que me ha gustado mucho, aunque la encuentro inferior a la media habitual de su autor. En cualquier caso lo mejor que hay en las carteleras.

Del resto dos comedias desiguales: la divertida e intrascendente COMO EN CASA EN NINGUN SITIO y DI QUE SI típico producto `made in Carrey´ para devotos seguidores del histrión. Un documental muy interesante sobre Capa y su mítica foto titulado LA SOMBRA DEL ICEBERG y poco más.

También han salido las candidaturas a esa tomadura de pelo denominada `Premios Goya´ que aquí no daremos mayor cobertura al carecer de cualquier interés por su falta de seriedad y profesionalidad.

Un avance de las críticas de los estrenos del día de Navidad donde se producirá en duelo AUTRALIA versus THE SPIRIT. La cinta de Luhrmann que ha fracasado en Estados Unidos parece que no obtendrá buenas críticas en nuestro país aunque en mi caso la he visto con agrado que no es poco para un metraje superior a las dos horas y media. THE SPIRIT demasiada imagen y escasa sustancia.

Finalmente coincidiendo con la reposición de DON GIOVANNI les hemos recuperado la crítica de Miguel Marías publicada con motivo del estreno del film en 1981. El texto no tiene desperdicio y cuando lo leáis os daréis cuenta que ya no se escriben críticas como antaño. Una verdadera lástima.

Espero que podáis disfrutar de unos excelentes días de cine.

Javier Mas

  

ROMANZO CRIMINALE

Los reyes de la corrompida Roma

Era alarmante y triste la larga sequía del cine italiano. Tenías noticias vagas de él si viajabas a los festivales, pero tampoco allí retenías películas que durasen un poquito en la memoria. Consecuentemente, esos títulos eran difícilmente exportables. Y tampoco el público nativo mantenía no ya la pasión, sino ni siquiera la mínima fidelidad hacia una cinematografía de admirable pasado y presente inexistente. El único creador que despertaba mayoritario interés desde sus inicios dentro y fuera de Italia era ese director tan personal como atractivo llamado Nanni Moretti.

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AUSTRALIA

Épica a retales

Cuando Anton Ego, el crítico culinario de Ratatouille (2007), decía eso tan sensato de que los miembros de su profesión sólo se arriesgan en el hallazgo y la defensa de lo nuevo, olvidaba mencionar algo: que el riesgo, en muchos casos, está en saber distinguir lo realmente nuevo -o sea, lo que generará descendencia, transformará el lenguaje del medio- del mero hype -o sea, el efímero espejismo de seducción-. Con su segundo largometraje, Romeo y Julieta (1996), el cineasta Baz Luhrmann hizo los suficientes méritos para ser saludado como un innovador en toda regla. La posterior Moulin Rouge! (2001), si bien le consolidaba como cineasta a medida para la era del sampler y la apropiación, disparaba las alertas antihype.

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THE SPIRIT

Embalsamando el antifaz

A pesar de que, en una historieta aparecida en 1947, Will Eisner le tomó el pelo al mismísimo Orson Welles -a través del pomposo personaje secundario Awsome Bells-, no resulta exagerado afirmar que The Spirit bien podría ser el Ciudadano Kane de las viñetas: la sostenida intensidad formal de ambos trabajos parece resuelta a explorar (y casi agotar) las posibilidades expresivas de su respectivo medio en un deslumbrante recital de virtuosismo exhibicionista.

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PRIME TIME

El gran marciano

Si se hubiese estrenado hace 15 años, en las críticas hubiéramos podido hablar de su capacidad para la anticipación, de su discurso moralista, de su carácter premonitorio, y de sus fundamentos analíticos respecto de los peligrosos derroteros tomados por ciertos productos televisivos y de Internet. Pero con la que ha caído en el cine y en la tele de la última década, Prime time nace como una película muerta, como una película antigua, como un refrito de ideas carente de identidad, como un producto comercial de ínfimo nivel intelectual.

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EL LINCE PERDIDO

De Yellowstone a Doñana

Si ellos tienen el Parque Yellowstone, nosotros tenemos el Parque Nacional de Doñana. Si ellos tienen las Montañas Rocosas y el río Hudson, nosotros tenemos Sierra Morena y el Guadalquivir. Entiéndase por "ellos", naturalmente, a los norteamericanos, a la industria del cine y el espectáculo estadounidense. Y por "nosotros", al esforzado cine español, a la industria de animación patria, empeñada en hacerse cada fin de año con un trozo del inmenso pastel navideño de la taquilla, verdadero oro en tiempos de vacaciones infantiles. En definitiva, si ellos convirtieron en universalmente conocida una reserva natural gracias a las aventuras del oso Yogui y su apesadumbrado amigo Bubu, ¿por qué no íbamos nosotros a hacer lo mismo gracias a una especie tan autóctona como el lince ibérico? Al menos así se lo han propuesto Antonio Banderas, desde su apadrinamiento, y Manuel Sicilia y Raúl García, desde la dirección, con la meritoria película de animación infantil y trasfondo ecológico El lince perdido, la odisea de un ejemplar en peligro de extinción, ambientada a lo largo y ancho del mayor espacio protegido natural de Andalucía.

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CÁMARA OCULTA

Gentes de 'tele'

La muerte del director neoyorquino Robert Mulligan nos hace recordar aquellos tiempos de los cincuenta y sesenta en que la televisión era el camino que abría las puertas del cine. Arthur Penn, Martin Ritt, John Frankenheimer, Sidney Lumet y el mismo Mulligan, entre otros buenos, trasladaron a la gran pantalla lo que previamente habían experimentado en la tele emitiendo en directo historias complejas: El zurdo, Doce hombres sin piedad, Marty...

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Cine de gestión: 'El Intercambio'

"Una mujer frente al 'mobbing': la firme resistencia de la verdad"

9 de marzo de 1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una eficaz supervisora de un equipo de operadoras de la Pacific Telephone. Abandonada por su marido al nacer su hijo hace siete años, el niño espera en casa a la vuelta del colegio hasta que su madre acaba su jornada laboral. Sin embargo en tal día Christine comprueba al regresar del trabajo que su hijo -Walter Collins- ha desaparecido y lo denuncia al Departamento de Policía de Los Angeles (LAPD), sin conocer el grado de corrupción e ineficacia de dicha organización.

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El Puntazo (Editorial de LA RAZON)

Más candidaturas a los Goya que espectadores

Es notorio que el cine español demuestra más habilidad en lograr subvenciones que en atraer espectadores. Las cifras de este año serían para echar el cierre si este negocio se ajustara a la ley de la oferta y la demanda y no a intereses cejijuntos. Pero es que, además, nuestros incomprendidos cineastas están convencidos de que lo suyo es Arte con mayúsculas, la expresión más sublime de toda la historia de la cinematografía. O sea, la pera limonera, y si los españoles no van a ver sus genialidades, que se fastidien. Resulta gracioso que haya largometrajes que casi tengan más candidaturas a los Goya que espectadores. Por ejemplo, «Camino» tiene 7 candidaturas y 190.827 espectadores; «Sólo quiero caminar», que ha sido vista por 173.703 personas, opta a 11 galardones; y «Los girasoles ciegos», que aspira a 15 goyas por haber destrozado la magnífica novela de Alberto Méndez, ha vendido 655.000 entradas.

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EL INTERCAMBIO

Los ogros que acechan a los niños

Desde que Clint Eastwood, este director en posesión de esa cosa tan simultáneamente fácil y difícil de concretar llamada clasicismo, nos demostrara en la extraordinaria Bird su capacidad para hacer reales, emotivas y profundas las zonas de luz -pero sobre todo de sombra- de gente perdurablemente herida, cada una de sus crónicas ha despertado unas expectativas notables en los paladares selectivos, aunque, como certificara un espíritu muy racional, nadie puede ser sublime ininterrumpidamente. La menos inspirada de las películas de Eastwood es como poco interesante, y cuando le acompaña el estado de gracia es capaz de parir incontestables obras maestras como Sin perdon, Un mundo perfecto, Los puentes de Madison, Mystic river y Million dollar baby. Saltando de un género a otro con poderosa personalidad y consciente de que el lenguaje de la cámara y el arte de contar historias no tiene secretos para él, el mejor cine de Eastwood se alimenta de guiones con cuerpo y alma, guiones ajenos ya que él no los escribe ni los firma, pero a los que transparentemente integra en su universo y los dota de complejidad.

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EL INTERCAMBIO     Calificación:   ★★★★

Comparable sólo a sí mismo

El punto de mira de Clint Eastwood es único en estos tiempos, y su cine no es comparable a ningún otro de las últimas décadas. Se suele decir: Eastwood hace un cine clásico, y ya con eso nos quedamos más tranquilos y satisfechos. Y esa singularidad de su modo de mirar es tanto ética como estética, y de sus películas nunca saltan pensamientos fáciles, o hechos, o correctos... En fin, en su modo de pensar, de mirar y de plasmar hay riesgo auténtico (no eso estéril, pretencioso e inocuo que a veces se confunde con el riesgo), lo cual debiera de contradecirse con el hecho de que, en efecto, su modo de hacer cine, de narrarlo, podría considerarse clásico.

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EL INTERCAMBIO     Calificación:   ★★★★ (Sobre cuatro)

Una sociedad sin perdón

Cumplió 78 años el pasado 31 de mayo, poco después de haber presentado El intercambio en el Festival de Cannes, pero la edad ha convertido a Clint Eastwood en cineasta infatigable y por encima de la norma. El próximo 20 de febrero se estrenará aquí su nueva película como director, Gran Torino, la última -según ha anunciado- en la que también interviene como actor, y pronto hará realidad la promesa que le hizo a Morgan Freeman (su compañero de reparto en la extraordinaria Million dollar baby): filmar un biopic de Nelson Mandela.

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COMO EN CASA EN NINGÚN SITIO

Se armó el belén

En The king of Kong, el documental que le reveló como talento a seguir, Seth Gordon esbozaba algo parecido a una épica degradada para tiempos antiépicos: el universo de las máquinas recreativas se convertía en el escenario del titánico duelo entre un tipo empeñado en batir el récord mundial de puntuaciones en el juego Donkey Kong y un legendario jugador que se empeñaba en no ser expulsado del podio. Gordon ha pasado del documental al cine de ficción -y, al mismo tiempo, de la independencia a la primera división de los grandes estudios- con lo que sobre el papel -y en buena parte de su metraje- se plantea como una estimulante vuelta de tuerca, en clave cínica, a la comedia navideña. Lamentablemente, Como en casa en ningún sitio tiene tiempo de transformarse, a pesar de su conciso metraje, en una comedia navideña de fondo convencional y risas ahogadas en la mermelada del mensaje. En otras palabras, Seth Gordon podría haber hecho la película de Navidad para el espectador que odia las películas de Navidad: el resultado final combina una eficaz dinámica cómica -que contempla las celebraciones familiares como perfecto escenario para la humillación tronchante- con ese fastidioso punto de giro que interrumpe la diversión para forzar la moraleja. El director de un documental heterodoxo ha mejorado su estatus convirtiéndose en convencional director de comedias engañosamente atrevidas: la buena noticia es que, hasta que las cosas se tuercen, la propuesta resulta francamente hilarante.

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COMO EN CASA EN NINGÚN SITIO     Calificación:   ★★

La gomina y sus males

¿Qué nos atrae? El desparpajo, la frescura, la originalidad, la trasgresión inocente de las reglas sociales, los jetas simpáticos, el salirse de la raya... De todo eso -más la explosión desenfadada de unos cuantos tarados reflejados en unos «sketchs» ingeniosos, marginados en sí mismos- nos ofrece Seth Gordon durante casi una hora de proyección. Así que de una película en apariencia inerme, la clásica tontada norteamericana, se empieza uno a creer cosas y, sobre todo, se empieza a caminar hacia un mundo surrealista formado por una serie de familias partidas a cual más descerebradas. Se consigue así entrar en la cabeza alborotada de unos personajes pintorescos, absurdos e irreales.

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COMO EN CASA EN NINGÚN SITIO     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

¡Malditas Navidades!

A través de cuatro actos (las breves visitas de una pareja a cada uno de sus divorciados padres y sus correspondientes proles durante Navidad), esta comedia pretende desmontar la dicha de estas fechas señaladas, pero el veneno acaba escaseando en la misma proporción que aumenta el almíbar al final. Con todo, hay episodios chispeantes: el de Duvall y sus salvajes hijos o el juego de mesa en el hogar de Sissy Spacek.

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DI QUE SÍ     Calificación:   ★★

Sí, pero no

Jim Carrey es un tipo de cómico que trabaja en un trampolín y al borde del precipicio y no es raro que muchos consideren que se despeña constantemente y que otros tantos, en cambio, admiren su pericia, su valor y su desprecio al miedo (al ridículo). Dicho de otro modo: es tan fácil reírse con Jim Carrey como que te brote un sarpullido, pero, de un modo o del otro, él son sus películas. Y en todas ellas, por cierto, encarna a personajes imposibles, que se convierten en Dios, o en alguien que no puede mentir o, como ahora, en un tipo extravagante que sólo puede decir «sí».

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DI QUE SÍ     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Carrey en su salsa

Al parecer, tras la fracasada El número 23, Carrey ha decidido volver al terreno de la comicidad gestual, repitiendo la fórmula de Mentiroso compulsivo (ahí no podía mentir, aquí no puede decir no a nada), que deriva en una orgiástica exhibición de acrobacias faciales y corporales. El filme es divertido, pero una vez más se echa en falta que los exhibidores, con el pago de la entrada, no nos den un sonajero.

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PROTEGIDOS POR SU ENEMIGO     Calificación:   ★★

Poli bueno, poli malo

El errático rumbo que venía siguiendo la carrera del antaño prometedor Neil LaBute no se endereza precisamente con esta nueva obra. Lejos de los viciosos pero ajustados retratos de la guerra de los sexos que labraron su fama (como su debut, «In the company of men»), nos entrega ahora un thriller convencional; y el dramaturgo heredero de Mamet devenido en cineasta en esta ocasión no se molesta siquiera en firmar el guión. La guerra que narra aquí es entre razas y de aquí proceden los apuntes más interesantes de la función, si bien luego se diluyen en la proverbial trama de suspense y violencia. El racista es un policía negro que interpreta Samuel L. Jackson, lejos de los excesos de su «Shaft» pero sin molestarse tampoco más que en poner el piloto automático. El objeto de su intolerancia es el matrimonio mixto que se muda a la casa de al lado, en especial el marido blanco al que le afea enseguida que no va a hacerse más negro por escuchar música rap. La cosa no queda ahí, claro, y la escalada de acoso y derribo del policía se nos explica enseguida, lo han adivinado, porque tiene un trauma. Nada más que reseñar más allá de la pura mecánica del género de combustión lenta. Sirve para pasar el rato, pero sólo un rato: la verdad es que esperábamos, todavía, más de La Bute.

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PROTEGIDOS POR SU ENEMIGO

El mutis de LaBute

Durante un tiempo Neil LaBute estuvo muy cerca de ser el heredero natural de David Mamet. Con las excelentes In the company of men (1997) y Amigos y vecinos (1998), el hasta entonces dramaturgo se presentó a la audiencia cinematográfica como un autor vitriólico, cargado de cinismo y con una perturbadora visión acerca del género humano y sus relaciones de poder (sexual, afectivo, laboral, social...). Sin embargo, como queriéndose apartar de sus orígenes teatrales, de su lugar natural, LaBute fue convirtiendo en esporádicas las adaptaciones a la pantalla de sus propias obras (tan sólo Por amor al arte, de 2003) y acercándose a una suerte de cine de género, recubierto de un halo de autor, más impersonal de lo deseable. Así, después de insuflar frialdad en la volcánica Posesión, sensacional novela de A. S. Byatt, y de realizar un innecesario remake de la tan extraña como inquietante Wicker man, LaBute se acerca ahora al thriller psicológico con Protegidos por su enemigo.

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PROTEGIDOS POR SU ENEMIGO     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Mi adorable vecino

El ácido LaBute de En compañía de hombres y Amigos y vecinos ya nada tiene que ver con el domesticado fabricante de productos de consumo como el remake de Wicker man o este thriller psicológico en torno al enfrentamiento entre una pareja recién llegada a una zona residencial y su vecino policía, un ogro con la azotea averiada y los rasgos felinos de Jackson. La tensión avanza a ritmo de caracol y no motiva.

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LA SOMBRA DEL ICEBERG     Calificación:   ★★★

«Mystére» Capa

«What´s wrong with this picture?», cantaba Van Morrison dejando escapar una impensable carcajadita en mitad de la grabación. Y esa misma pregunta, con nota irónica incluida, se la hacen Doménech y Riebenbauer con «El miliciano muerto», icono bélico universal cuya concepción sigue siendo un enigma incluso con el reciente descubrimiento de miles de negativos de Robert Capa. Vertebrado a través de las «W» periodísticas, el trabajo es un estupendo, innovador y apasionante rastreo de tal «expediente X» (de hecho, el testimonio de un forense es el más desmitificador). Al final, lo que menos importa es si la foto fue un posado, como la banderita de Iwo Jima. Lo que más, su permanencia en la memoria colectiva 70 años después y el homenaje a un bando aquejado de olvido y a un artista enfermo de inmortalidad.

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EL VALIENTE DESPEREAUX     Calificación:   ★★★

Bendito roedor

Aunque la ratonera animada ya estaba como el metro de Tokio, la epopeya de este Topo Gigio con orejas de Dumbo se ha colado por la puerta grande gracias a un prodigioso diseño de escenarios «aflamencado», un argumento plagado de codazos clásicos, un mensaje heroico y algunos detalles sorprendentes (ese ayudante de cocina recién salido de un cuadro de Arcimboldo). Pulgar y medio arriba.

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EL VALIENTE DESPEREAUX     Calificación:   ★ (Sobre cuatro)

Más ratones animados

Aunque se inspira en un cuento de Kate Di Camillo, la correspondencia entre alta cocina y ratones hace pensar en Ratatouille, y el organizado submundo donde viven los roedores, en Ratónpolis. Vivimos una frenética moda ratonil en animación: siete días después del ratoncito Pérez, he aquí el aguerrido Despereaux, en un lujoso envoltorio de época, con ideas no desdeñables (esa criatura hecha de vegetales) pero un desarrollo cansino, sin punch.

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ESTÓMAGO

La cocina del infierno

A pesar de estar directamente relacionada con la comida, la palabra estómago suele estar más condicionada por la problemática de las posteriores digestiones que por las delicias culinarias previas al ejercicio del órgano en cuestión. Por eso el término se ajusta de forma tan perfecta a las interioridades de esta película. Estómago, debut en el largometraje del brasileño Marcos Jorge, pretende provocar una indigestión en toda regla, basándose en la ascensión social de un joven de pocas luces pero innegable talento para manejarse entre las cuatro esquinas de una cocina, desde la más moderna y equipada hasta la más cochambrosa.

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ESTÓMAGO     Calificación:   ★★★

Comedia visceral, drama austral

Reza el dicho que a los hombres se los gana por el estómago y esta película, de título explícito, viene a ser su confirmación. En la cinta, un paria semianalfabeto llega a la gran ciudad en busca del «gran sueño brasileño», si acaso existe tal cosa fuera de las canchas de fútbol y las pasarelas. Raimundo Nonato encuentra cobijo en un bar, donde trabajará como un esclavo a cambio de comida y un jergón. En un montaje paralelo, vemos cómo el protagonista (impresionante Joao Miguel, quien más que un actor parece un «nordestino» de verdad) sobrevive en la cárcel de la misma con las mismas armas que en su prisión exterior, merced a su talento como cocinero. Estamos pues ante un filme gastronómico, en el que los platos desfilan apetitosos y humeantes ante nuestros ojos, un recurso del que el cine no se cansa de extraer exquisitos manjares. Nos encontramos también ante un drama de intriga, entreverado de crítica social, que resuelve a fuego lento el misterio de por qué un hombre tan sencillo acaba en el talego.

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ESTÓMAGO     Calificación:   ★★★ (Sobre cuatro)

Gastronomía como metáfora

La gastronomía como representación de la sociedad ha proporcionado atracones de buen cine. De La grande bouffe a Comer, beber, amar o El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante. A partir de un don nadie que oculta grandes dotes para la alta cocina, Marcos Jorge estructura una malévola, cómica y también trágica metáfora sobre la gastronomía, el sexo y las desmedidas ansias de poder, todo ello aliñado con atinadas dosis de cinismo. Una película muy bien cocinada en su ajustada mezcla de géneros.

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Crítica de Cine

"Don Juan" (Don Giovanni) de Joseph Losey

«Mozart, en realidad, no necesita de ningún teatro (...) Pueden ustedes representar sus obras en un granero y sin decorados, pues causará la misma impresión que con la más brillante puesta en escena.» (Karl Böhm)

Una obra de arte puede ser una empresa individual o colectiva. Este Don Giovanni «concebido» (?) por el administrador saliente de la Opera parisina, Rolf Liebermann, es simplemente un «paquete»: igual que para lograr una película taquillera se coge un best-seller, un par de «estrellas», un buen equipo técnico y un realizador sumiso y eficiente, cuando la Gaumont decide producir un film «de prestigio» elige una obra maestra de la música -basada, además, en un mito literario universal-, contrata a los solistas de moda en la última temporada y a un director que -sin ser un especialista en Mozart- tiene buena reputación crítica y abundante discografía, y encomienda la puesta en escena y su filmación a los prestigiosos Frantz Salieri y Joseph Losey; por si no bastase con el decorador Alexandre Trauner, recurre a la arquitectura de Palladio, sin preocuparse demasiado de los dos siglos que le separan de Mozart ni de que Don Giovanni tenga España por escenario. Con tantos y tan abrumadores «fichajes», a ver quién se atreve a poner pegas a la idea, que encima se presenta -demagógicamente- como una tentativa de «democratizar» la ópera y ponerla al alcance de las «masas ignorantes».

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