Hola a todos.
Lamento si me salgo del tema.
Hace algunos meses fui a un concierto donde se ejecutaron obras
de "compositores contemporáneos" y, honestamente, creo que se
deberían replantear las reglas de composición del siglo XXI.
Es cierto que todas las propuestas musicales y artísticas surgen como
respuesta a un momento histórico determinado. Lo que me parece
terrible, es que los compositores jóvenes pretendan aplicarlas a
diestra y siniestra, sin plantear ideas de fondo.
Recientemente tuve una "clase magistral" de canto, no con una
cantante famosa, sino con uno de esos miembros del público que son
capaces de ir a la Scala de Milán a abuchear a los cantantes malos
(cosa que yo nunca haría) y no por ignorante, sino muy al contrario,
porque ha escuchado y visto demasiada ópera y, además, es una
investigadora incansable.
Y, para llegar al punto, me dijo una cosa que me parece crucial para
todo músico: Uno no canta exclusivamente para emitir sonidos
hermosos, sino también para trasmitir ideas. La música está en el
mundo de las ideas. En otras palabras, belleza sin substancia, no
tiene sentido.
Todo este rodeo viene al caso, porque creo que, tal vez lo "triste"
de la música del siglo XX no radica en que se hayan "replanteado las
reglas de la tonalidad", (porque todos esos planteamientos
innovadores tuvieron razón de ser en su momento) y la música no nos
guste tanto como la de los siglos anteriores, sino en el pocotón de
músicos que se escudan en "su musa" o en que son "demasiado creativos
e innovadores" para hacer composiciones extremadamente atonales, muy
poco creativas y que hasta son capaces de producir efectos
colaterales en el organismo.
Por otra parte, también creo que el hombre tiene una inclinación
natural hacia la Belleza. Y, en este caso, ¡qué viva la democracia!,
habría que hacer una encuesta a expertos y no tan expertos en la
materia, para preguntarles hacia qué tipo de música se sienten
naturalmente más inclinados: la de la edad media, la renacentista,
la barroca, la clásica, la romántica o la "contemporánea".
Tal vez eso nos ayude a responder este enigma de los "oídos
anquilosados".
Además habría que agregar algunas preguntas: ¿Por qué el común
denominador de las personas a lo largo del siglo XX fue
paulatinamente migrando de la "Música académica" a la "música
popular"? ¿Por ignorancia? ¿porque "los medios de comunicación se
han metido en la cabeza del colectivo y lo han llevado a preferir la
música popular antes de la música académica? (considero que contestar
afirmativamente ambas preguntas sería insultar la inteligencia de la
gente)
En definitiva, creo que la música del S. XXI debería volver caras al
interior del ser humano y responder un poco más a las inclinaciones
naturales del hombre (que conste, no estoy hablando de hacer música
New Age ni mucho menos). Y, para finalizar ¿por qué no replantear
las reglas de composición del Siglo XXI? Eso es un acto de valentía.
Saludos.
En la musica, asi como en la pintura hay compositores y pintores como el caso de
Picasso cuya genialidad reside en el nivel de abstraccion al que llegaron. Por
eso cuando uno ve un cuadro (de los buenos) de Picasso o ve La voix humaine de
Poulenc no lo puede apreciar por partes sino que hay que valorar el todo.
Por lo general en el caso de los compositores de Opera del SigloXX ellos
transmiten en la musica estados de animo de acuerdo al siglo y epoca en la que
vivian los compositores. Que sentido tenia que Picasso retratara o pintara
paisajes como lo hizo rembrant? ninguno pues los pintores anteriores ya lo
habian 'dicho' todo en cuestion de reproducir la realidad tal cual es.. Ademas
Picasso y otros como el son de una epoca en que la fotografia repoduce la
realidad.... asi que ellos plasmaron en sus obras al igual que los musicos
(todas las artes van siempre de la mano) estados de animo... condiciones
mentales todo aquellos que no se puede ver con lo ojos cotidianos ni con los
oidos distraidos que buscan solo lo hermoso...
Es que la Opera del Siglo XX hay que 'verla' con otros parametros quizas mas
intelectuales o mas profundos (en cuanto a la informacion que se necesita para
entenderla y no me refiera a la partitura o al idioma) y no por eso menos
validos...
Es una concepcion diferente ...
delmonac0 <no_reply@yahoogroups.com> wrote:Hola a todos
es verdad que en este mundo de la opera se tinede a quedarnos
anclados en el pasado, y creo que luis tiene parte de razón cuando
dice que puede ser por falta de calidad.
A mi la ópera me llega por su melodía, en primer lugar, y luego la
historia, y la escenificación. Por ejemplo, el otro día vi aqui en
Donosti, un Eugenio Onegin, lo mas pobre escenicamente que he visto
en mucho tiempo, pero la ópera llega por su musica. No así otras
óperas como "Dialogues des Carmélites" de Poulenc, que es la única
ópera que he visto en la que me he dormido. A mi me parece que la
ópera actual carece de musicalidad, o se puede decir que no la
entiendo, como cuando veo un cuadro de Miró, y digo, muy bonito,
pero no entiendo que tiene que ver con el titulo. En cambio es mas
facil identificarse con Aida, por su musica, como a mi se me hace
mas facil identificarme con un cuadro de Delacroix, que con uno de
Picasso.
Bueno, un saludo a todos
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Hola Luis!!
tanto tiempo!!
tenemos ejemplos de compositores que han realizado obras a la 'antigua' y la
verdad que no convencen....
Yo creo que si Mozart, verdi, Wagner Puccini y todos los compositores
considerados genios por su produccion Operistica vivieran en esta epoca sin
lugar a dudas transmitirian esa genialidad en obras que no copiarina ningun
estilo anterior porque ellos precisamente se destacaron porque introdujeron
nuevas sonoridades y valores musicales y de estilo a la Opera. Ademas usarian la
tecnologia del Siglo XXI para componer no la despreciarian ... solo que a
diferencia de muchos compositores contemporaneos.... usarian la tecnologia para
hacer lo que hicieron en su momento.. para transmitir el ARTE!!! imaginense si
Bach viviera hoy!!!! ( yeso que me estoy saliendo del tem porque el no compuso
Opera)....
seria maravilloso que resurgiera un genio en el siglo XXI que en vez de escribir
RUIDOS en el pentagrama.. escribiera con el alma y sin tanto intelecto....
Creo que los genios de antes no escribiena con el intelecto sino con el corazon
y desde el alma por eso son INMORTALES!!
Saluditos a todos desde el sur del planeta Tierra....
Cris
Hola Sebastian,
No creo que estemos anquilosados, si no que hay una carencia enorme
de creattividad artística de calidad.
Tenemos claros ejemplos de excelente calidad remontándonos tan solo a
más o menos de 50 años, Stravinsky, Britten, Montsalvatge...
Lo que pasa es que no todo lo actual es bueno, ese es el auténtico
problema, y si lo actual para que guste, sigue un
estilo "tradicional", es bastante carente de interés, por falta de
creatividad.
Un cordial saludo
Luis
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Hay algunos casos aislados como 'la Voix humaine' de Poulenc (basado si no me
equivoco en al turbulenta vida de edith Piaff, La medium de Menotti, El telefono
del mismo autor, Amal y los visitantes nocturnos (que fue escrita incluso para
la television), El niño y los sortilegios de ravel, etc
Esta musica se hace poco por lo menos en mi país (Uruguay) por el tema de los
derechos de autor... hay que pagar mucho dinero, porque incluso algunos
compositores aun estan vivos. Ademas la concurrencia del publico no es masiva
quizas por falta de costumbre a este tipo de sonoridad.
El publico uruguayo si bien es conservador (Verdi, Puccini, nada de Wagner lo
que es una pena realmente no saben lo que se pierden), tienen mucha afinidad con
los compositores franceses .... por eso 'la voz humana' aqui siempre ha sido un
exito al igual que El niño y los sortilegios de Ravel. Pero creo que el mercado
uruguayo no es precisamente un valor a tomar en cuenta no? :-)
Salu2 a todos
Cris
bastiweb <no_reply@yahoogroups.com> wrote:Parece ser que los grandes referentes
románticos y postrománticos de la
la gran óprea han opacado una parte importante de la producción lírica
del siglo XX y eso se evidencia también en los mensajes que aparecen en
este club. En muy contadas ocasiones se hace referencia a compositores
de un carácter más "moderno", posteriores a Puccini y del ámbito no
italiano o francés (descontando a Wagner). No hablemos de Strauss y sus
experimentos simbolistas en Salomé, para ello, quizá nos mantenemos en
el lirismo clásico del Caballero de la Rosa. Mucho menos del drama
descarnado de un Wozzek o de una Lulu bergiana. Es cierto, en estas
últimas no puede concebirse la melodía (si es que podemos liberarnos de
sus equemas tradicionales) sin relación al texto.... en alemán... y eso
por hablar de óperas ya octogenarias.
Resulta curioso que mientras en otras esferas artísticas, hablemos de
pintura, escultura, fotografía, cine o teatro, los concedores no
vacilan en introducirse en las desconocidas aguas de lo que es más
actual para poco a poco renovarse e ir acorde a su tiempo, la ópera
parece interesar, a la gran mayoría, no más allá del clásico repertorio
que viene siendo escuchado desde hace 100 años... allá en la época de
nuestras bisabuelas.... es cierto, la calidad no se invalida con los
años, muy al contrario, pero.... sucede tan poco actualmente o los
oídos de los melómanos amantes de la ópera se nos ha anquilosado?
un saludo afectuoso
Sebastián
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Hola a todos
es verdad que en este mundo de la opera se tinede a quedarnos
anclados en el pasado, y creo que luis tiene parte de razón cuando
dice que puede ser por falta de calidad.
A mi la ópera me llega por su melodía, en primer lugar, y luego la
historia, y la escenificación. Por ejemplo, el otro día vi aqui en
Donosti, un Eugenio Onegin, lo mas pobre escenicamente que he visto
en mucho tiempo, pero la ópera llega por su musica. No así otras
óperas como "Dialogues des Carmélites" de Poulenc, que es la única
ópera que he visto en la que me he dormido. A mi me parece que la
ópera actual carece de musicalidad, o se puede decir que no la
entiendo, como cuando veo un cuadro de Miró, y digo, muy bonito,
pero no entiendo que tiene que ver con el titulo. En cambio es mas
facil identificarse con Aida, por su musica, como a mi se me hace
mas facil identificarme con un cuadro de Delacroix, que con uno de
Picasso.
Bueno, un saludo a todos
--- En losamantesdelaopera@yahoogroups.com, bastiweb <no_reply@y...>
escribió:
> Parece ser que los grandes referentes románticos y postrománticos
de la
> la gran óprea han opacado una parte importante de la producción
lírica
> del siglo XX y eso se evidencia también en los mensajes que
aparecen en
> este club. En muy contadas ocasiones se hace referencia a
compositores
> de un carácter más "moderno", posteriores a Puccini y del ámbito no
> italiano o francés (descontando a Wagner). No hablemos de Strauss y
sus
> experimentos simbolistas en Salomé, para ello, quizá nos mantenemos
en
> el lirismo clásico del Caballero de la Rosa. Mucho menos del drama
> descarnado de un Wozzek o de una Lulu bergiana. Es cierto, en estas
> últimas no puede concebirse la melodía (si es que podemos
liberarnos de
> sus equemas tradicionales) sin relación al texto.... en alemán... y
eso
> por hablar de óperas ya octogenarias.
>
> Resulta curioso que mientras en otras esferas artísticas, hablemos
de
> pintura, escultura, fotografía, cine o teatro, los concedores no
> vacilan en introducirse en las desconocidas aguas de lo que es más
> actual para poco a poco renovarse e ir acorde a su tiempo, la ópera
> parece interesar, a la gran mayoría, no más allá del clásico
repertorio
> que viene siendo escuchado desde hace 100 años... allá en la época
de
> nuestras bisabuelas.... es cierto, la calidad no se invalida con
los
> años, muy al contrario, pero.... sucede tan poco actualmente o los
> oídos de los melómanos amantes de la ópera se nos ha anquilosado?
>
> un saludo afectuoso
>
> Sebastián
Hola Sebastian,
No creo que estemos anquilosados, si no que hay una carencia enorme
de creattividad artística de calidad.
Tenemos claros ejemplos de excelente calidad remontándonos tan solo a
más o menos de 50 años, Stravinsky, Britten, Montsalvatge...
Lo que pasa es que no todo lo actual es bueno, ese es el auténtico
problema, y si lo actual para que guste, sigue un
estilo "tradicional", es bastante carente de interés, por falta de
creatividad.
Un cordial saludo
Luis
Parece ser que los grandes referentes románticos y postrománticos de la
la gran óprea han opacado una parte importante de la producción lírica
del siglo XX y eso se evidencia también en los mensajes que aparecen en
este club. En muy contadas ocasiones se hace referencia a compositores
de un carácter más "moderno", posteriores a Puccini y del ámbito no
italiano o francés (descontando a Wagner). No hablemos de Strauss y sus
experimentos simbolistas en Salomé, para ello, quizá nos mantenemos en
el lirismo clásico del Caballero de la Rosa. Mucho menos del drama
descarnado de un Wozzek o de una Lulu bergiana. Es cierto, en estas
últimas no puede concebirse la melodía (si es que podemos liberarnos de
sus equemas tradicionales) sin relación al texto.... en alemán... y eso
por hablar de óperas ya octogenarias.
Resulta curioso que mientras en otras esferas artísticas, hablemos de
pintura, escultura, fotografía, cine o teatro, los concedores no
vacilan en introducirse en las desconocidas aguas de lo que es más
actual para poco a poco renovarse e ir acorde a su tiempo, la ópera
parece interesar, a la gran mayoría, no más allá del clásico repertorio
que viene siendo escuchado desde hace 100 años... allá en la época de
nuestras bisabuelas.... es cierto, la calidad no se invalida con los
años, muy al contrario, pero.... sucede tan poco actualmente o los
oídos de los melómanos amantes de la ópera se nos ha anquilosado?
un saludo afectuoso
Sebastián
Muchas gracias, pero vivo en Madrid. La ópera se estrenó en Buenos
Aires en 1964 y después en Estados Unidos pero nunca en España por
eso aquí es imposible encontrarlo.
Te sugiero, si eres de Buenos Aires, ir a la biblioteca del Teatro Colón.
Saludos . Turiddu
----- Original Message -----
From: mluisamarin
To: losamantesdelaopera@yahoogroups.com
Sent: Wednesday, March 26, 2003 12:22 PM
Subject: [los amantes de la opera] Don Rodrigo
Estoy buscando el libreto de Don Rodrigo de Alberto Ginastera.
¿alguien sabe como puedo conseguirlo?
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[Se han eliminado los trozos de este mensaje que no contenían texto]
On this day upon which we celebrate the 93rd birthday of the
beautiful Magda Olivero, for whom the word "miracolo" was invented, I
wanted to send you her personal greeting,as she sounds as vibrant and
joyful as always. My annual telephone call to her always brings me
great joy and the same wonderment that this lady is still so active
and is apparently in good health. She still gives her master classes
to students in Italy, and according to friends,is still capable of
illustrating her amazing technique in her classes with actual
vocalism.
As I have always stated, the speaking voice always reminds
me of the "verismo style," with that gorgeous Italian diction and the
depth of emotion and love of humanity that she has brought to so many
for so long. Those acquainted with her myriad live performances
(another great singer who recorded practically nothing commerically)
can always attest to her use of the word, the phrase,and I did remind
her of the Met debut I attended in 1975,when she was just a young kid
of 65,reminding her of the 20 minute ovation and the effect she had
on all of us.
I always delight in reminding the older singers of how much
joy they brought to countless audiences, and how they are not
forgotten.They are always so very happy and grateful that their many
contributions are recalled with fondness and appreciation. You know
that one of my main "duties" (pleasures) on these forums is to alert
the next generation (or those who just converted to opera) to the
glories of the famous artists who are no longer physically before the
public.,although Magda is still a vibrant presence in her country.
I am most fortunate to have caught her Fedora and Tosca here
in the 1970's and of course I must own close to 100 performances and
recitals featuring her,going back to the 30's and early 40's,and
then,after the long hiatus, from the late 50's all the way through
the 90's,including an amazing appearance in Spain in 1993,in which
the 83 year old Magda sings the Adriana arias and the "Sola,perduta"
from Manon Lescaut full voice,as if she just stepped on the stage 60
years before.
God bless this beautiful lady and I hope she makes it to
100....(and I have no doubt that she will still be singing!!)
Miraculously yours, Charlie
Hola a todos!!
¿Alguien me podría indicar un e-mail donde contactarme con la
boletería del Teatro Argentino de La Plata? o como conseguir la
programación del 2003.
Muchas gracias.
Me alegro de haber recibido,de un amigo en madrid, la Traviata en
Video con mi amiga Diana Soviero..INCREIBLE!!!!!! En la misma
categoria como Zeani y callas!!!!! Y Francisco Araiza es magnifico
tambien...Esta cinta viene de 1988...y ahora forma una raridad en mi
colleccion de mas de 2000 videos,la mayor parte, de opera viva.
Diana ha sido amiga para 25 años...y siempre trato de decir AL
MUNDO que ella merce muchismi,a mas atencion.......Ahora no canta
mas en publico pero ensena y da toda su vida a los jovenes
artistas......... Una amiga que ha llenado mi vida con tanta
alegria.....CH
Muchas gracias..y espero tener mas tiempo para escrbir..es que tengo tantas
cosas en mi vida..ensenando lenguas,cantando.....yendo al MET,etc.....pero
poco a poco espero narrar mas de mis experiencias...conozco a unos cantantes
famosos.Zeani,Resnik,Ramey,Soviero..Y Fedora era tan VIVA...que pecado!!!!!
Tu amigo carlos
Oh..otra persona que vive cerca de mi es tu compatriota..Delia Rigal....CH
[Se han eliminado los trozos de este mensaje que no contenían texto]
Hola Carlos:
Te leo en inglés en la lista Opera-l y ahora has comenzado a compartir tus
experiencias y tu pasión por la ópera en esta lista en castellano. Quería que
supieras cuanto te agradezco y quería darte coraje para que nos cuentes sin
miedo aunque te parezcan pavadas tus experiencias. Para mí que no tengo tantos
conocimientos, me resultan muy útiles y gratificantes.
Saludos.
Alejandro, Buenos Aires.
----- Original Message -----
From: Charles Handelman
To:
[Se han eliminado los trozos de este mensaje que no contenían texto]
En este momento estoy mirando el Video de la "Master Class" dada por
Fedora Barbieri aqui en Nueva York en Noviembre.....Que vitalidad!!!!!
Yo asisti a esta clase y pase tiempo con ella..que lastima que murio
recientemente..una mezzo-soprano increible...de mi juventud....Carlos
Una vida para la música: Tchaikovski.
Érase una vez... un lejano país mágico donde la fantasía y los
cuentos se hacían realidad... ¿A quién no le han contado alguna vez
un cuento o leído un clásico de la Literatura y se ha dejado llevar
por la fantasía y el misterio inmerso en él? ¿Quién no ha soñado que
en un momento determinado de su vida era el protagonista de un cuento
o de una novela donde los sueños podían llegar a ser realidad...? En
el artículo de este mes quiero hacer ver cómo la Música se sirve de
la Literatura para crear las más bellas composiciones inspirándose en
obras clásicas como "Romeo y Julieta", "Hamlet", "La
Tempestad", "Macbeth", "Sueño de una noche de verano"... o en cuentos
tradicionales de la literatura infantil, para componer bellísimas
piezas musicales, óperas y ballets... como pueden ser "La Bella
Durmiente", "Caperucita Roja", "La Bella y la Bestia", "El Gato con
botas"...
Toda producción literaria tiene un sentido, gracias a que supone un
determinado ambiente de cultura y sociedad; manifestando, de un modo
u otro, una actitud religiosa, filosófica, política... Todo esto hace
que las grandes obras se conozcan cabalmente porque trascienden, sin
abandonar su atmósfera de época, para elevarse también a otra
dimensión donde se hermanan e iluminan mutuamente. Me refiero a la
conexión existente entre la Literatura y la Música, donde las
palabras se entremezclan en las partituras y surgen las más bellas
composiciones musicales. Un fugaz ejemplo de músicos que se han
inspirado en la Literatura, ya sea clásica o infantil, para crear sus
producciones, podrían ser entre otros: Jirí Pauer que escribió el
libreto de "Caperucita Roja", Xavier Montsalvatge se basó en "El Gato
con botas", Giuseppe Verdi compuso "Macbeth", Benjamin Britten
recreó "Sueño de una noche de verano", Tchaikovski nos deleitó
con "Hamlet" o "Romeo y Julieta"...
La lista de compositores que hermanan Música y Literatura se
extendería mucho más, pero mi intención, es centrarme en uno de los
más destacados del siglo XIX, y por cuya obra siento una gran
admiración, me refiero al compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski.
Sin más preámbulos, viajaremos en el tiempo hasta Kamsko-Vótkinsk,
donde un 7 de mayo de 1840, nacía en la zona de los Urales,
Tchaikovski, que se convertiría, sin duda, en uno de los compositores
más sobresalientes del siglo XIX. Nacido en el seno de una familia
acomodada, pronto iniciaría estudios musicales (siendo aún un niño).
En su currículum académico, destacamos sus estudios de derecho en San
Petersburgo, así como su estancia en el Conservatorio de la misma
ciudad (donde estudiaría armonía, contrapunto, música sacra,
composición e instrumentación). Un aspecto sustancial en su formación
musical, fue entrar en contacto con los compositores y maestros Anton
Rubinstein (del que Tchaikovski recibiría clases de orquestación) y
Zaremba. En 1866 fue nombrado profesor de armonía en el Conservatorio
de Moscú, lo que le permitió independizarse de su familia y
relacionarse con los mejores compositores moscovitas. Allí el joven
compositor conocería al dramaturgo Alexander Nikolayevich Ostrovsky,
quien le escribió el libreto de su primera ópera "El voivoda" (1868).
Igualmente, cabe destacar su relación, en una visita a San
Petersburgo, con los máximos exponentes del nacionalismo musical
ruso: Rimski-Kórsakov, Moussórgski y Boródin, quienes le instaron a
componer una de sus obras más importantes y célebres: la obertura-
fantasía "Romeo y Julieta" (1869-70). De esta época también destacan
sus óperas "Undina" (1869) y "Oprichnick" (1872), el "Concierto para
piano nº1 en si bemol menor" (1875), las sinfonía nº 1 "Sueños de
invierno" (1868), nº 2 "Pequeña Rusia" (1873) y nº 3 "Polaca" (1875).
Sucesivas crisis nerviosas y amores desafortunados le sumieron en un
permanente estado depresivo que impregnó de melancolía sus obras de
madurez. Entre 1876 y 1890 mantuvo una intensa relación epistolar con
Nadiezhda von Mekk (aunque nunca se conocieron), viuda adinerada y
entusiasta de la música del compositor, quien se convirtió en su
mecenas durante todo ese tiempo. La fecundidad de la obra de
Tchaikovski aumentó durante este tiempo de relación con madame von
Mekk, perteneciendo a dicho período obras como las óperas "Eugenio
Oneguín" (1878) basada en una obra de Alexander Serguéievich
Pushkin, "La doncella de Orleáns" (1879), "Mazeppa" (1883) y "La
hechicera" (1887); los ballets "El lago de los cisnes" (1876) y "La
Bella Durmiente" (1889); "Variaciones sobre un tema rococó en la
mayor para violoncello y orquesta" (1876) y el "Concierto para violín
en re mayor opus 35" (1878); composiciones orquestales como
la "Marcha eslava" (1876), "Francesca da Rimini" (1876), "Sinfonía nº
4 en fa menor opus 36" (1877), obertura 1812 (1880), "Capricho
italiano" (1880), "Serenata" para cuerdas (1880), sinfonía "Manfredo
opus 58" (1885), "Sinfonía nº 5 en mi menor opus 64" (1888), la
obertura-fantasía "Hamlet" (1885) y diversas canciones. Mientras
tanto, en 1877, Tchaikovski se casó con Antonina Miliukova,
estudiante de música del Conservatorio de Moscú y alumna suya que le
había escrito confesándole su amor. El matrimonio no funcionó desde
el principio y se separaron al poco tiempo.
Desde 1887 hasta 1891 Tchaikovski realizó varias giras por las
principales ciudades de Europa y América, en las que obtuvo grandes
éxitos. En 1890 compuso una de sus mejores óperas: "La dama de
picas". A principios de 1893 empezó a trabajar en la "Sinfonía nº 6
opus 74", posteriormente titulada "Patética" por su hermano Modesto.
La primera interpretación de la obra, bajo la dirección del
compositor el 28 de octubre de 1893 en San Petersburgo, fue recibida
con indiferencia por el público. Murió nueve días después, el 6 de
noviembre de 1893.
Sus obras más conocidas se caracterizan por tener pasajes muy
melódicos con movimientos que sugieren una profunda melancolía que se
combinan con otros extraídos de la música popular. Tchaikovski
dominaba la orquestación; en particular, sus partituras de ballet
contienen efectos sorprendentes de colorido orquestal. Sus trabajos
sinfónicos, con un gran contenido melódico, también tienen un fuerte
desarrollo temático abstracto. Sus ballets, entre los que
destacan "El lago de los cisnes" y "La Bella Durmiente", todavía no
han sido superados en su intensidad melódica y en su brillo
instrumental. Compuestos en estrecha colaboración con el coreógrafo
Marius Petipa, representan el primer intento de utilizar música
dramática para danza después del ballet operístico del compositor
alemán Christoph Willibald Gluck.
"El lago de los cisnes" es, sin duda, una de las obras maestras del
ballet clásico tradicional más conocidas y populares del mundo por su
idea original, coreografía y, desde luego, por la música del
compositor Piotr I. Tchaikovski. Se estrenó en el Teatro Bolshoi de
Moscú en 1877 y, para 1895, con una concepción del mencionado Marius
Petipa y Lev Ivanov, logró un nuevo éxito en el Teatro Mariansky de
San Petersburgo: narra la historia del príncipe Sigfrido, quien es
invitado por sus amigos a una cacería en el lago cercano con el
propósito de distraerlo para que pueda elegir consorte. Los jóvenes
cazadores llegan a un lago dominado por el brujo Von Rothbart, quien
al verse desfavorecido por Odette la transforma en un precioso cisne
junto con su corte. En un enfrentamiento con los poderes mágicos del
brujo, Sigfrido hace triunfar al amor sobre las fuerzas de la maldad
y la venganza.
"La Bella durmiente", a su vez, es un ballet en tres actos basado en
el cuento de Perrault. Se inicia con el bautizo de la princesa Aurora
y la historia concluye con el beso del príncipe al final del segundo
acto. Sin embargo, se añade un tercer acto lleno de colorido y
encanto, en el que los personajes de los cuentos populares asisten a
la boda de los príncipes. Por las salas del palacio real desfilan la
princesa Florina y el Pájaro Azul, el Gato con botas, Caperucita y el
Lobo, Pulgarcito y sus hermanos, Cenicienta – pierde su zapato – o
las hadas, lo que da lugar a una serie de variaciones coreográficas y
de pas de deux muy bellos que conquistan rápidamente al público.
La obra de Piotr Ilich Tchaikovski, en definitiva, une la tradición
musical de Occidente con su propia y romántica expresión,
proporcionándole una intensa emotividad en la que sabe unir
magistralmente, en algunas de sus composiciones anteriormente
mencionadas, Literatura (como fuente de inspiración) y Música.
Con todo lo presentado en este artículo, a modo de pequeño viaje por
la producción del genial compositor ruso Tchaikovski, espero que haya
servido para ofrecer un breve pero intenso conocimiento de la misma y
dejar volar vuestra imaginación para descubrir el mundo de la
fantasía inmerso en la Música y la Literatura.
fidelio kreutzer
concuerdo completamente contigo, la música es una cuestión de
gustos, pero para mí, mozart es uno de los mas grandes genios de la
música (si no el más) y sus creaciones tienen una sensibilidad
especial que es difícil de transmitir, lo que las hace complejas y
deliciosas.
saludos,
yolanda muñoz
(corre)
Es injusto, ciertamente, decir que las óperas de Mozart no tienen
sentimiento, es una frase muy subjetiva, que clase de sentimiento se
busca en las óperas de Mozart, o a qué se referirán los que dicen eso…
Quizá los que afirmen tal cuestión, se sientan más identificados con
el estilo romántico italiano del siglo XIX de Verdi, o de Puccini, o
el más puro Bel Canto. Sin embargo, en música es cuestión de gustos,
la música para mi es como el vino, el que te guste a ti puede ser "el
mejor" porque a ti te gusta, no obstante de que haya quienes
catalogan tanto vino como música en distintos niveles.
Ahora, y después de esta breve opinión, me permito compartir este
pequeño escrito sobre:
Mozart: o la ópera de finales del siglo XVIII
Resumir la importancia de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) en la
historia de la ópera es una tarea difícil de cumplir con satisfacción
en un solo mensaje. Se podrían hacer tratados sobre su obra y
seguramente habrá quines lo hayan hecho. Este compositor, considerado
junto a Haydn un clásico vienés; nació con una enorme cuota aparte de
talento: como dijera Joseph Van Dam en su reciente visita a
Montevideo, «con el tiempo, uno llega a pensar que era un
extraterreste».
Pero además, el pequeño Wolfgang creció y se formó en una región
privilegiada, ya que el área de influencia de Viena contaba a la
sazón con la condición de ser gobernada por los Habsburgos,
reconocidos protectores de las artes y constructores de una capital
imperial cuyo cosmopolitismo y elevado nivel cultural la situaron, en
el siglo XVIII, por encima de cualquier otra ciudad europea.
Él supo desde niño que era genial, y sus contemporáneos se lo
reafirmaron día a día, ya que su capacidad interpretativa y su música
fueron veneradas por la gran mayoría de los aficionados a la música,
cosa que sigue sucediendo aún hoy en el mundo entero.
Mirando en perspectiva el conjunto de las obras líricas que dejó, se
comprende el acierto de Jean Duron al decir que «Mozart resume por sí
solo todas las dudas y las reflexiones de los compositores de finales
del siglo XVIII». En efecto, siempre trató de no repetir las
estructuras musicales en las que incursionaba, y no obstante su
espíritu apasionado, se mostró permanentemente atento al análisis de
los variados aspectos teóricos y técnicos que presenta el arte
operístico. A los 22 años, Mozart escribió una frase muy ilustrativa
de esta actitud rigurosa: «Me gusta que un aria quede tan a la medida
de un cantante como un traje bien hecho».
No hubo ningún aspecto de la lírica por el cual no se interesara y en
el cual no se destacara, por eso abordó casi todas las corrientes
importantes de la época: la `ópera seria', la `ópera bufa',
el `dramma gioccoso', el `singspiel', etcétera. En otras palabras, no
le fueron ajenas ni la tradición operística alemana, ni la italiana,
ni la francesa. Seguramente, además de la popularidad y de la
importancia social de la ópera, lo que más le atrajo a Mozart de este
género fue el desafío que supone la conjunción del teatro, la poesía,
el canto y la música en una misma disciplina.
Etapas de la ópera mozartiana
La carrera teatral de Mozart, es decir su actividad en el mundo de la
ópera, suele dividirse en tres períodos. El primero (de 1766 a 1772)
se da a partir de su traslado a Viena, cuando siendo un niño escribe
las primeras óperas bajo la atenta protección de su padre, Leopold
Mozart. Apolo y Jacinto y La finta semplice se cuentan entre aquellas
experiencias iniciales.
El segundo período (entre 1773 y 1780) se ubica luego de su éxito en
Italia, y está marcado en su peripecia vital, por los intentos de
conseguir un buen puesto cortesano desde el cual poder componer con
tranquilidad. Desde el punto de vista de su producción operística,
sigue siendo un período de pruebas diversas: de esta época se
recuerdan Thamos y el melodrama Zaide, entre otras obras.
La tercera etapa comprende la década final de su vida y comienza con
la composición de Idomeneo, una `ópera seria' que todos los analistas
señalan como la primera gran realización dramática de Mozart. A los
25 años entonces, como plantea Hugh Ottaway, el compositor de
Salzburgo logra –bajo el influjo de los ideales de Gluck–
combinar «las tradiciones italiana y francesa con gran maestría»,
dotándolas además de una «simpatía y penetración psicológica que
constituyen la `modernidad' de Mozart».
De este período de madurez datan las tres renombradas óperas que
Mozart compusiera en sociedad con el libretista Lorenzo da Ponte: Le
Nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1786) y Cossì fan tutte (1790).
Las bodas de Fígaro, una `ópera bufa' de ascendencia italiana, se
estrenó sin demasiado destaque en el Burgtheater de Viena, en 1789;
logrando al año siguiente un resonante éxito en Praga, donde fue
dirigida por el propio autor. Este triunfo lo llevó a componer, pocos
meses después y en tiempo récord, su famoso Don Giovanni. Mozart
estaba viviendo el período más duro y doloroso de su corta e intensa
vida: su hijo más pequeño y su amigo, el conde Hatzfeld, habían
muerto, y la salud de su adorado padre, empeoraba día tras día.
Parecería que estas dificultades templaron su pluma, llevándolo a
crear situaciones dramáticas de gran intensidad que conviven a la
perfección con los aspectos `bufos' o graciosos, por cierto más
triviales.
El malogrado genio se despediría de la ópera y de la vida con La
flauta mágica (1791), que según afirma Edward Dent en su gran libro
Mozart's Operas, constituye «la primera y tal vez la única obra
maestra creada deliberadamente para las masas».
Ireri Calderón Santana.
traviata_sempre_libera
Hola a todos. Lamento entrometerme y celebro que te gusten las
óperas de Mozart, porque son realmente entretenidas, bellas y
profundas.
Me meto entre ustedes dos, por la sencilla razón de que a Mozart le
sale quien lo defienda y porque yo no creo que sea carente de
sentimiento. Incluso me arriesgo a preguntar: ¿Quién es el que
realmente no tiene sentimiento: el compositor, el oyente o el
ejecutante?
Ninguna ópera de Mózart es fácil de comprender y de interpretar. No
me refiero exclusivamente a la parte musical, sino también en cuanto
a la construcción de los personajes.
Aparentemente, son obras "ligeras" pero esa es sólo la fachada.
Mozart es profundamente psicológico y complicado. Cada uno de sus
personajes nos enseña algo de ese "lado oscuro" que todo ser humano
lleva por dentro y que no siempre es capaz de admitir que posee.
Una cosa es que sea "sano" para la voz y para la ejecución
instrumental y otra muy distinta es que sea "fácil" y "accesible".
Tal vez digan que "no tiene sentimiento", porque tanto intérpretes
como oyentes se limitan al tan cacareado "estilo" (y a ver si a la
soprano de turno le sale el fa sobreagudo de la reina de la noche) y
no se profundiza en el contenido. Me aventuraría a decir que muchos
ni siquiera se toman la molestia de realizarle una "lectura entre
líneas" a sus óperas.
Finalmente, reitero mis disculpas por la intromisión, pero creo que
resulta muy injusto decir que Mozart carece de sentimiento.
Saludos.
> Estimada Traviatta
>
> Me encantó tu resumen y me gustaría profundizar algunos temas,
tanto
> de autores como de cantantes. Para empezar me gustaría tener tu
> opinión de las operas de Mozart. A mí me gustan mucho, sobre todo
las
> últimas, pero conozco gente de gran conocimiento que opinan que no
> tiene sentimiento. Me interesa tu opinión.
>
> Un abrazo
>
> Jaime
--- En losamantesdelaopera@y..., traviata_sempre_libera
<no_reply@y...> escribió:
> Una invitación a la ópera...
>
> Por Ireri Calderón Santana
> traviata_sempre_libera
>
> El género lírico, conocido cómo operístico también, es mi pasión y
lo
> pongo de manifiesto en las oportunidades que he tenido de poder
> compartir un poco con los cibernautas que entran a las salas de
chat
> de Yahoo y donde he conocido a algunos personas y amigos que
> disfrutan también de la ópera.
>
> La Ópera; como género de una de las Bellas Artes: la música; me
hubo
> cautivado desde mis años infantiles, recuerdo vivamente que la
> primera ópera que escuché fue "Marina" de Emilio Arrieta,
compositor
> español, y aunque esta ópera es considerada como Zarzuela, fue la
que
> me abrió las puertas a este maravilloso mundo donde se han
> manifestado todas las artes globalizadas en un género maravilloso e
> imponente, que se disfruta auditiva y visualmente, pero sobretodo
con
> el corazón y el alma.
>
> Mi gusto por los idiomas y el poder haber tenido la oportunidad de
> estudiar varias lenguas, también constituyó una herramienta para
> disfrutar plenamente de éste maravilloso mundo; pero, el hecho de
no
> conocer el idioma en que está escrita una ópera no constituye
> obstáculo alguno para poder disfrutar de la grandeza y belleza de
> éste genero musical.
>
> Este escrito es, pues, una invitación a adentrase a en el
maravilloso
> mundo del género lírico dramático donde se conjugan, como dije
antes,
> todas las Bellas Artes conocidas. Así tenemos pues, que en la Ópera
> encontramos básicamente a la voz humana como instrumento principal,
y
> donde se le permite destacar y exponer toda su magnificencia y
> capacidades de instrumento con la música; encontramos también, las
> artes plásticas en la escenográfa que se crea para montar las obras
> (inclusive, los carteles que se elaboran para promocionar las
óperas
> han sido algunos verdaderas obras de arte gráfico); el teatro o la
> literatura se hacen presentes en los bellos libretos que se
escriben
> a manera de excelsos poemas, muchas arias son en efecto, verdaderos
> poemas; y en algunas óperas se incluyen ballets, así que la danza
> también está presente en éste magnífico género. Con todo esto, lo
que
> yo haya experimentado al disfrutar este género musical, puede ser
muy
> subjetivo; y cada oyente, cada espectador, puede regocijarse a su
> modo personal con una amalgama exquisita de experiencias al
> convertirse en amante de la ópera.
>
> La ópera tiene sus raíces en la antigua cultura griega, donde se
> desarrolló el gusto por la tragedia y la comedia, las que eran
> presentadas con acompañamiento de música de instrumentos de la
época;
> por lo que, las raíces mismas de la ópera las encontramos en esa
> aportación cultural universal que nos legaron los griegos.
>
> Y, necesariamente al correr de los años, surgen entonces en la Edad
> Media los madrigales y cantatas que los juglares llevaban a todos
los
> públicos, y en esta primigenia manifestación musical se contaban
> también historias; posteriormente varios compositores del
> Renacimiento hacen surgir la ópera como tal, como género musical
> lírico dramático, donde los argumentos o historias llevadas al
> escenario se basan en fábulas y leyendas de la antigua Grecia. De
> modo que, va desarrollándose este género a lo largo de la historia,
> en cada período cada compositor aporta sus ideas y conceptos al
> género operístico, el cual a veces sirvió para llevar a los
> escenarios, velada o directamente, crítica política o religiosa, o
> simplemente exponer una ideología, un sentimiento personal o una
> visión propia del mundo y compartirlo al público espectador y
oyente.
>
> Así tenemos, por ejemplo, que la búsqueda espiritual de lo excelso
de
> los compositores barrocos se manifestó en sus óperas, utilizando
> voces angelicales y arias de ensueño. Y Mozart, en el periodo
> Clásico, exhibiendo las modas de su tiempo y haciendo critica de
las
> debilidades humanas que eran censuradas en su época, pero también
> buscando la libertad de pensamiento y de lo excelso. Luego,
> Beethoven, en el umbral del Romanticismo, vierte sus ideas
> revolucionarias y sus conceptos de fidelidad y amor ideal en su
> célebre y única opera "Fidelio"; y entonces, llegamos al
> Romanticismo, donde bullen las ideas de libertad, igualdad,
> fraternidad; Y es en este período donde la ópera encuentra tanto
sus
> máximos creadores como exponentes, obras que van desde la comedia,
> hasta la tragedia. Los Bel Cantístas otorgando la belleza a este
> género en su más pura expresión, tanto en la selección de sus
> argumentos, como en la creación de sus arias para voces perfectas,
> haciendo una refinación del género; Los Nacionalistas Románticos
como
> Verdi, Dvorak, Tchaikovski, que utilizan las tramas de sus óperas
> para exponer las falsedades de las sociedades de su época, para
> reclamar veladamente o no, pero si exhibiendo a los que someten de
> alguna manera o de otra a las conciencias, y a lo que puede llevar
a
> los seres humanos esto.
>
> Y punto y a parte merece en este período Romántico, el
controvertido
> Wagner, quien aporta a la música la magnificencia del uso de una
gran
> orquestación, la creación del leit motiv o motivo conductor, la
> bipolaridad o la multidimencional exposición de la música, además
de
> que ha sido el único compositor dentro de la historia de la ópera
que
> fue capaz de crear sus propios libretos, así que imaginad el
dominio
> de las artes de tan magistral mente creadora, que expuso a través
de
> su arte, sus ideas románticas y revolucionarias en sus obras,
> completamente suyas, y ahora legado de la humanidad. Llegamos,
> entonces a la época modernista, y aquí Puccini, quien hace homenaje
a
> la mujer, acentuando las características de nosotras las mujeres,
> exponiendo en sus heroínas todas las capacidades que tenemos las
> mujeres para amar, crear, luchar, morir, y mostrando todas las
> facetas del alma femenina; creando para ello puntos culminantes en
> sus óperas, tales como que las más bellas arias de ópera se hayan
> creado, plenas de dramatismo, pasión, belleza han sido compuestas
por
> Puccini ¿Quién no lo ha experimentado, por muy neófito que pueda
ser
> en el género operístico, en arias puccinianas, como "Un bel di" de
> Madama Butterfly, o el "Vissi d'arte" de Tosca, emociones sublimes
> que pueden llevar al llanto, o por lo menos sentirlas en el
corazón?
> Después, llegamos al verismo y postmodernismo, corrientes del
género
> operístico donde se trata de mostrar y exponer situaciones reales y
> vivencias cotidianas del ser humano dentro de las óperas que se
> crearon en estos periodos; como ejemplos tenemos las celebres
> Caballería Rusticana, I Pagliacci, pasando por Andrea Chenier, o el
> Wozzeck de Alan Berg.
>
> Pues, si amigos… podría estar así hablándoles de infinidad de cosas
> sobre este género musical, que como ya saben es mi pasión… Los
invito
> entonces a que se den la oportunidad de disfrutarlo, no se
> arrepentirán… ¡Abran su corazón y es posible, que se lleguen a
> identificar con más de un personaje, trama, aria o compositor de
este
> espectáculo sin limites que es la Ópera!
>
> Vívanlo, escúchenlo, disfrútenlo… ¿Aceptan entonces, la invitación?
>
> traviata_sempre_libera
Estimada Traviatta
Me encantó tu resumen y me gustaría profundizar algunos temas, tanto
de autores como de cantantes. Para empezar me gustaría tener tu
opinión de las operas de Mozart. A mí me gustan mucho, sobre todo las
últimas, pero conozco gente de gran conocimiento que opinan que no
tiene sentimiento. Me interesa tu opinión.
Un abrazo
Jaime
I sit here thinking back to the Barbieri career and wanted to mention
some more of the experiences I had hearing her in the olden days at
the old and new Met.
I recall the very first moment I laid eyes on her, staring
into the flames as the curtain opened on act two Trovatore.She wore a
kind of purple dress as I recall,and even 50 years ago,I do remember
that organ-like "Stride la Vampa"echoing through the house. Shortly
after,around 1952, I recall an Aida with Delia Rigal and Mario del
Monaco in which I was shocked that Fedora actually took the
word "Anatema" at the very end of the Judgement Scene IN CHEST! You
know how HIGH that is????? Just before the "su voi!" Maybe that is
why some top notes tended toward flatness, but who cared?
Then came that incident at the end of the Act Three Trovatore
Encampment Scene,on Feb.22,1954,where her famous insane burst of tone
at the "DEH rallentati,o barbari"tore the roof off the theatre. (NO
recording does that moment justice)and Warren refused to allow her to
come out for a solo, resulting later in Bing stopping solos entirely.
(This was also related to the various "Booing-Baum" incidents of the
same year.)
I made some tapes for Fedora in 1976,and visited her backstage
after a Suor Angelica/Schicchi, reminding her of the above incident.
She proceeded to launch into the exact same moment backstage! What a
cwazy lady!!!!!
Again, last October, when she appeared at Manhattan School of
music for a master class, I repeated the same story, presenting her
with CD's of the Barcelona Azucena from 1966 (voice pretty much
worn,but still insane!). The next day was the Licia Gala,and as I
said before she sang "Dicitincello vuie" to the audience in total
chest voice a capella, and told us how she loved all of us..and then
outside signed photos,not sparing the vocalization!
I now can recall so very fondly these Fedora experiences..how
full of life she was..and so those memories can sustain me a bit at
this time of sadness at her loss.
I love Stignani and Cossotto and Simionato and Elmo as great Italian
mezzos, but Fedora still made the most impression on me and I am glad
I caught her at almost the very end of her glorious life!
Gee.that Feb.22,1954 cast is all gone
now....Milanov,Warren (the meanie),Penno (loudest top I ever heard in
my life),Moscona, and McCracken (the messenger!), and dear Fedora has
joined them. I wonder what she will say to Warren....(Unrepeatable in
any language!!!!)
Carlo
Queridos amigos,
No he traducido al espanol este articulo sobre Fedora...que you
escribi..pero lo presento aqui:
I am most terribly saddened at the passing of the great Fedora
Barbieri, not only because she has always been my favorite Italian
mezzo, but especially since we just spent time with her when she came
here for a master class and for the Licia Albanese Gala. No one was as
full of life as Fedora, and those who were outside after the Albanese
Gala (and we have what now will be the last photos of her in this
country)can attest to her signing autographs, letting out those chest
tones (and she sang "Dicitincello vuie" a cappella at the Gala),and
having so much fun with her adoring fans.
In the last years I used to be treated to her "repertory" on the
phone,when I wished her a happy birthday. I always had to hold the
phone far from my ear, and it recalled that "colpo di cannone" voice I
first heard at the old Met in Aida,Trovatore,Norma, and later in
Falstaff and Suor Angelica/Gianni Schicchi. The voice was a phenomenal
"organ" and you were positively riveted by the enormous tone. She was
able to carry the chest voice very high, possibly accounting for some
flatness on top (Eboli was a bit beyond her),but the "Fedora
experience" was still something I can take with me for all the rest of
my days, and seeing her so recently gave me the chance to tell her
(again) how much she meant to me and to her many fans.
Yes, she was a true "peasant" in deportment,and I often
compared her to Anna Magnani in "The Rose Tattoo," but so what...she
was who she was,and she brought joy to so many people,and had a
fabulous operatic career of over 35 years, later singing roles like
Mamma Lucia and Giovanni in Rigoletto (in the film). Funny...just
Saturday,I dialed her number, wanting to tell her I was going to send
some CD's and some photos of her Licia Gala appearance....but now that
great lady is stilled...well,stilled in her physical being, but never
ever in my heart .
As my eyes fill with tears at this very moment,I have her
Judgement Scene on the CD player, and every time I listen to her from
now on, I will always remember this crazy lady who made us all laugh
so much only a few months ago,and whose voice echoed magnificently
throughout the Met as I began to discover opera.
Little by little they leave us...but that is what life (and
death) is all about,and we must rejoice that at least we partook of
some portion of the great talent that these many artists spread among
us. Addio,cara Fedora....I think the walls of heaven (I think you
made it.....there are other sinners up there) must have to be
reinforced today because I do not think they could hold all that those
chest tones!
Let me now pause in my daily chores and just remember you.
In loving remembrance Charlie
¡Saludos coolisteros y compasionarios operofílicos!
Quiero compartirles una invitación de la que me enteré
hace poco y que creo que para los que radican en la
Ciudad de México podría parecerles interesante y,
aunque es publicidad, creo que es totalmente
pertinente a las características de la lista.
El Museo Soumaya organizará en breve un curso
impartido por el Dr. de la Peña en sus instalaciones.
Los datos son los siguientes:
Introducción a la ópera
Primera parte
Impartido por Ernesto de la Peña
Temario
El nacimiento: Florencia
El primer Clasicismo: Mantua
Venecia: la ópera se populariza
Francia: de la tragédie lyrique a la “gran ópera”
Inglaterra: ópera y mascarada
Las primeras cumbres: Purcell, Händel
El legado: Delius, Britten y Tippett
Christoph Willebald, Ritter von Gluck
La reforma gluckiana
La ópera en el mundo germano: Hamburgo
José II y el Nationalsingspiel
Wolfgang Amadeus Mozart
El largo brazo de Italia frente a la germanidad: ópera
y Singspiel
El universo operístico italiano:
De Scarlatti y Cimarosa a Rossini, Donizetti, Bellini
y Verdi
Richard Wagner: ópera y drama musical
El romanticismo francés
Impresionismo, neoclasicismo: Debussy, Ravel
Los nacionalismos
Vuelta a la realidad: Puccini y el verismo
Poswagnerismo
La escuela de Viena
El incierto presente: el más incierto porvenir
Inicio: Miércoles 12 de marzo
Horario: 17:00-20:00 hrs.
Duración: 16 sesiones
Costo: $1,000.00
Lugar: Museo Soumaya, Plaza Inbursa (antes Plaza
Cuicuilco)
Informes e inscripciones:
Museo Soumaya, Plaza Loreto
Av. Revolución y Río Magdalena, Tizapán, San Ángel
56 16 37 31 / 56 16 37 61
Museo Soumaya, Plaza Inbursa (antes Plaza Cuicuilco)
Av. Insurgentes sur 3500, Col. Peña Pobre
Teléfono 52 23 17 48 / 52 44 09 16
Nota. El curso completo está conformado por tres
ciclos de 16 sesiones cada uno.
Ernesto de la Peña estudió la carrera de Letras
Clásicas en la facultad de Filosofía y Letras de la
UNAM, institución de la que formó parte del cuerpo de
traductores de lenguas clásicas. Estudió lenguas
occidentales y orientales y conoce actualmente treinta
idiomas. A lo largo de su vida se ha dedicado al
estudio de la Biblia. Ha sido conferencista de temas
humanísticos en general y especialmente los
relacionados con letras clásicas (griego y latín), y
la Biblia. En el Centro Nacional de las Artes impartió
varios ciclos sobre mitos, y otros acerca de la
historia de la ópera. Ha publicado libros como Los
Evangelios de Mateo, Marcos, Lucas y Juan (traducción
directa del original griego al español), Las
estratagemas de Dios, El centro sin orilla, Las
controversias de la fe y La rosa transfigurada. Ha
trabajado largo tiempo para la televisión y el radio y
ha sido colaborador de diversos diarios y revistas, en
particular, El Sol de México y la revista Siempre!.
Actualmente, es miembro del Consejo de la Ópera del
Instituto Nacional de Bellas Artes; miembro del
Consejo Consultivo del Archivo General de la Nación y
de Fundación Televisa; director del Centro de Ciencia
y Humanidades de Fundación Telmex y editorialista de
Excelsior.
Espero que les atraiga y asistan.
Saludos,
Francisco Monterrubio
_________________________________________________________
Do You Yahoo!?
Información de Estados Unidos y América Latina, en Yahoo! Noticias.
Visítanos en http://noticias.espanol.yahoo.com
¿POR QUÉ NOS GUSTA PUCCINI?
¿Por qué Puccini? ¿Qué hay de especial en su música? ¿Por qué nos
hace llorar cuando muere Liu? ¿Por qué nos hace gritar "Mimi, Mimi",
como Rodolfo, cuando muere Mimi? ¿Por qué nos emociona tanto al
escuchar su música? Quizás la mejor repuesta la tenga Placido
Domingo. Dice el tenor " Con Verdi aprendí a cantar, con Puccini a
sentir la música." En otras palabras, con su melodía mágica, Puccini
nos transporta desde la oscuridad con sus temas y acciones a la
felicidad y la belleza.
Puccini es un músico totalmente distinto a sus antecesores Rossini,
Donizetti, Bellini, o Verdi. Su relación con la palabra, el sonido y
la dramaturgia es aún mucho más sutil. En realidad, Puccini entiende
la opera como el teatro, practicándolo, conociéndolo, dominándolo y
creando así una nueva dimensión teatral con los medios operísticos.
En una carta a su libretista Giuseppe Adami, le dice "Los
acontecimientos han de ser transparentes, ricos en contrastes, y han
de entrar más por los ojos que por el oído", demuestra que es un
hombre de sensaciones ópticas.
Todo el mundo está de acuerdo en un punto: Puccini nació para el
teatro musical. El maestro posee un entendimiento profundo del
énfasis lírico, y de las curvas dramáticas. Cada acto está bien
diseñado, bien programado, sin apartarse en ningún momento del tema,
ni poner una palabra, un sonido, un movimiento o un episodio de más.
Su música siempre continúa con la línea dramática y con el movimiento
de la escena.
Puccini tiene una gran sensibilidad para describir los sentimientos
con una melodía expresiva. El brillo y la finura de su lenguaje
orquestral consisten en dibujar detalles y clarificar situaciones en
pocos compases. Un ejemplo sencillo: En el 4º acto de La Bohème,
Cuando entra Musetta y dice "ce Mimi, ce Mimi che me segue e che sta
male. Nel Far le scale piu non si resse", la orquesta expresa
exactamente los sentimientos de Rodolfo en 6 compases después de que
éste grita "Ah". La orquesta es un elemento esencial para la opera
pucciniana. Las palabras cantadas y la orquesta se complementan
mutuamente, creando ambientes, expresando sentimientos y describiendo
la historia. Juntos consiguen "una sincronización fantástica de
acción y música" como dice Karajan.
Podemos decir en términos actuales que Puccini es un genial
compositor para la imagen, no solo tiene habilidad para describir los
sentimientos, sino también posee la extraordinaria capacidad para
describir lugares precisos. Cada una de sus partituras poseen un
clima especifico, lo parisino en La Bohème, lo romano en Tosca, lo
japonés en Madama Butterfly, lo americano en La Fanciulla del West, y
lo chino en Turandot. Su música es esencialmente de brillante
colorido. Puccini sabe perfectamente como captar y recrear ambientes
distintos por medio de una precisa orquestación. El maestro, con su
elaborada lírica italiana, crea un mundo de imágenes con la seguridad
y la frescura excitante del músico de teatro nato.
Actualmente es uno de los grandes referentes de la música para la
escena y el cine, y ha servido de inspiración a un gran número de
compositores en este campo. Además de la caracterizada armonía, la
bella melodía y el ambiente que describe con la música, los
personajes también favorecen a la opera pucciniana. Ardor vital,
amargos deseos, dolor y placer juegan con la comedia y el drama en
todo momento. Los personajes femeninos que en su mayoría viven,
sufren y mueren por amor, son irreflexivos y pertenecen a una clase
social baja-media. Los héroes de Puccini no son reyes, ni nobles,
sino personas corrientes con los que la gente del publico podrían
identificarse.
El estilo compositivo de Puccini sigue el desarrollo de la música del
siglo XX, pero no está limitado a lo moderno. Nunca se cansa con la
repetición de formulas tradicionales, tampoco se asusta con la
introducción de elementos nuevos. Su última opera Turandot, que está
influida por La Consagración de la Primavera de Stravinsky, es la más
vanguardista. Contiene pasajes en los que la polifonía tradicional se
muestra muy enriquecida a través de la politonalidad, y una compleja
orquestación. Sin embargo, según dice el propio
compositor: "Comparándola con las obras de Schöenberg, Turandot será
una obra antigua antes de nacer, pero será una buena obra."
Quizás los méritos de Puccini nos hacen pensar en un niño prodigio.
En realidad no es exactamente esto, es, mejor dicho, un trabajador -
perfeccionista. Su habilidad para describir lugares con precisión
viene de numerosos estudios e investigaciones. Cuando componía Tosca,
se fue a Roma para estudiar el sonido de las campanas de las
iglesias, habló con un cura sobre la liturgia para el "Te Deum", y
consultó al poeta Luigi Zanazzo sobre el verso de las canciones
pastorales. Durante el transcurso de la composición de Madama
Butterfly, Habló con la mujer del embajador japonés sobre el
auténtico motivo del folklore japonés. Con Turandot ocurrió lo mismo.
El propio Puccini escribió al Museo Británico para conocer partituras
originales de las melodías chinas. Puccini es muy exigente con su
trabajo, y con todos los que le rodean. Vigila los matices de los
libretos para que la elección de los términos esté conforme con sus
previsiones y ordenados según su lógica. Supervisa los ensayos y
representaciones de sus operas. Su Tosca favorita María Jeritza
dice "A veces me enfado tanto con Puccini por su rígida exigencia, y
los repetitivos ensayos, él me dijo en una ocasión "si te levanto a
las 3 de la madrugada y te pido cantar un Do sobreagudo, tienes que
hacerlo."
En efecto, las operas puccinianas muestran su agudo sentido teatral,
su dominio del color, su entendimiento del motivo y su originalidad
de la armonía, creando así una coordinación perfecta entre el
argumento, la palabra, el leitmotiv, la música, la acción, el
movimiento y el ambiente. Por tanto, hasta el día de hoy sigue
emocionando a los espectadores.
fidelio kreutzer
Una invitación a la ópera...
Por Ireri Calderón Santana
traviata_sempre_libera
El género lírico, conocido cómo operístico también, es mi pasión y lo
pongo de manifiesto en las oportunidades que he tenido de poder
compartir un poco con los cibernautas que entran a las salas de chat
de Yahoo y donde he conocido a algunos personas y amigos que
disfrutan también de la ópera.
La Ópera; como género de una de las Bellas Artes: la música; me hubo
cautivado desde mis años infantiles, recuerdo vivamente que la
primera ópera que escuché fue "Marina" de Emilio Arrieta, compositor
español, y aunque esta ópera es considerada como Zarzuela, fue la que
me abrió las puertas a este maravilloso mundo donde se han
manifestado todas las artes globalizadas en un género maravilloso e
imponente, que se disfruta auditiva y visualmente, pero sobretodo con
el corazón y el alma.
Mi gusto por los idiomas y el poder haber tenido la oportunidad de
estudiar varias lenguas, también constituyó una herramienta para
disfrutar plenamente de éste maravilloso mundo; pero, el hecho de no
conocer el idioma en que está escrita una ópera no constituye
obstáculo alguno para poder disfrutar de la grandeza y belleza de
éste genero musical.
Este escrito es, pues, una invitación a adentrase a en el maravilloso
mundo del género lírico dramático donde se conjugan, como dije antes,
todas las Bellas Artes conocidas. Así tenemos pues, que en la Ópera
encontramos básicamente a la voz humana como instrumento principal, y
donde se le permite destacar y exponer toda su magnificencia y
capacidades de instrumento con la música; encontramos también, las
artes plásticas en la escenográfa que se crea para montar las obras
(inclusive, los carteles que se elaboran para promocionar las óperas
han sido algunos verdaderas obras de arte gráfico); el teatro o la
literatura se hacen presentes en los bellos libretos que se escriben
a manera de excelsos poemas, muchas arias son en efecto, verdaderos
poemas; y en algunas óperas se incluyen ballets, así que la danza
también está presente en éste magnífico género. Con todo esto, lo que
yo haya experimentado al disfrutar este género musical, puede ser muy
subjetivo; y cada oyente, cada espectador, puede regocijarse a su
modo personal con una amalgama exquisita de experiencias al
convertirse en amante de la ópera.
La ópera tiene sus raíces en la antigua cultura griega, donde se
desarrolló el gusto por la tragedia y la comedia, las que eran
presentadas con acompañamiento de música de instrumentos de la época;
por lo que, las raíces mismas de la ópera las encontramos en esa
aportación cultural universal que nos legaron los griegos.
Y, necesariamente al correr de los años, surgen entonces en la Edad
Media los madrigales y cantatas que los juglares llevaban a todos los
públicos, y en esta primigenia manifestación musical se contaban
también historias; posteriormente varios compositores del
Renacimiento hacen surgir la ópera como tal, como género musical
lírico dramático, donde los argumentos o historias llevadas al
escenario se basan en fábulas y leyendas de la antigua Grecia. De
modo que, va desarrollándose este género a lo largo de la historia,
en cada período cada compositor aporta sus ideas y conceptos al
género operístico, el cual a veces sirvió para llevar a los
escenarios, velada o directamente, crítica política o religiosa, o
simplemente exponer una ideología, un sentimiento personal o una
visión propia del mundo y compartirlo al público espectador y oyente.
Así tenemos, por ejemplo, que la búsqueda espiritual de lo excelso de
los compositores barrocos se manifestó en sus óperas, utilizando
voces angelicales y arias de ensueño. Y Mozart, en el periodo
Clásico, exhibiendo las modas de su tiempo y haciendo critica de las
debilidades humanas que eran censuradas en su época, pero también
buscando la libertad de pensamiento y de lo excelso. Luego,
Beethoven, en el umbral del Romanticismo, vierte sus ideas
revolucionarias y sus conceptos de fidelidad y amor ideal en su
célebre y única opera "Fidelio"; y entonces, llegamos al
Romanticismo, donde bullen las ideas de libertad, igualdad,
fraternidad; Y es en este período donde la ópera encuentra tanto sus
máximos creadores como exponentes, obras que van desde la comedia,
hasta la tragedia. Los Bel Cantístas otorgando la belleza a este
género en su más pura expresión, tanto en la selección de sus
argumentos, como en la creación de sus arias para voces perfectas,
haciendo una refinación del género; Los Nacionalistas Románticos como
Verdi, Dvorak, Tchaikovski, que utilizan las tramas de sus óperas
para exponer las falsedades de las sociedades de su época, para
reclamar veladamente o no, pero si exhibiendo a los que someten de
alguna manera o de otra a las conciencias, y a lo que puede llevar a
los seres humanos esto.
Y punto y a parte merece en este período Romántico, el controvertido
Wagner, quien aporta a la música la magnificencia del uso de una gran
orquestación, la creación del leit motiv o motivo conductor, la
bipolaridad o la multidimencional exposición de la música, además de
que ha sido el único compositor dentro de la historia de la ópera que
fue capaz de crear sus propios libretos, así que imaginad el dominio
de las artes de tan magistral mente creadora, que expuso a través de
su arte, sus ideas románticas y revolucionarias en sus obras,
completamente suyas, y ahora legado de la humanidad. Llegamos,
entonces a la época modernista, y aquí Puccini, quien hace homenaje a
la mujer, acentuando las características de nosotras las mujeres,
exponiendo en sus heroínas todas las capacidades que tenemos las
mujeres para amar, crear, luchar, morir, y mostrando todas las
facetas del alma femenina; creando para ello puntos culminantes en
sus óperas, tales como que las más bellas arias de ópera se hayan
creado, plenas de dramatismo, pasión, belleza han sido compuestas por
Puccini ¿Quién no lo ha experimentado, por muy neófito que pueda ser
en el género operístico, en arias puccinianas, como "Un bel di" de
Madama Butterfly, o el "Vissi d'arte" de Tosca, emociones sublimes
que pueden llevar al llanto, o por lo menos sentirlas en el corazón?
Después, llegamos al verismo y postmodernismo, corrientes del género
operístico donde se trata de mostrar y exponer situaciones reales y
vivencias cotidianas del ser humano dentro de las óperas que se
crearon en estos periodos; como ejemplos tenemos las celebres
Caballería Rusticana, I Pagliacci, pasando por Andrea Chenier, o el
Wozzeck de Alan Berg.
Pues, si amigos… podría estar así hablándoles de infinidad de cosas
sobre este género musical, que como ya saben es mi pasión… Los invito
entonces a que se den la oportunidad de disfrutarlo, no se
arrepentirán… ¡Abran su corazón y es posible, que se lleguen a
identificar con más de un personaje, trama, aria o compositor de este
espectáculo sin limites que es la Ópera!
Vívanlo, escúchenlo, disfrútenlo… ¿Aceptan entonces, la invitación?
traviata_sempre_libera
Hola a todos,
Una pequeña puntualizacion para recordar que este foro es SOLO para
hablar de musica clasica, opera, compositores y todo que esta ligado
con el arte lirico.
Para demas asuntos, les ruego consultar
http://es.groups.yahoo.com
para saber cuales son los foros que corresponden a sus aficiones o
proyectos.
Muchas gracias por su comprension y saludos,
Ghislaine
Co-fundadora
hola Ireri, que bueno que te unas, a mi también me gusta mucho este
género, y espero conocer y aprender más sobre la opera, y también
conocer gente con los mismos gustos ke yo..
saludos
Yoly (corre)
--- En losamantesdelaopera@y..., Ireri Calderón Santana
<traviata_semprelibera@m...> escribió:
> Saludos a todos los integrantes de este grupo.
>
> Viajando virtualmente por la Red y por Yahoo_Grupos, me encontré
con
> la existencia de éste grupo, al que me he sumado, ya que adoro
este
> género musical y me fascina todo lo relacionado con la ópera,
> cantantes, compositores, directores, etc.
>
> Ojalá podamos compartir tantas cosas, veo que hay mucho que
compartir
> por aquí, y que son muchos los integrantes.
>
> Me adhiero gustosamente a este grupo.
>
> Fraternalmente,
>
>
> Ireri Calderón Santana
>
> traviata_semprelibera
Saludos a todos los integrantes de este grupo.
Viajando virtualmente por la Red y por Yahoo_Grupos, me encontré con
la existencia de éste grupo, al que me he sumado, ya que adoro este
género musical y me fascina todo lo relacionado con la ópera,
cantantes, compositores, directores, etc.
Ojalá podamos compartir tantas cosas, veo que hay mucho que compartir
por aquí, y que son muchos los integrantes.
Me adhiero gustosamente a este grupo.
Fraternalmente,
Ireri Calderón Santana
traviata_semprelibera
Hola Iulen. Todavía no he logrado entrarle de lleno a la Lucia, por
lo tanto, no conozco muchas versiones. En mi casa hay una que viene
en CD (no me extraña que sea una de las más populares) que tal vez te
pueda interesar. Precisamente la soprano es Renata Scotto, pero el
resto del elenco cambia: Piero Cappuccilli, Luciano Pavarotti,
Gianfranco Manganotti, Agostino Ferrin, Anna Di Stazio y Franco
Ricciardi. Data de 1967 y está grabada en vivo. Espero que esta
información pueda ser de utilidad.
Saludos.
--- En losamantesdelaopera@y..., delmonac0 <no_reply@y...> escribió:
> Hola a todos, ultimamente el foro esta un poco dormido.
> Ultimamente he estado escuchando mucho la ópera Lucia, y a mi
cuando
> escucho una opera y me gusta, enseguida se multiplican en mi
> estanteria, el caso es que tengo un amigo que tiene una Lucia con
> Scotto Di Stefano y Bastianini, pèro en disco, sabe alguien si
> existe en cd? Bueno, ya de paso no estaría mal que me recomendasen
> algunas versiones, (lo mas antiguas mejor, me encantan).
> A de paso comentar que este fin de semana ire a Burdeos, si a
> alguien le interesa, les dire que tal la "Madame Buterfly" (aunque
> no es una opera que me entusiasme).
> Un saludo a todos, Iulen
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