Jason Bourne (Matt Damon) está de regreso para vengarse de los que lo han perseguido sin piedad y han asesinado a la mujer que ama.
Comentario
Lo que nos había gustado más de los dos episodios anteriores de la saga de Jason Bourne, a saber, su astucia, su capacidad para salir de las más diversas situaciones, no sin golpes, pero también con inteligencia y sagacidad, ha palidecido aqui en este capitulo en el que el director Paul Greengrass quiso acentuar más la espectacularidad de las escenas de acción al punto de que Bourne se convierte en una especie de Terminator, incapaz de morir. Hay varias secuencias memorables (como la persecución en Tánger o en Waterloo, Londres). Las escenas de acción han sido llevadas a un nuevo límite superior de violencia y espectáculo, pero la resolución de la trama deja un sabor de trabajo incompleto. Qué lástima.
El futbolista David Beckham y el cantante Robbie Williams formarán una pareja gay que aparecerá en la próxima temporada de la serie americana Desperate Housewives, que comienza ahora en Estados Unidos. Habrá que ver eso.
Un médico prisionero de un matrimonio arreglado se enamora de una enfermera. Es el punto de partida de "Waiting", el próximo film de Peter Chan, realizador de "Perhaps love". La actriz Zhang Ziyi, conocida desde "Tigre y Dragón" tendrá el papel de la enfermera, al lado de Takeshi Kaneshiro.
Kim Bassinger y Billy Bob Thornton, como ya lo dijéramos en otra entrega, serán marido y mujer en la adaptación cinematográfica de la novela de Bret Easton Ellis, The Informers. El autor participó en la redacción del guión, en el que aparecen estrellas de rock, artistas de cine, un magnate de la industria y... un vampiro, todos ellos bajo el cielo negro de Beverly Hills.
Jamie Foxx interpretará a Nathaniel Ayers, un gran violonista enfermo de esquizofrenia, en "The Soloist", de Joe Wright. Junto a él, Robert Downey Jr. en el papel del crítico de prensa Steve López, un amigo del músico.
Demasiado
sangrienta fue la crítica, resumida, que los estudios Warners Bros. le hicieron a Tim Burton a propósito de su próximo film, "Sweeney Todd". Dificil, sin embargo, de evitar la sangre en esta historia de un barbero que no puede evitar cortarle la garganta a sus clientes. Según "Daily Mail" los estudios están tratando de que el director corte algunas escenas ya que la charcutería no se hace siempre donde uno se lo imagina.
Justin Timberlake, luego de prestar su voz al joven príncipe Arturo en Shrek Tercero, estará de nuevo en cartelera con "The Love Guru", en el que encarnará a un jugador de hockey que seduce a la mujer de uno de sus adversarios más difíciles en el terreno de juego. En el papel del gurú del amor estará Mike Myers.
Steven McQueen en la mira para un próximo biopic. Los estudios New Line acaban de adquirir los derechos del libro escrito por su primera esposa, "My Husband, My Friend". A propósito de este inolvidable actor, Brad Pitt encarnará su personaje en el remake en preparación del film Bullit.
Se llama Klaatu y viene de otro mundo para convencer a los seres humanos de no hacer más la guerra. Este extraterrestre pacifista será encarnado por Keanu Reeves, en el remake del film The Day the Earth Stood Still, previsto para el 2008.
En el futuro, los hombres
comprarán órganos artificiales para prolongar sus vidas. Tal es el tema del próximo film de Miguel Sapochnik, "Repossession Mambo", cuyo rodaje comenzará en octubre, en Toronto. Jude Law y Forest Whitaker en el reparto comparten con la brasileña Alice Braga, revelación de "La Ciudad de Dios".
Oliver Stone vuelve a sus fantasmas de la guerra de Vietnam. En "Pinkville", Bruce Willis encarnará a un teniente responsable de la compañía Charlie, responsable de la masacre de My Lai. Este trágico suceso tuvo lugar el 16 de mayo de 1968 en el que perdieron la vida más de 500 civiles vietnamitas.
"Red Tails" es el próximo proyecto de
George Lucas, en el que cuenta la historia verdadera de una unidad de élite de pilotos americanos de raza negra que combatieron durante la Segunda Guerra Mundial. Víctimas del racismo, estos hombres fueron agrupados en la misma escuadra la cual no tardó en entrar en la leyenda con el nombre de Red Tails Angels en referencia a la pintura roja con la que adornaban la cola de los aviones.
Cuba Gooding Jr tendrá el papel principal de "Linewatch", de Kevin Bray. En este film interpretará el papel de un hombre que abandona a una pandilla de Los Angeles para convertirse en guardafronteras. Pero su reconversión, bajo el signo de la honestidad y la armonía familiar, se verá puesta en peligro por la llegada de otro jefe de la pandilla.
En "The Illustrated Man", de Ray Bardbury, el narrador es un hombre cubierto de tatuajes que predicen el futuro. Zack Snyder, quien realizara "300", adaptará esta historia al cine. Ya se hizo una primera versión en 1969, por Jack Smight, con Rod Steiger en el papel principal.
Felicity Huffman, de Desperate Housewives y Transamerica, tendrá el papel principal de "The Accordion", de Norman Jewiso, en el que representará a una madre de familia que sale de viaje en un tour organizado, y que decide hacer un periplo diferente.
El primer lugar de la taquilla en EE.UU. lo ocupa esta semana la versión 2007 de Halloween, de Rob Zombie,
remake del famoso film de John Carpenter (1978).
Luego de haber atacado el comercio y el mercado de armas en los Estados Unidos en Bowling for Columbine (de sus tres últimos trabajos, indudablemente el de mejor calidad tanto por la imagen como por el contenido) y de atacar a la administración republicana antes de las elecciones de 2004 con Farenheit 9/11, panfleto que le valió la Palma de Oro en Cannes ese año, Michael Moore se dirige ahora a otro objetivo sensible a la opinión estadounidense: el sistema de salud y de seguridad social.
En escena de nuevo su enfoque de ir directamente al terreno de los acontecimientos, buscando testimonios que apoyen sus tesis. En este caso, el planteamiento es más simple (lo mismo que su realización): en Estados Unidos, la nación más rica y poderosa del planeta, un sexto de sus habitantes (50 millones de personas, el doble de habitantes de un país pequeño como Venezuela, un poco más de los habitantes de España) no tiene seguro médico ni protección social que le asegure atención médica en caso de necesitarla. Pero no sólo eso: aún los que cuentan con seguros (pagados por ellos o, en la mayoría de los casos, por las empresas para las que trabajan) no están "seguros" de recibir aquello por lo que han pagado ya que las empresas aseguradoras son especialistas en recibir el dinero de sus abonados para enriquecimiento de sus dueños, pero hacen lo imposible por evitar cualquier desembolso en caso de accidente, enfermedad, etc.
Con el mismo estilo caústico de sus precedentes documentales, Michael Moore revisa varios casos concretos, para luego pasar al plano internacional a buscar ejemplos de otros países desarrollados y subdesarrollados que hacen exactamente lo opuesto que Estados Unidos.
Pero vayamos por partes.
Cinematográficamente hablando, Sicko es probablemente el peor de los documentales hechos hasta ahora por Moore. La primera hora es una retahíla de casos, cada cual más escabroso que el otro, en el que parece deleitarse en filmar las lágrimas de desesperación de sus interlocutores. Evidentemente, hay un problema serio de salud en los Estados Unidos al punto que el famoso Universal Health Care, o Seguro Social Universal, se ha convertido en tema caliente de campaña electoral en los últimos meses y hasta bastiones del conservadurismo, como Arnold Scharwezenegger, gobernador de California (republicano, no lo olviden, casado con Maria Shriver, miembro de la familia Kennedy, de la tolda demócrata), lo han enarbolado como prioridad para los próximos años. Desconozco los detalles, pero planteado de esa manera, el problema es realmente atroz. No está mal, por supuesto, sacar a la luz aquello que los medios de comunicación
americanos ignoran o no dicen o tratan de ocultar (el film está hecho para el público norteamericano, y no el internacional, por la forma en que Michael Moore habla y se dirige a la audiencia). Lo que llega a incomodar es la utilización de la miseria humana para fines propagandísticos. Pienso que se puede hacer exactamente lo mismo con mayor dignidad, tanto del realizador, como para con los entrevistados.
Cuando Michael Moore pasa revista a lo que sucede fuera de las fronteras estadounidenses, su primera parada es Canadá —a quien ya había utilizado de ejemplo ampliamente en Bowling for Columbine—, luego Gran Bretaña, para pasar luego a Francia y finalmente... Cuba. Es cierto: todos estos países gozan de seguridad social y asistencia médica prestada por el Estado para todos sus habitantes, incluso los extranjeros, pero la comparación es engañosa: es obvio que Moore no critica el sistema de economía liberal a la americana (vigente en Canadá y sobre todo en Gran Bretaña, en menor medida en Francia) ni promueve un sistema de gobierno comunista como el de Cuba (el tema no lo toca). Su objetivo es más directo y simple: si países menos ricos y poderosos que Estados Unidos pueden asegurar cuidados médicos a sus habitantes (ciudadanos o no), ¿qué impide a los estadounidenses hacer lo mismo? La pregunta,
desafortunadamente, queda sin respuesta. Y queda sin respuesta porque Moore no explora las razones del endiablado sistema de salud americano. Apenas si arroja algunas sombras de culpa en Richard Nixon, Ronald Reagan y George W. Bush (la respuesta a estos intentos de corregir las fallas del sistema de seguridad, a grandes rasgos, era que socializar la salud implicaría mover la nación norteamericana hacia una especie de socialismo, impensable en los años de la guerra fría).
La tesis de Moore, aunque no lo dice expresamente si bien lo insinúa, es que una economía de mercado no es incompatible con un sistema universal de seguro médico para los habitantes. Canadá y, aún mejor, Gran Bretaña (Margaret Tatcher modificó todas las reglas del juego económico pero mantuvo intacto el NHS, National Health System) están ahí para demostrarlo, y ello tampoco implica, sigue diciendo, que los médicos verán descender su nivel de vida (temor de los galenos estadounidenses): un joven médico británico (de evidente ascendencia india o pakistaní) tiene un tren de vida de ejecutivo de empresa.
Mención aparte (porque lo conozco bien) merece el caso de Francia que Moore se complace en poner como un paraíso. En la segunda parte del documental entrevista a un médico francés del Hôpital Saint Antoine, a una pareja francesa y a un pequeño grupo de americanos que viven desde hace años en París. Las 5 semanas de vacaciones al año (contra dos en EE.UU.), las niñeras pagadas por el Estado, los cuidados médicos en caso de accidente, etc: todo ello es cierto. Lo que Moore no menciona (y es la crítica mayor que le hago a su documental) es la carencia de cifras que hablen de lo que está detrás de todo ello. Por supuesto, no menciona (o ignora) el enorme déficit que el sistema social francés arrastra desde hace años y que no cesa de crecer. Uno de los temas calientes que el flamante gobierno de Nicolás Sarkozy tendrá que enfrentar ese precisamente la propuesta de aumentar el IVA para financiar el déficit insostenible del sistema
de seguridad social francés, algo que le ha dado frío en la espina dorsal a muchos.
Y Moore no da una sola cifra, una sola estadística, de cómo el sistema americano está constituido. En Francia, por ejemplo, es falso que el Estado corra con todos los gastos. Los empleados (publicos y privados) tienen reembolsos por parte del Estado hasta un cierto porcentaje (dependiendo del tipo de tratamiento o dolencia), y luego el resto debe ser cubierto con una pólizza privada de seguros (la mutuelle) que cada quien debe comprar a una empresa aseguradora, por su parte y riesgo, aunque algunas empresas, especialmente las grandes, acostumbran dar a sus empleados pólizas de seguro cubiertas en parte por ellos y en parte por el empleado. El sistema funcionaría a las mil maravillas si no fuese por los abusos (por ejemplo: la tarjeta de seguro médico no tiene fotografía, por ejemplo, lo que da pie a incontables estafas) que normalmente terminan pagando los más débiles. Moore, pues, sólo está interesado en denunciar, en el
amarillismo de la noticia. No provee ningún análisis ni datos para un análisis.
El momento cumbre del documental, sin embargo, y debe ser una bofetada en el rostro de muchos políticos de su país, es cuando lleva varios voluntarios que trabajaron durante las labores de remoción de escombros en Ground Zero, el sitio donde se desplomaron las Torres Gemelas, y que desarrollaron, debido a ello, algunas enfermedades graves, a curarlos nada menos que a Guantánamo (donde pareciera, según muestra, que los prisioneros viven en una especie de paraíso, lo que todos sabemos que no es cierto) para luego hacerlos recibir atención en el Hospital General de La Habana. Es poco menos que humillante, imagino yo, para la opinión pública americana ver a estos compatriotas suyos ser atendidos en sus momentos de desdicha por sonrientes médicos y enfermeras cubanas, utilizando técnicas que en su país no pueden pagar.
Me pregunto si veremos ahora balsas llenas de inmigrantes estadounidenses tratando de llegar a las costas de Pinar del Río o la Habana, buscando el Paraíso terrenal y no a los cientos de cubanos que tratan cada año de ganar las costas de Florida. Al menos, sabemos que Estados Unidos permite a Michael Moore hacer documentales sobre las fallas -terribles- sin duda, de su sistema de vida y su sociedad, pero sabemos también que Cuba no permite lo mismo a los suyos.
Los estudios Warner continúan buscando en los clásicos del cine. En el horno están cocinándose varios nuevos remakes : « Los doce del patíbulo »(the dirty dozen, 1967,dirigida por Robert Aldrich), la historia de doce hombres condenados a muerte que, a cambio de la amnistía (y suspensión de la pena) deben realizar una misión suicida.En el momento de escribir esto, el guión está en proceso de escritura. Igualmente en curso de preparación se encuentra « La escalera de Jacob », de Adrian Lyne, 1991.
Otro remake que viene pronto es el de « Footloose », aquella anodina historia de un joven citadino que se muda a un pueblo donde está prohibido bailar. Un joven Kevin Bacon aseguraba el papel principal. Al igual que « Fiebre del sábado por la noche », la importancia de este film radica, más que en su calidad cinematográfica o en la historia que cuenta, en su banda musical de primera. El papel de Kevin Bacon lo retomará ahora Zac Efron, el mismo jovencito que hace de idolo musical en la nueva versión de « Hairspray », ahora en cartelera.
Zac Efron igualmente tendrá uno de los roles principales de « Me and Orson Welles », film que todavía no tiene director, adaptado de la novela de Robert Kaplow.
En « Number 13 » el joven actor Dan Fogler encarnará a Alfred Hitchcock en sus primerísimos inicios. Estará rodeado en el reparto de sir Ben Kingsley, Emily Mortimer y Ewan McGregor. Detrás de la cámara un tal Chase Palmer quien da sus primeros pasos como director.
« Los espectadores se interesan en el hecho de ver en escena el precio humano de la guerra en Irak » afirma el actor estadounidense John Cusack, quien estará en cartelera con el film « Grace is gone ». Dirigido por James C. Strouse, este largometraje cuenta la historia de un hombre cuya esposa soldado es muerta en Irak, film que no es el único en tomar posición contra el conflicto en la antigua Mesopotamia.
Al igual que los americanos, quienes en más del 60% se oponen hoy a la estrategia de Bush jr, Hollywood toma posición a través de una serie de largometrajes, entre los cuales está « Redacted », de Brian de Palma, que viene de ser presentado en el Festival de Deauville. ¿Su tema ? El atroz crimen de guerra perpetrado por los soldados americanos reconocidos culpables de haber violado y asesinado a una adolescente iraquí.
En la misma línea, el próximo 7 de noviembre se estrena en Francia « In Elah’s valley », de Paul Haggis, quien pone en escena un padre de familia, militar de carrera, luchando contra el silencio y la hostilidad del ejército en encontrar los rastros de su hijo, desaparecido como soldado en combate en Irak.
En 2274, para evitar la sobrepoblación, los seres humanos que han pasado de cierta edad son eliminados sistemáticamente. El problema es que la edad límite es de … 30 años. Esta novela de ciencia ficción que fuera adaptada hace 30 años por Michael Anderson (el titulo en español fue « Fuga en el siglo XXIII » ), será objeto de un remake por Joseph Kosinski.
Samuel L. Jackson será el villano en « The Spirit », adaptación de la célebre historieta de Will Eisner y que será realizada por Frank Miller, creador de « Sin City » (correalizada con Robert Rodríguez). En esta ocasión, Miller tendrá a su cargo las riendas completas de la dirección. En el reparto, Scarlett Johannson será la asistente de Jackson.
Natalie Portman y Hayden Christensen, los héroes de la segunda trilogía de « La guerra de las galaxias », han ganado el premio a la pareja romántica… menos convincente de la historia del cine, según un sondeo hecho con 3 000 usuarios de internet en Estados Unidos. Igualmente en la selección : Nicole Kidman y Tom Cruise en « Eyes wide shut », y Jake Gyllenhaal y Heath Ledger en « BrokebackMountain ».
La joven actriz Rose McGowan compite con Halle Berry, Sienna Miller y Kate Beckinsale para obtener el papel principal de la nueva versión de Barbarella, remake del famoso filme de Roger Vadim, realizado en esta ocasión por Robert Rodríguez.Rose tiene una ventaja sobre sus competidoras para ganar el papel que hiciera Jane Fonda : es la compañera en la vida real del director Rodríguez.
El realizador Peter Berg (de quien veremos próximamente « The kingdom » con Jamie Foxx) desea llevar a la pantalla la historia verdadera de Marcus Luttrell, un marine estadounidense y único superviviente de una misión que tenía por objeto la eliminación física de un jefe talibán en Afganistán.
Nicole Kidman tendrá el papel principal en « The reader », adaptación de Stephen Daldry de la célebre novela de Bernard Schlink. Representará a Hanna, una mujer que mantiene una relación amorosa con un hombre más joven quien ritualmente le hace una lectura cada vez que se encuentran. Hasta el día en que él descubre el terrible secreto que ella oculta…
Penélope Cruz, Sophia Loren, Marion Cotillard y Catherine Zeta-Jones (con algunos kilos de menos) podrían encontrarse en el reparto de la comedia musical « Nine », realizada por Rob Marshall. El director, quien tiene la intención de inspirarse en el film « Otto e mezzo » de Federico Fellini, quiere confiarle el papel masculino principal (el que desempeñara Marcello Mastroianni) a Javier Bardem.
Dos agentes del FBI (Jack Crawford-Jason Statham y Tom Lone Terry Chen) investigan en las andanzas de la mafia hasta que Tom muere a manos de Rogue, un temible asesino (Jet Li). Tres años después de su muerte, Rogue está de vuelta para acabar y Jack decide que es la hora de la venganza.
Comentario
Una compleja historia de luchas criminales, en pleno San Francisco de hoy. Es la puesta al día de las nuevas generaciones y las nuevas etnias que dominan el mundo asiático del crimen organizado (japoneses, chinos). El enfrentamiento esperado entre Jason Statham y Jet Li hubiese sido mucho mejor, pero por el desenlace de la historia es coherente y aunque el giro final de la historia es poco menos que increible, la diversión está asegurada con una enorme dosis de violencia, disparos, sangre, mutilaciones y demás lugares comunes de este tipo de film, aunque Jet Li aparece mucho menos de lo que nos tiene acostumbrados. Novedad: ver a John Lone de nuevo, en su digna vejez (fue el actor que representó a Pu Yi en su edad adulta en EL ULTIMO EMPERADOR de Bertolucci y quien estuvo al lado de Jeremy Irons en M. Butterfly).
Dave y Andrew son grandes amigos, aunque Andrew tiene un serio problema: no tiene capacidad para relacionarse con el mundo exterior. Ambos viven en una casa (o lo que queda de ella), que se eleva en medio de dos grandes troncales de autopista. Un buen dia, todos los problemas de Dave y Andrew (el municipio va a demoler la casa, Dave ha perdido a su novia, etc.) desaparecen porque el mundo exterior a ellos y a la casa ha desaparecido y la Nada absoluta los rodea.
Comentario
Cuatro años tardó en llegar a Francia este interesante film canadiense el cual me temía fue una excusa para una reflexión cinematográfica sobre el nihilismo, el sentido de la vida, el mundo moderno, etc., y resultó ser un divertido entretenimiento, que habla de las relaciones humanas y sus posibilidades. Pero sin bajar a demasiadas profundidades, este film tiene un gran mérito: no aburre —al contrario— a lo largo de toda su duración.. Aplausos para el director Vincenzo Natali, quien logra, por espacio de casi dos horas mantener la atención con prácticamente dos personajes únicamente que se desplazan en una casa destartalada rodeada del vacío absoluto.
Titulo original: I now pronounce Chuck and Larry (desconozco el titulo en español). En francés la titularon Quand Chuck recontre Larry (una imitación de When Harry meets Sally).
Historia
Chuck (Adam Sandler) y Larry (Kevin James, quien fue partner de Will Smith en HITCH) trabajan como bomberos en Brooklyn. Mientras Chuck es un mujeriego a todo tren, capaz de cortejar a una escoba con faldas, Larry ha perdido a su esposa y está tratando de salir adelante con sus dos hijos. Pero he aquí que, para continuar recibiendo la ayuda del Estado como padre único, Chuck se entera de que necesita estar casado. No se le ocurre mejor idea que pedirle a Chuck, su mejor amigo, que se case él, solo como excusa. Pero un celoso y obsesivo funcionario (Steve Bucemi) quiere verificar que, en efecto, Chuck y Larry forman realmente una pareja gay, y no que están engañando al Estado. Y es alli que las cosas se complican.
Comentario
Dejemos un poco de lado el hecho de que el punto de partida de la comedia, aunque original, es traido por los cabellos por injustificable(que es una especie de La Cage Aux Folles, pero en sentido inverso, y digamos no hay absolutamente ninguna razón válida para que Larry no consiga una mujer para finjir el matrimonio lo que indudablemente hubiese sido má fácil, en cuyo caso, obviamente, no habría film). El problema es que Adam Sandler es tan gracioso como Aznar echando chistes. Kevin James se las arregla mejor para llevar adelante su personaje con algo más de naturalidad, pero el conjunto no tiene salvación.. Por las carcajadas en la sala de cine (sí, hace reir con algunas situaciones, pero la mayoría son el lugar común más absoluto en este tipo de peliculas sobre la ambigüedad sexual) puedo darme cuenta de que, por mucha integración y respeto que los homosexuales hayan logrado en los últimos años, la fobia que generan en
los heterosexuales sigue intacta, lo que da pie a que este tipo de situaciones continúe siendo fuente de humor por un buen tiempo.
El cineasta valenciano ha presentado en Venecia su última cinta, ‘REC’, filme de terror que codirige con Jaume Balagueró
EDUARDO DE DIEGO/ VALENCIA
El director valenciano Paco Plaza dirige junto a Jaume Balagueró la película REC , cuyo estreno en España está previsto para el próximo 23 de noviembre. Una historia de terror que se ha presentadp, fuera de concurso, en la Mostra de Cine de Venecia.
–¿Como ha sido recibida la cinta en Venecia? –La impresión que tenemos es que ha ido muy bien por el pase con público y las reseñas que hemos tenido tanto en España como en el extranjero.
-¿No queda el cine a veces en segudo plano en este tipo de festivales con tanto glamur? –El tema de las alfombras rojas y las estrellas es una manera de atraer la atención de los medios. Luego gana una película coreana que nadie conoce, pero lo que queda es que George Clooney estuvo allí. También es cierto que sin él, a lo mejor nuestra película no estaría allí.
–”Second Name”,
“Romasanta” y ahora “REC”, todas de terror, son parte de su filmografía. ¿Por qué le gusta tanto dar miedo? –Creo que cuando la gente va al cine busca sentir emociones, y el miedo es una de las más intensas que hay. Es como subirse a una montaña rusa, y a mí me gusta ver las caras de la gente cuando están ahí, mezcla de terror y placer.
–¿Terror y placer van unidos?
–Absolutamente. El ser humano está diseñado para pasar miedo. Ha actuado siempre como mecanismo de defensa para mantenernos vivos. Y ahora eso lo potenciamos con el cine.
–¿Le asusta el cine de terror? –Si, mucho. El exorcista , por ejemplo, es una película que siempre tengo que ver acompañado y de día. A mí me gusta pasar miedo y soy muy fácil de asustar. Además, el cine de terror es bueno porque ayuda a superar los miedos.
–“REC” es el
segundo título que dirige con Jaume Balagueró, tras ‘OT La película’ ¿Es fácil hacer un filme entre dos?
–Es imposible. Pero estos dos casos son especiales porque son casi documentales. Esta vez ha sido la propia película la que exigía que la dirigieramos juntos.
–Parecia que con “Romasanta”, película rodada con más medios que sus primeros trabajos, acabaría despuntando en el panorama cinematográfico. ¿Fue la acogida todo lo bien que esperaba? -No tengo la percepción de que fuera insuficiente. De todos modos, el éxito es una cosa que no depende sólo de ti. Muchas veces son factores ajenos al director los que hacen que una película triunfe o no y así, no siempre las mejores películas son número uno en taquilla y viceversa.
–¿Se le valora más fuera de España? –Eso es un hecho. Ahora que volvemos de Venecia o cuando hemos presentado en otros
países nos damos cuenta que nuestro cine se aprecia mucho más. Desde fuera se tiene la idea de que el cine de terror en España es una corriente muy importante del cine mundial junto con el cine asiático.
–¿Está a favor de que se establezca por ley una cuota de cine español? –No tengo una opinión demasiado formada al respecto pero Berlanga siempre dice que para tener una buena ley del cine habría que tener una secretaria que hablara francés y pudiera traducir la que tienen ellos. Hay que pensar que, en cuestión de cine, somos enanos jugando en la NBA y, si no se nos protege, una parte del cine acabará desapareciendo.
-El trailer de “REC” fue el video más visto en Youtube el 28 de agosto ¿Que le parece? –No tenía ni idea, pero la verdad es que está muy bien, promoción gratuita. Internet es una herramienta viva que está democratizando la producción.
En competencia con la Mostra de Venisa, el Festival de Cine Americano de Deauville logró atraer este año algunas de las más grandes estrellas de Hollywood: Matt Damon, George Clooney y Brad Pitt estarán en la ciudad normanda.
Esta 33a. edición del Festival de Deauville se abrió ayer 31 de agosto con un invitado de excepcional, Michael Douglas, quien viene a presentar "King of California", del joven director Mike Cahill. Sorprendente, Douglas interpreta un paciente salido de un hospital psiquiátrico que busca un tesoro escondido bajo el piso de un supermercado.
Esta noche usted va a recibir un homenaje por sus años de carrera, 30 años luego de que lo recibiera su padre. ¿Es un momento de emoción para usted?
Así es. Pienso más en mi padre que en mí. Que su padre pueda verlo recibir el mismo premio que él recibió treinta años antes da la noción de inmortalidad. En conjunto, contabilizamos 65 años en el oficio y 140 filmes. Por lo tanto, es algo especial, y Francia ha sido especialmente generosa para con la familia Douglas. Nos apoyan desde hace años. Hay una verdadera alegría del cine acá por el hecho de que no hay ningún otro festival de cine en el mundo que sea lo bastante generoso como para honrar películas que provienen de otro país.
Es su tercera visita al Festival de Deauville. ¿Qué es lo que más aprecia?
Que no hay ninguna competencia. Es más bien la celebración del cine americano. Comparando con las promociones que se hacen en Venecia, Deauville es pura diversión.
Usted se ha reinventado a lo largo de toda su carrera. ¿Eso le ha ayudado a perdurar?
Trato de interpretar papeles diferentes porque eso me motiva. Me encantan los desafíos, tomar riesgos. Es la recompensa del éxito. Yo no entiendo como algunos actores pueden tener una cierta imagen a la cual permanecen apegados toda su vida. Y soy también productor, por lo tanto mi único interés es el filme, y un buen filme.
Es el caso de King of California, un ejemplo perfecto de los films independientes que ganan terreno.
Es un guión impredecible, divertido, punzante, y me llega dentro porque habla de un padre y la relación con su hija? Muestra cómo los adultos se conducen a veces como niños y viceversa. El rodaje fue rápido y como yo vengo de la televisión, me encanta trabajar de manera rápida [ Nota: Michael Douglas inició su carrera en la serie policíaca, ahora culta, Las calles de San Francisco].
Con la distancia en el tiempo, ¿tiene algo que lamentar?
Mientras la directiva del Festival no haya discutido con mi médico y que no haya nada que yo no deba saber, no [Risas]. Conocí el éxito como productor en Atrapado sin salida y eso me llevó a agrandar mi empresa de producción y a producir filmes que quizá no debí haber hecho y a descuidar mi carrera de actor. Mis prioridades han cambiado también desde que me casé y soy padre de familia.
® Traducido de la revista METRO, edición 31 de agosto de 2007, por Antonio Ward.
Linda Handon (Sandra Bullock) se despierta un día con la noticia de que su esposo ha muerto en un accidente. Al día siguiente, se despierta con su esposo aún con vida, tomando su desayuno en la cocina.. para despertar al tercer día en los preparativos del funeral. Linda comprende que está viviendo premoniciones del futuro y que debe hacer lo posible para que ese "futuro" no se convierta en realidad.
Comentario
Extraña historia ésta, con un final agridulce, que deja una sensación de incomodidad y de tristeza. No puedo comentar más so riesgo de revelar detalles importantes de la trama (que es compleja). Muy buena actuación de Sandra Bullock y también la de Julian McMachon en el papel del esposo.
La 31a. edición del Festival de Films du Monde que tiene lugar en Montreal hasta el lunes 3 de septiembre está dedicado a Ingmar Bergman desaparecido el 30 de julio pasado. Uno de los eventos principales del festival será la proyección, en primicia, de « Un secreto » de Claude Miller, con Patrick Bruel, Cécile de France y Julie Depardieu. Igualmente en la fila de honor, Sophie Marceau a quien esta edición rinde homenaje.
Jean Reno estará de nuevo en el elenco del segundo episodio de las nuevas aventuras de la Pantera Rosa, con el insoportable Steve Martin en el papel que inmortalizara Peter Sellers. Este episodio aparecerá en las salas de Estados Unidos en 2009. Entre los nuevos recién llegados a esta serie es necesario destacar a Andy García, Alfred Molina y la sublime belleza divina de Aishwarya Rai.
Después de « Los otros », Nicole Kidman estará de nuevo en cartelera como la heroína de una historia de terror. La actriz tendrá el papel principal en el remake de un film de horror colombiano, « Al final del espectro », de Juan Felipe Orozco. Es la historia de una mujer que lleva una existencia de ermitaña para luchar contra su agorafobia. El mismo director colombiano, quien había enviado su proyecto a una centena de productoras en Estados Unidos hasta que Nicole Kidman lo encontró, estará a cargo del remake. Una verdadera novedad y estímulo para el talento latinoamericano.
Después de atravesar una profunda y larga depresión, un hombre decide cambiar de vida, y para ello comienza a decir « sí » a todas las proposiciones de la existencia. Ese es el punto de partida del guión de « Yes Man », proyecto de David Heyman, el productor de la saga de « Harry Potter ». El papel principal se le ha concedido a Jim Carrey.
« Arresten a los sospechosos habituales », réplica mítica de « Casablanca » será pronunciada próximamente en lengua malayalam, dialecto del sur de la India. El realizador indio Rajiv Nath se apresta, en efecto, a rodar una nueva versión del legendario film de Michael Curtiz (1942). Esta nueva versión tendrá como fondo la guerra civil de Sri Lanka, antiguo Ceylán, en lugar de la segunda guerra mundial. Bautizado con el nombre de « El séptimo sello », el film, previsto para 2008, será proyectado en pre estreno en el puerto maroquí que sirvió de decorado para la película original.
Ridley Scott va a adaptar muy pronto al cine el célebre juego « Monopolio », una manera de retratar los guerreros de los tiempos modernos que especulan en el mundo inmobiliario. Esperemos.
¿Cómo enterrar serenamente a un padre de familia cuando su mujer y sus cinco ex-esposas comienzan a arrancarse la piel sobre su ataúd el día del entierro? Tal es la problemática a la que tendrá que enfrentarse Elisha Cuthbert en « The six wives od Henry Lefay », comedia firmada por Howie Gould. Es Tim Allen el encargado de encarnar a este mujeriego difunto, mientras que del lado del harén estarán (por ahora) Andie McDowell, Paz Vega y Kelli Garner. Se desconoce los nombres de las otras tres.
78 millones de dólares es el presupuesto final alcanzado por la más grande producción francesa de la historia: « Asterix y los juegos olímpicos », tercer episodio de la serie sobre el invencible galo que lucha contra las legiones romanas, y que saldrá en las salas de Francia a principios del 2008.
Es un poblado en el fin del mundo, escondido en las dunas de Landes, donde el cine hace olas. Para su 12a. Edición el Festival Internacional de Contis, consagrado al corto metraje, tendrá lugar del 21 al 24 de septiembre próximos. Decenas de corto metrajes, incluso algunos venidos de Africa, en el marco del acuerdo con el Festival Panafricano del Cine y la Televisión que tiene lugar cada dos años en Burkina-Faso. A ver más en: www.cinema-contis.fr
« Les six de Benghazi » es el título provisional del film que se realizará pronto sobre el caso de las enfermeras búlgaras y el médico palestino, liberados en julio pasado, luego de 8 años de encarcelamiento y torturas en Libia, acusados de haber inoculado el virus del sida a niños libios. Lista para comenzar a « digerir » la realidad, la productora norteamericana Sixth Sense Productions obtuvo de las víctimas los derechos para adaptar este período trágico de sus existencias.
Drew Barrymore estará en los papeles principales de « He's just not that into you », una comedia adaptada del best seller homónimo de Greg Behrendt y Liz Tuccillo. Al lado de la actriz se encontrarán igualmente Jennifer Connelly, Kevin Connolly, Bradley Cooper, Justin Long y Jennifer Goodwin.
En « Management », Jennifer Aniston, se encontrará perseguida por un pretendiente muy pegadizo, que la sigue por todos los Estados Unidos. La ex heroína de « Friends » compartirá el cartel con Steve Zahn (« Happy Texas », « Joyride »), bajo la dirección de Stephen Belber, quien también escribió el guión.
Auténticos TITANIC del séptimo arte, peliculas catastróficas que pusieron a sus productores de rodillas, con presupuestos faraónicos y pobres resultados en la taquilla, rodajes apocalípticos y estrenos fallidos: obras del cine que pretendían (o pretendieron) ser ambiciosas y que resultarían en un fiasco magistral sembrando la ruina y la desolación.
El hombre que mató a Don Quijote (2000), de Terry Giliam
Pensó que podía hacer un film
hollywoodesco sin Hollywood y se rompió los dientes. En octubre de 2000, Terry Gilliam sufrió uno de los más grandes fracasos de su carrera. Seis días después de iniciado el rodaje, «El hombre que mató a Don Quijote», su décima película, es suspendida por los productores. Esos seis días habían sido una auténtica pesadilla así como lo fueron los dos meses de preparación previos. Y puede ser que lo hayan sido también los diez años de vida que Terry Gilliam dedicó a este proyecto. En efecto, el realizador, tal como el héroe de Cervantes se batía contra molinos de viento, tuvo que luchar contra toda la industria cinematográfica. En vano.
Todo comienza a principios de los años 90. Terry Gilliam viene de un rodaje más bien tranquilo: “The Fisher King”, un film de tono intimista del cual él no ha escrito el guión. Lo necesitaba, para reponerse de un rodaje más dramático y exigente, dos años antes, el de “Las aventuras del barón Munchausen”. En los escenarios llenos de locura de esta biografía barroca de un aristócrata mitómano, nada se dio como se había previsto, en especial los gastos de filmación: a mitad del rodaje el presupuesto pasaba de los 10 millones de dólares.
Terry Gilliam no tenía nada que ver en ello. Fue engañado por un productor alemán fuera de la realidad y igualmente mitómano como el personaje del barón. Cuando lo comprende de esa manera, el cineasta hace todos los esfuerzos del mundo por simplificar ciertas escenas, pero de nada vale. Al fin del rodaje, el presupuesto se ha ido a los cielos. Desde entonces, las «Aventuras del barón Munchausen» han pasado a ser un caso de estudio en las escuelas de cine en materia de fiasco financiero, y Terry Gilliam adquirió la reputación de realizador incontrolable.
Su personalidad y su universo personal contribuyen poco a arreglar las cosas. En Hollywood, este antiguo diseñador pasa por una persona muy original, pero se desconfía de él, a pesar de los notables sucesos que fueron «Bandits, bandits» y la célebre «Brazil». Nacido en Minnesota, vivió en Londres algunos años, tiempo durante el cual realizó varios films con los conocidos Monty Python.
Terry Gilliam es un espíritu libre, un soñador. Le encantan el humor inglés, la exageración y los desafíos. En resumen: todo aquello que los estudios detestan. Acercándose a los 50 años, comienza a sentir afinidad con el héroe de Cervantes: tal como él, tiene el sentimiento de no haber acometido aún su gran obra; como él, se siente cansado, pero le bastaría con un proyecto de dimensiones demenciales para sentirse vivo de nuevo. Y es entonces que tiene una visión: ¿y si adaptara precisamente «Don Quijote»?
Dicho y hecho. Gilliam se lanza junto con Charles McKeown, su cómplice en la escritura de los guiones de «Brazil» y “Munchausen”, a la redacción de una primera adaptación de la obra cumbre de las letras castellanas. La tarea es dura: no es fácil hacer justicia a la obra sin caer en la recopilación chata de los escritos de Cervantes. Una vez cumplida esta etapa a como-vaya-viniendo-vamos-viendo, Terry Gilliam comienza la ronda de los productores. Jake Eberts (“Carros
de fuego”, “El nombre de la rosa”) había formado parte del proyecto “Munchausen” y estaba listo para trabajar de nuevo con Gilliam. En esta época, el productor norteamericano tiene oficinas en París, y preocupado de encontrar socios financieros, coloca a Terry Gilliam en contacto con Ciby 2000, una nueva empresa de producción francesa. Mejor explorar en grande en Europa, dada la reputación del tío en Estados Unidos. Mala suerte: después de haberse ido de bruces y ofrecer 25 millones de dólares, los responsables de Ciby 2000 retiran la oferta. Con el ánimo enfriado, y sin estar totalmente convencido de la versión que han escrito Mc Keown y él, Terry Gilliam decide posponer su Quijote por un tiempo y aceptar la oferta que le ha sido hecha: el rodaje de “12 MONOS”.
El proyecto pasa a dormir por varios años. Estamos ahora en 1998. Terry Gilliam escribe y realiza “Leaving Las Vegas”, pero el caballero español no lo abandona. Al contrario: lo persigue, lo acosa. Al reescribir la adaptación, Keown y él caen en un hueso duro de roer, una dificultad casi insuperable: la novela de Cervantes trata de la caballería en la Edad Media y en el siglo en el que vive Cervantes, un desfase de varios siglos que es imposible de comprender por parte de un espectador de finales del siglo XX. En esas condiciones, ¿cómo hacer que se mantenga esa idea importante de desfase de épocas entre la realidad y la fantasía del héroe? A fuerza
de darle vueltas en la cabeza, Terry Gilliam encuentra por fin una solución: introducir en el relato un hombre del mundo moderno transportado al siglo XVI. Este hombre será un publicista codicioso que, durante el rodaje de un spot publicitario que retoma los personajes de Don Quijote y Sancho Panza, va a parar a la España del siglo de Cervantes a causa de una caída. Al despertarse se encontrará, atónito, al lado de don Quijote quien lo confundirá con su valet. Convencido de esta idea, Tony Grisoni, coguionista de “Leaving Las Vegas”, acepta escribir junto con Gilliam un nuevo guión.
Esta vez las cosas avanzan. Apenas terminada esta nueva cocción de la obra, toma forma el casting. Terry Gilliam conoció a Johnny Depp en el rodaje de “Leaving Las Vegas” y la corriente pasó positivamente entre ambos. El actor acepta sin vacilar el papel propuesto del personaje imaginado por Gilliam y Grisoni. Vanessa Paradis, su compañera en la vida real, encarnará a Dulcinea. Falta el papel principal. Durante los años del primer guión, Terry Gilliam había pensado en Max Von Sydow y en Richard Harris. Esta vez va a escuchar la sugerencia que le da Irene Lamb, su directora de casting para “Brazil” y “Munchausen”. Esta incondicional del cine francés le sopla a la oreja el nombre de un actor en el que Gilliam no hubiese pensado jamás, a pesar de su larga y exitosa carrera, Jean Rochefort, a quien ha visto en “Cible emouvante”, una comedia de Pierre Salvadori. Desde entonces, ella no puede imaginar otro actor en el papel de don Quijote. Terry Gilliam acepta ver algunos films del actor y se muestra de acuerdo: es una buena idea traer a Rochefort, quien a su vez, entusiasmado desde el principio por un encuentro con el cineasta, acepta feliz el papel.
Surge entonces de nuevo, espinosa, la cuestión del financiamiento. Comienza otra vez la caza a los productores, pero solamente en Europa. Terry Gilliam ha abandonado toda esperanza de involucrar a los estadounidenses en su “Don Quijote”. Está persuadido de que los
europeos intentarán frenar menos su creatividad. Lo que él no sabe aún es que los europeos no tienen la costumbre, aunque sean de espíritu abierto, de financiar proyectos de tal magnitud. El presupuesto promedio para un film en Europa rara vez pasaba en la época de los 5 millones de dólares. Para llevarlo a buen término, Gilliam necesitaba 60 millones para su Quijote.
Ciertamente, el momento parece propicio. En Grande Bretagne es el momento en el que se acostumbra producir filmes más costosos que de costumbre. En Francia, la gente gusta de él, y en Alemania hay fondos disponibles. Sin embargo, la búsqueda del dinero va
a terminar siendo agotadora. Dieciocho meses de negociaciones sin cesar, de promesas y abandonos, de esperanzas y decepciones. Un tema español rodado en inglés por un director americano con un protagonista francés: los productores se sienten desorientados: dicen sí y luego dicen que no. De hecho, los productores son iguales en todas partes: tienen miedo de la reputación de Gilliam luego de “Munchausen”. El ex Monty Python los asusta al mismo tiempo que los seduce.
Los franceses entrarán en el baile por medio de René Cleitman. Este productor está acostumbrado a proyectos de
envergadura y conoce bien a sus homólogos norteamericanos. Produjo “Cyrano de Bergerac”, “Le hussard sur le toit” y “She’s so lovely”. Le encanta el reparto de « Don Quijote » y se siente honrado por la escogencia de Jean Rochefort para el papel principal. Los alemanes entran también en la aventura por medio de la empresa KC Medien y un productor independiente. Los ingleses terminan participando en la ronda de producción a través de una pequeña contribución de dos millones de libras del National Lottery Fund. A pesar de las enormes dificultades, Terry Gilliam logra reunir 40 millones de dólares. Su fantasía
está en camino de hacerse realidad.
Comienza la producción y se fija la fecha de inicio del rodaje: octubre de 2000, en España. Pero el sueño dura poco. Es demasiado tarde para dar marcha atrás cuando Terry Gilliam se entera de que su productor alemán lo ha mandado de paseo. Francamente, una costumbre de estos alemanes, se dice el cineasta. El presupuesto se reduce a 32 millones de dólares. Pase lo que pase, el rodaje es inminente.
Terry Gilliam llega a Madrid en agosto de 2000. Ahora que llega a la meta, el momento no es para celebraciones. El recuerdo de “Munchausen” lo atormenta. La historia del rodaje inconcluso del “Quijote” de Orson Welles, en 1957, le impide dormir. ¿Quién sabe si su Quijote no va, igualmente, a terminar en catástrofe? El cineasta quisiera espantar esas ideas negras pero las circunstancias no lo ayudan. Seis semanas antes del inicio del rodaje reina el más completo caos. La producción está desorganizada, los accesorios están
listos pero la calidad deja mucho que desear: los sombreros, demasiado blandos; las armaduras, demasiado rígidas; las máscaras de los extras se encuentran todavía en Inglaterra, los decorados no están listos aún. Los técnicos españoles esperaban la llegada de Terry Gilliam para adherirse a las líneas directrices del proyecto, pero no logran comprender lo que que quiere el cineasta: sus “visiones” no les dicen nada.
Pero todo esto serán minucias comparadas con los problemas que presentará el estudio. Los productores compraron el último estudio libre en Madrid. Todos los interiores deben ser filmados allí y su calidad debe
ser, por lo tanto, de primera importancia. Ahora bien, cuando Gilliam se apersona en el lugar, se da cuenta de que parece más bien un hangar que un estudio propiamente dicho. La acústica es catastrófica. Por mucho sentido del humor que tiene el ex Monty Python, comienza a ponerse nervioso.
Un mes antes del primer clap de filmación la llegada de Jean Rochefort lo serena de nuevo. Johnny Depp y Vanessa Paradis son imposibles de localizar (la actriz ni siquiera ha firmado su contrato). Jinete emérito, Jean Rochefort no ha necesitado tomar cursos de equitación, pero en cambio ha tenido que tomar cursos para perfeccionar su
inglés durante 7 meses. Las pruebas de maquillaje y vestuario son concluyentes: puede volver a París por algunos días. Sin embargo, hay una mala nueva: el mismo día de su partida, hace saber que su ausencia será más prolongada que lo previsto. En el aeropuerto se siente mal. ¿Somatización a causa del rodaje ya inminente? ¿Una enfermedad real? No se sabe lo que le aqueja y eso provoca tensión en todo el equipo. Terry Gilliam se inquieta por su protagonista y por su película. La llegada de Johnny Depp –por fin- le da un nuevo respiro. El actor está dichoso de encontrarse allí y viene lleno de ideas para su personaje. Las noticias que llegan de París son menos malas que lo que se temía: Jean Rochefort sufre de una pequeña infección en la próstata y volverá a tiempo para la filmación.
Llegamos a principios de octubre. Finalmente comienza el rodaje de“El hombre que mató a don Quijote”. Para ese primer día, todo el equipo se transporta a las Bárdenas, una reserva natural a cuatro horas de Madrid. Terry Gilliam no puede contenerse de la emoción. Tiene prisa por filmar. Una primera escena con extras que se suponen eran prisioneros condenados a trabajos forzados le enfría el entusiasmo. El cineasta está convencido que han ensayado. Pero no. No tienen la menor idea de lo que tienen que hacer. Para no perder tiempo, Gilliam pasa a otra escena con Jean Rochefort. Todo iría bien si un ruido ensordecedor no hubiese venido de pronto a tapar por completo la voz del actor. El escenario está
cerca de una zona militar. Las autoridades habían dejado entender que pasaban aviones F-16 cada cierto tiempo. Gilliam decide filmar de todos modos diciéndose que va a concentrarse en los grandes planos.
El segundo día se rueda la escena con los prisioneros. Pero el dia es gris. Y a medida que avanza, más gris —y frío— se pone el día. Uno de los jefes de equipo no entiende cómo cambia la luz. Las nubes se acumulan a una velocidad relámpago y se oye un ruido extraño. ¡No son los F-16, sino los truenos!, se burla Terry Gilliam, y como por maldición en ese momento comienza a caer una lluvia de granizo, con bolas de hielo
tan grandes como pelotas de golf. En esta región caliente, en esta época del año, es algo nunca visto. Todo el mundo corre a buscar refugio. Comienzan las borrascas y el techo de la cantina desaparece. La tempestad es de corta duración, pero al terminar de caer la granizada todo el mundo está chapoteando en un mar de lodo. Y los F-16 siguen pasando.
El tercer día, aquel lugar parece más bien Escocia: una bruma espesa cubre todo el paisaje, hay fango por todas partes. Es necesario, entonces, limpiar todo el equipo. Es un día perdido. El cuarto día, el cielo continúa gris y los F-16 siguen allí. Johnny Depp y Jean
Rochefort vuelven al escenario (o lo que queda de él). Previsores, han sacado los abrigos.Está claro que no van precisamente a calentarse durante la filmación. Terry Gilliam está perdido. No sabe qué secuencia filmar. Los problemas de concordancia son insuperables. Aunque poco, el sol comienza a brillar.
El quinto día, milagro. Está haciendo buen tiempo. Todo no puede estar perdido. El cineasta propone rodar una escena en la que Jean Rochefort y Johnny Depp discuten desde lo alto de sus cabalgaduras. Curiosamente, Jean Rochefort siente un dolor infernal al montar sobre su
caballo. No dice nada, pero el dolor y el esfuerzo se leen en su rostro. Terry Gilliam filma como si nada, pero el resultado es catastrófico. Comprende que su actor principal está enfermo.El equipo también lo está: en el estudio reina un silencio de catacumba. Al dia siguiente, Jean Rochefort vuela a París a ver a su médico. Terry Gilliam, los técnicos y René Cleitman analizan la situación desde todos los ángulos posibles. ¿Qué hacer? “Continuemos”, sugiere Terry Gilliam. Esperemos a ver qué dicen los médicos.
Al dia siguiente, los
inversionistas se apersonan en el sitio del rodaje, inconscientes del naufragio que se juega ante sus ojos. Terry Gilliam continúa filmando a Johnny Depp. Es mejor que nada. Otro día más, y son los expertos de la empresa de seguros los que llegan. Gilliam filma una escena demarionetas. Para salvar los muebles, habrá que pasar la enfermedad de Jean Rochefort como un caso de fuerza mayor. No es seguro que eso funcione. Tampoco es seguro que eso permita relanzar la máquina. El infatigable Terry Gilliam está agotado, sin fuerzas, vacío, desgastado. Ya no ve su ‘Don Quijote’, no lo siente, no lo quiere. Y tanto es así, que siente aliviado cuando recibe la noticia de París: Jean Rochefort no volverá. Sufre de doble hernia discal de la columna vertebral.
Algunos días más tarde, el rodaje se suspende definitivamente de manera oficial.
En 2003, aparece en las salas de Francia un documental poco habitual: LOST IN LA MANCHA, realizado por Keith Fulton y Louis Pepe. “Lost in La Mancha” es la crónica triste y divertida a la vez de este rodaje abortado y el primer “unmaking of’ de la historia del cine.
Quiero iniciar esta semana con una noticia bomba para los fans de las series de los años 60. La famosísima serie «Dark Shadows», que se conoció
en nuestros países como «Sombras Tenebrosas», va a ser llevada a la gran pantalla. Johnny Depp, gran fan de esta serie de televisión de los años 60, está dichoso de tener el papel principal, el del vampiro Barnabas Collins. Queda por saber quién estará encargado de la dirección y de llevar a la pantalla el universo tan particular de esta telenovela macabra. Me parece que Tim Burton sería el director ideal.
Cameron Díaz rueda actualmente bajo la dirección de Nick Casavettes en «My Sister’s Keeper». La actriz interpreta a la madre de una adolescente lanzada a una cruzada judicial por obtener su emancipación. La joven, concebida y traída al mundo por sus padres, a fin de salvar a la primera hija de la pareja de una enfermedad grave, rehusa donar uno de sus riñones a su hermana.
En Francia, el mercado del video está compartido entre el DVD (99.9%) y el VHS (0.01%). Esta última cifra, sin embargo, no es depreciable para el VHS: 800 mil copias por año.
Susan Sarandon integrará en octubre próximo al elenco del próximo film de Peter Jackson, actualmente en rodaje: «The Lovely Bones».
La actriz encarnará a la abuela de la protagonista (Saoirse Ronan), una joven asesinada que, después de su muerte, continúa observando cómo viven su familia y su asesino (Stanley Tucci). Los padres de la joven serán interpretados por Rchael Weisz y Ryan Gosling.
En «The Duchess», un film de Saul Dibb, Keyra Knightley interpretará a Lady Georgiana, duquesa de Devonshire, conocida por su gran belleza, sus talentos literarios y sus locuras amorosas. Comienzo del rodaje en octubre
próximo.
Matt Damon tiene ya su propia estrella en Hollywood Boulevard. Durante la ceremonia en su honor, el ahora triunfador recordó sus comienzos difíciles con su compañero de siempre Ben Affleck. «Ben y yo vivíamos en un apartamento verdaderamente miserable a unas cuantas cuadras de Hollywood Boulevard. Veníamos acá con frecuencia a mirar las estrellas. Yo soñaba con tener la mía algún día ...». ¿Es que podría haber dicho algo diferente, por Dios? Por cierto, La taquilla estadounidense se la lleva esta semana «The Bourne Ultimátum», seguido de la película de los Simpson, film que también ocupa el segundo lugar en Francia. El primero en tierra gala es «RATATOUILLE».
Hoy comienza el Festival de Cine Americano de Deauville, y que durará hasta el 9 de septiembre. El presidente del jurado será el director francés Andrés Techiné quien deberá decidir entre los 11 films que compiten en esta ocasión. Este año el Festival le rendirá homenaje a Michael Douglas, a Sigourney Weaver, a Gus Van Sant, a Ida Lupino y a Sidney Lumet. Igualmente, habrá un gran novedad en esta ocasión: el evento »Noches americanas» que permitirá apreciar 60 películas de la historia del cine americano programadas en continuo las 24 horas del día hasta el fin del Festival.
Darren Lynn Bousman, director de «Saw 3», y bien pronto «Saw 4» será el encargado de llevar a la pantalla «Repo! The genetic opera», un thriller futurista, enriquecido con secuencias musicales, en un universo post apocalíptico, un mundo devastado en el que los pocos supervivientes deben su vida al trasplante de órganos, lo cual genera un tráfico de partes humanas, en el cual reina un rico magnate, cuya hija será encarnada por la conocida rubia Paris Hilton.
Orlando Bloom podría unirse al elenco de «Angeles y demonios», bajo la dirección de Ron Howard. «Angeles y demonios» es la segunda novela llevada a la pantalla del escritor Dan Brown, el ahora celebérrimo autor de «El código Da Vinci», aunque la novela fue publicada antes (en 2000), y que recrea una trama (mejor escrita, a mi modo de ver, y con menos errores históricos que el famoso «Código Da Vinci») que gira en torno a una sociedad secreta, los Illuminati, que trata de apoderarse del poder en el Vaticano. El personaje principal, el del profesor de arte Robert Landon, será de nuevo encarnado por Tom Hanks. La top model Gisele Bundchen, quien tuvo una aparición en «El Diablo se viste de Prada», podría ser la escogida para encarnar a Victoria, la heroína del film al lado de Hanks. Hubiese preferido otro director.
Para intentar salvar a su hijo, condenado a 30 años de prisión por tráfico de estupefacientes, un padre decide infiltrarse en el medio ambiente de la droga. Carl Franklin, director de «Out of time», junto con Denzel Washington, estará llevando las riendas de este thriller inspirado de hechos de la vida real, y que tendrá por nombre «Snitch».
Esta es una primicia: Los estudios Disney se han comprometido a no mostrar más un solo personaje fumando en sus películas. El cigarrillo no había siempre tenido buenas representaciones (recuerden la boquilla de Cruella Deville), y ahora simplemente no tendrá ninguna aparición. Para los films ya editados en DVD, Disney ha decidido de colocar una advertencia sobre los riesgos del consumo de cigarrillos.
Hasta los mismos fans de «Shrek» han manifestado abiertamente su decepción por el tercer episodio de las aventuras
del ogro verde. Pero eso no ha impedido que los productores hayan batido récords de taquilla. Resultado: los estudios Dreamworks han anunciado un cuarto episodio para el 2010 y que luego seguirá un quinto.
La actriz holandesa Carice Van Houten,descubierta en el extraordinario film «Black book» será la contraparte de Joseph Fiennes et Gérard Depardieu en el film «Vivaldi», de Boris Amast, que cuenta la vida del célebre compositor. Jacqueline Bisset, Lena Headey, Malcolm McDowell y Elle Fanning estarán igualmente en el elenco de esta película cuyo rodaje comenzará a fines del 2007.
Renée Zellweger vuelve a los westerns, género que le valió un Oscar («Cold Mountain»). Estará al lado de Viggo Mortensen y Ed Harris, éste último a cargo también de la dirección. «Appaloosa» contará la historia de dos hermanos comprometidos a proteger un poblado de un ganadero sin escrúpulos. El rodaje comienza en octubre.
Hasta la próxima.
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Auténticos TITANIC del séptimo arte, peliculas catastróficas que pusieron a sus productores de rodillas, con presupuestos faraónicos y pobres resultados en la taquilla, rodajes apocalípticos y estrenos fallidos: obras del cine que pretendían (o pretendieron) ser ambiciosas y que resultarían en un fiasco magistral sembrando la ruina y la desolación. He aquí la primera entrega.
Popeye (1980), de Robert Altman
En su desdén por los financistas y productores, Robert Altman decía: "Ellos venden zapatos, yo fabrico guantes". Pero se olvidaba de algo: son ellos quienes aportan el dinero, la pasta, las monedas, la plata, en otras palabras, lo esencial.
POPEYE fue el proyecto más surrealista de Robert Altman: concebido por un productor hollywoodense cocainómano, interpretado por un actor con sobredosis de estímulos (también cocainómano), realizado por un equipo de técnicos adictos al polvo blanco, POPEYE fue un fracaso no solamente histórico sino de dimensiones
cósmicas.
Milagro del mundo del arte: de un dibujo animado y una historieta divertida y contundente desde el punto de vista de la solidez de sus personajes y su universo interno, Altman hizo una película que deshace por los cuatro costados, con canciones tan melodiosas como el sonido de un camión frenando, coreografías tan elevadas artísticamente como comerse los mocos, y decorados que parecen diseñados por un estrábico.
Incluso el mismo Robin Williams lo recuerda con terror: "Mientras prepárabamos el film yo me decía: `Ya está, todo está bien'. Me veía en la ceremonia de entrega de los Oscares, agradeciendo a todo el mundo, y a mi mamá. Desde que comenzó el rodaje, perdí las ilusiones. Un dia después, me dije: `No necesariamente todo tiene que ser bueno' Al final me rogaba a Dios porque todo terminara".
Evidentemente, Dios no tenía nada que ver. Robert Evans, el productor, era el verdadero
arquitecto del desastre. Retomemos el punto: en 1978, Evans estaba en la cima de la gloria. Pequeño de estatura, nervioso, bronceado, nuevo rico, había sido el exitoso productor de EL PADRINO y CHINA TOWN, era amigo de Warren Beatty y de Jack Nicholson, salía a cenar con las conejitas más lindas de Playboy, se levantaba en las mañanas preguntándole a la mujer de servicio cómo se llamaba la chica que dormía con él a su lado, y mantenía una reputación de wonder boy, de genio que lo logra todo, de mago del hit parade.
Una noche en Nueva York, fue a ver "ANNIE" (conocida en castellano como "Anita La Huerfanita") en Broadway, una
comedia musical que acababa de pasar la barrera de las 2 000 representaciones. Se pregunta: ¿por qué no hacer una película? La fórmula es simple (y ha funcionado antes): "ANNIE" fue inspirada por una historieta, por lo tanto puede ser adaptada como se quiera, sin demasiadas preocupaciones. Evans corre entonces a comprar los derechos de autor, pero se encuentra con que ya han sido adquiridos por Columbia. Mientras cena con una ensalada César (con sus espinacas y cuscurros), recibe de pronto la iluminación: quien dice "espinacas" dice "Popeye", quien dice "Popeye" dice "Paramount" (porque los derechos del personaje pertenecen a su productora desde la noche de los tiempos). De inmediato, toda la máquina Paramount se pone en movimiento.
¿De dónde viene "POPEYE"? En inglés es un nombre formada a partir de la expresión POP – EYE (ojo saltado o sacado), en alusión al ojo perdido del marinero. Era una historieta de Elzie Segar (1894-1938), que comenzó a publicarse en 1929 en el diario "New York Evening Journal". Un muchacho ve a un marino con una pipa en un andén y le pregunta: "¿Eres marino?", y Popeye responde "¿Acaso piensas que soy un vaquero?". Un nuevo héroe ha nacido. Inmediatamente adoptado por los lectores del diario, el marino de los grandes brazos, superdotado a causa de comer espinacas, pasa al cine en 1932, cuando los hermanos Max y Dave Fleischer lo hacen un héroe de los dibujos animados. Por 24 años y 234 episodios, radios, libros, figuritas, emisoras de televisión, Popeye estará presente en todas partes. En 1978, precisamente, la pantalla chica emite
un programa dedicado a él: "The All New Popeye Hour", lo cual encaja estupendamente.
Evans se frota las manos. Contacta a un amigo suyo, un actor entonces de moda, Dustin Hoffman. El lo conoce bien porque ambos acostumbran jugar al tenis en la residencia de Evans. El actor nunca ha cantado, pero qué importa. Tomará cursos si es necesario. ¿Presupuesto? Grande, muy grande, asegura Evans: casi 10 millones de dólares, una suma astronómica para la época (era el PNB anual de un país como Azerbaiján). Paramount
refunfuña. Evans tiene una idea (otra más): asociar a Walt Disney al proyecto (50%-50% entre ambas). Luego le viene otra idea (una mejor aún): le confía el guión a Jules Feiffer, quien es, antes que nada, un caricaturista político, pero que se ha anotado un éxito cinematográfico al escribir el guión de un film exitoso: CARNAL KNOWLEDGE (1971). Es conocido por su espíritu mordaz y su cinismo abrasivo (al recibir un premio dijo en una ocasión: "Heredé el físico de mi padre, su manera de hablar, du manera de ser, y sus opiniones. También heredé el desprecio que mi madre sentía por él").
Evans dicta sus instrucciones: Popeye es un individualista, él es como es, simplemente. Eso encaja en el espíritu de los tiempos: cada quien que se las arregle como pueda (los años Reagan que vendrán a continuación serán la prueba de ello). Feiffer se pone a trabajar: escribe, reescribe, produce 8 versiones sucesivas del guión. Finalmente, a petición de Dustin Hoffman, va a ver a éste a su residencia. Hoffman es conocido por su costumbre de ser muy intervencionista con los guiones. Con frecuencia reescribe los diálogos directamente durante el rodaje de una escena. Y Feiffer lo sabe. Tan nervioso se encuentra con la cita con Hoffman, que llega a ella con varios tragos encima. Evidentemente, la corriente no pasa entre los dos. Hoffman reclama y exige a la Paramount que despida a este guionista recalcitrante. Patalea para que su decisión se tome en cuenta. Pero Evans no lo toma en cuenta. Caprichos del destino, Evans decide
mantener a Feiffer como guionista, y deshacerse de Hoffman para el papel principal. Esto significará la ruptura de la amistad entre ambos, y no se cruzarán de nuevo palabra (ni siquiera se darán los "buenos días" durante años).
Es necesario ahora reemplazar la cabeza principal del elenco. ¿Quién es ese cómico que aparecía hace una semana en la portada de la revista TIME? ¿Robin qué? ¿Robin "Williams"? Es gracioso, incluso genial, cuando improvisa en escena, se dice. No ha hecho sino una sola película hasta ahora (cuyo título no puede ser más inverosímil: `¿Puedo seguir haciéndolo hasta que necesite anteojos?).A los
27 años, Robin Williams consigue el contrato. Ni siquiera pregunta quién será el director. En realidad, no lo hay aún. Paramount sugiere Hal Ashby. Disney apunta a Mike Nichols ("El graduado"). Evans, por su parte, quisiera que fuera Arthur Penn ("Bonnie and Clyde"). Se presenta un candidato: Robert Altman.
Altman es un rebelde, un agitador. Ha sido piloto de bombarderos, le encanta el whisky y las bellas mujeres, y simboliza, sobre todo, la nueva tendencia anti-Hollywood: su película M.A.S.H. ha tenido un éxito inmenso en 1970.
Es cierto que su manera de ser es algo extraña: le encanta hacer la gran fiesta con su equipo de trabajo, se desplaza con una caravana oriental de técnicos y actores, escucha las opiniones de todo el mundo (incluso invita a la cantinera a expresar su opinión durante la conferencia de trabajo de cada mañana), y no le gusta sino trabajar en medio de un caos permanente. Además, le gusta apostar, tomar riesgos, caminar al borde del precipicio. ¿Los productores? ¡Parásitos! ¿Los banqueros? ¡Crápulas!
Altman es, además, un director "comprometido"
(políticamente). "El mundo de Popeye es un microcosmos de nuestra sociedad actual". Evans lo entiende: o es Marx, o sino la muerte. Mientras tanto, Evans busca a un músico: ¿Leonard Cohén? ¿John Lennon? ¿Paul McCartney? Altman se bate por Harry Nilsson, quien había escrito la canción de "Midnight Cowboy". Nilson es alcohólico, drogadicto y anda con una suerte de perros: la cantante principal del cuarteto THE MAMAS AND THE PAPAS ha muerto en su casa, el baterista de THE WHO, Keith Moon, también, y su amigo John Lennon morirá asesinado unos meses más tarde. En resumen: lo que le gusta a Altman, quien decide, manu militari, rodar lo más lejos que se pueda de Hollywood.
Se decide a filmar en la isla de Malta (las locaciones se convertirían luego en atracciones turísticas en la isla) y opta por una pequeña ensenada maltesa, Anchor Bay, para reconstruir allí la ciudad imaginaria de Sweethaven, cuya particularidad es que todos sus edificios y casas están torcidos. Nada fácil. Los obreros hacen todo al revés, como es de esperar. ¿Cómo explicarles que, precisamente, todo debe colgar y doblarse? Las sesiones de filmación son turbulentas: "¡¡¡Inclinadas, las casas tienen que estar inclinadas!!!" Los lugareños observan a los atribulados cineastas con conmiseración. Es la "maltarena", que llaman (la nostalgia del hogar), piensan ellos. Pero terminan por entender: el director está borracho.
El fastidio con Anchor Bay, además, es que está aislada de todo. Altman hace trazar carreteras, crear diques con ruinas compradas a precio de oro, trae la madera desde Austria, y los techos desde Canadá. Además, exige que las casas sean verdaderas casas de 3 dimensiones y no solamente fachadas. Un viejo barco es hundido en la bahía para servir de plataforma para el decorado del casino, se instalan un estudio de grabación, varias mesas de montaje, una sala de proyección. ¿El presupuesto? ¡A quién le importa! Altman se quita la pregunta de encima con un
gesto displicente de su mano. Todo va a estar bien. Además, en Malta, se puede rodar en exteriores: el clima es sistemáticamente caliente y seco. Eso permite economizar en otros lados.
El 28 de enero de 1980 comienza el rodaje. Disney gira instrucciones de que no haya malas palabras. Evans está ocupado en otro lado con la post produccion de "Urban Cowboy" (con John Travolta), y la tribu se instala. Los amigos, las familias, los hijos, las amantes de los técnicos: todo el mundo se instala en Malta y comienza la fiesta. Robin Williams se encuentra bajo vigilancia: su esposa de entonces no lo deja ni a sol ni a
sombra. Feiffer, en su esquina, reescribe incesantemente los diálogos, que deben ser breves, como en la historieta. Altman altera algunas líneas de diálogo, las asigna a otros personajes. Quiere también que las canciones sean grabadas en vivo, lo que es prácticamente imposible, especialmente para Robin Williams quien, fiel a su personaje, debe tener una pipa de maíz en la boca, hablar (o cantar) con la comisura de los labios, y tener un ojo permanentemente cerrado. Además, debe cargar con las prótesis de goma de los brazos, importadas desde Cinecittà, en Roma, que le paralizan las manos. Cada hora, debe suspenderse la filmación, sacarse las prótesis, masajearse los brazos y antebrazos, y volver a poner todo en su sitio de nuevo.
¿Y habíamos dicho que era el clima perfecto, caliente y seco? Pues la mala suerte comienza a intensificarse. Las lluvias llegan y se forma un diluvio. La gente se encierra a esperar que el clima mejore, y comienzan a aparecer las disputas. Robin Williams se aburre y se va a dar una vuelta por los bares, con la nariz empolvada con el polvo que llaman "la colombiana". Delante de los malteses, comienza a hacer improvisaciones: Mickey Mouse, martillo, mosquito tse-tsé, Eva Braun. Los lugareños lo ignoran es uno de los tipos de la pelicula, un débil mental sin duda, piensan ellos. El compositor Harry Nilsson hace las maletas y se larga. Los amigos, familias, amantes e hijos comienzan a impacientarse. El consumo de alcohol aumenta. Y el de la cocaína también. Se
organiza un auténtico tráfico. Los conflictos empeoran, el ambiente se degenera.
¿La coreografía? Muy rara. El cineasta exige que los personajes de las historietas continúen siéndolo. Por lo tanto, los actores tienen que bailar como azadones. Presintiendo el desastre, los productores de Paramount y Disney toman el avión para apersonarse en Malta. La cuenta es pesada: ya van por los 20 millones de dólares. A Altman no le importa un carajo. La situación se degenera. Evans es llamado al rescate.
Cuando Evans llega, se da cuenta de que sus maletas no vienen con él. Ahora bien, su equipaje estaba ahíto de cocaína. Es el pánico. Llama a Hollywood y a las embajadas respectivas, para evitar un incidente diplomático. Henry Kissinger, secretario de Estado, es despertado en medio de la noche. Encuentran las maletas pero, un mes más tarde, Evans es acusado de tráfico. Esta vez, hará intervenir a Sidney Korshak, abogado de la Mafia, padrino de los padrinos, uno de los hombres más poderosos de Estados Unidos. Robert Evans recibirá una amonestación de la justicia americana. Mientras tanto, "POPEYE" está casi terminado. Solamente queda una escena por filmar, la de la pelea con el pulpo gigante. No funciona. Los cables eléctricos están muertos. Cae la lluvia. La
ruta, enlodada. Altman exige a los actores simular que se baten contra la bestia en plástico, tan impresionante como batirse en duelo con un bol de espaguettis. Esta vez, los productores están al borde. Envian a todo el mundo de regreso a Estados Unidos.
Disney edulcora los diálogos, hace quitar una escena en la que aparece la palabra "shit!". Los canciones son dobladas en estudio en Los Angeles. Robin Williams se divorcia. Altman no logrará recuperarse hasta varios años después, pasando por otro rotundo fracaso, "Prêt-à-porter". En cuanto a Robert Evans, va a encontrarse con otro fiasco: COTTON CLUB, e incluso se sospechará de que ha encargado el asesinato de un ejecutivo.
En el momento de su salida en las pantallas, POPEYE es acogida con entusiasmo (finalmente hizo el doble de dinero que costó), para luego dar paso a una estupefacción incrédula: "¿qué vaina es esta?", se preguntaron los críticos y el público. POPEYE es tan divertida como una partida de ajedrez narrada por radio. MAD haría una parodia con un título de antología: FLOPEYE (flop = fiasco).
¿Qué queda del POPEYE de Altman? Antebrazos de anime, una irritante canción ("I yam what I yam"), y la silueta de Shelley Duvall en el papel de Olivia (esta mujer nació, sin duda, predestinada para ese personaje). El pequeño pueblo de Sweethaven quedó en pie y el gobierno de la isla ha sabido sacarle provecho turístico desde entonces, junto con la nueva especialidad culinaria de la isla: sopa de espinacas.
Kale (Shia LaBeouf) pierde a su padre en un terrible accidente de tránsito. Un año después, por agredir a un profesor de su escuela, el joven es condenado a arresto domiciliario con prohibición de alejarse del perímetro de su casa, por lo que se ve obligado a llevar un brazalete de tobillo en su pie que se activa llamando a la policía cada vez que transgrede el límite indicado por el tribunal. Aburrido de internet y de los video juegos, Kale decide entretenerse espiando a sus vecinos: los chiquillos que observan peliculas pornográficas cuando la madre no está, la vecinita caliente que se baña en su piscina cada día y lee durante horas sentada en el techo de su casa, y... el misterioso señor Turner, que parece ser el asesino en serie buscado por la policía.
Comentario
He aquí en menos de 1 mes, dos films de quien parece ser el nuevo consentido del público juvenil
en Estados Unidos, Shia (se pronuncia "shaia) LaBeouf, quien también lleva el papel protagónico de TRANSFORMERS y rueda actualmente en compañía de Harrison Ford el cuarto episodio de INDIANA JONES en el que hace el papel del hijo del héroe. Este film, convencional por todos lados y con una trama 100% predecible, es divertido y entretenido, no tanto por la historia misma y su desenlace sino por las situaciones accesorias y el definitivo encanto del protagonista en adolescente de nuestros días y la belleza de su madre, la siempre deliciosa Carrie-Anne Moss.
De origen irlandés, Stewart Kane (Gabriel Byrne) vive en Australia, en la pequeña ciudad de Jindabyne. Un fin de semana que decide ir con 3 de sus amigos a pasar un buen rato en las montañas pescando en el río, descubre el cadáver de una mujer. Los cuatro hombres, sin embargo, contra toda reacción instintiva en una situación semejante, deciden no echarse a perder sus días libres a causa del suceso y continúan adelante con su fin de semana de descanso, luego de atar el cadáver a un tronco para evitar que la corriente se lo lleve y poder reportar el hecho a su regreso el lunes siguiente. Como es de esperar, la reacción de los pobladores es de indignación. ¿Cómo podían seguir como si nada? Pero hay algo más: la mujer muerta pertenece a una de las comunidades aborígenes australianas, por lo que el suceso se convierte en un debate que remueve los rencores sobre el racismo en el pueblo, y
los cuatro hombres comenzarán a pagar cara su insensibilidad.
Comentario
Interesantísimo y conmovedor film de Ray Lawrence, que, a partir de un hecho que puede parecer insólito aunque realista (me pregunto qué hubiese hecho yo en una situación semejante), construye una historia de relaciones humanas intensas. Nadie sale ileso de este suceso y me hizo cuestionar de igual manera sobre la situación de las comunidades aborígenes de Oceanía, especialmente en su relación con las comunidades blancas. ¿Y si la mujer encontrada muerta hubiese sido blanca? Un film de final abierto, pero pleno de humanidad, con las luces y sombras que pueblan el alma humana. No esperen respuestas. Al contrario: saldrán de la proyección llenos de preguntas.
¡Hola a todos!
Veréis, quería preguntar una cosita. Hace un tiempo que tengo el
proyecto de montar con un amigo una tienda de artículos de cine, ya
sabéis, merchandising, pósters, etc, y quería preguntaros qué os
gustaría encontrar en una tienda de ese tipo, para que no se me olvide
nada. Seguro que hay algo que os gustaría tener y no encontráis o no
sabéis dónde buscar. Si mi proyecto sale adelante, yo lo tendré.
Cuento con vuestra ayuda. Un abrazo,
Rosa.
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saludos y gracias ^^
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*EL VERDUGO DE VENECIA(1963/LUIGI CAPUANO)
*NEFERTITI REINA DEL NILO(1961/FERNANDO CERCHIO)
MUCHAS GRACIAS
hola tio, ya no respondes a mis emails eh ¬¬
bueno no se si te llegaran.
como ya te dije escanee carteles de peliculas de Murnau que tenia por
aqui y las colge en el emule pero no se si te las terminaste de bajar
o no. aun me quedan carteles q escanear pero mi scaner se rompio
cundo me faltaban la mitad :S
bueno dime algo.
ahm y la web joe impresionante, como siempre. saludos ;)
simplemente animar a la gente a que este grupo tenga mas actividad, y
animo a la gente de "una pagina de cine" una de las mejores webs de
caratulas de cine. saludos
MurnauVsBuñuel
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